Alai

Italské umění, které tvoří nejslavnější umělecká a architektonická díla světa, je již dlouho středem zájmu světových dějin. Kulturní pokrok a výměna lidové „boty“ zůstaly po staletí konzistentní, což vedlo k nepřetržité produkci monumentálních a velkolepých děl ve všech sférách kultury a umění. Od klasických dob a starověkých lidí, kteří vytvořili první civilizaci na Apeninském poloostrově, přes velkou Římskou říši jako přední kulturní, politické a náboženské centrum západního světa až po slavná období renesance a baroka, bez nichž si umění prostě nedovedeme představit, a zásadní hnutí italské avantgardy minulého století představuje italské umění jeden z největších pokladů lidstva. Jeho umělci, muzea, galerie a tendence byly vždy úzce spjaty s intelektuálními a náboženskými proudy, odrážely představy své doby a utvářely výjimečný, nevyčerpatelný odkaz. Itálie, země, kde je sám život považován za formu umění, nadále přispívá k rozmanitosti a obohacení vlastní i světové kultury a oslavuje bohatství a význam své tradice.

Úplné počátky – římské a etruské umění

Ústřední roli v dějinách italského umění vždy hrál Řím, počínaje 9. stoletím př. n. l., a etruské umění. V době, kdy hlavní město začalo budovat říši na Apeninském poloostrově, byly jejich bronzové figury, terakotové reliéfy, malby a fresky silně zastoupeny a stanovily přísný standard stylu a techniky, který měl být následován v následujících staletích. Etruské fresky, které se nacházejí na stěnách hrobů, jsou dodnes považovány za nejvýznamnější příklady předřímských figurálních maleb, které jsou vědcům známy. Byly zhotoveny z čerstvé omítky a přírodních barev pocházejících většinou z kamenů a minerálů a nanášeny štětci ze zvířecích chlupů. Tato díla většinou zobrazovala scenérie z každodenního života a tradiční mytologické výjevy. V polovině 4. století se začala používat slavná technika chiaroscuro, která sloužila ke znázornění objemu a hloubky.

Etruskové měli později velký vliv také na římskou architekturu, která byla jednou z opor velkého impéria, jež vzniklo v 1. století n. l.. S civilizací přišla kultura a umění a Řím se stal nejvyspělejším městem na světě. Umělecká díla se stala symbolem bohatství a hojnosti, domy zdobily nástěnné malby a sochy byly instalovány v každém koutě domu i zahrady. Římané také zdobili podlahy mozaikami, které obvykle zobrazovaly události z řecké a římské mytologie a historické výjevy z každodenního života. Pod vlivem východního umění a náboženství, zejména Byzantské říše a hlavního města Konstantinopole, začalo římské umění zahrnovat křesťanské motivy a rozšířilo produkci nástěnných maleb, mozaikových stropních a podlahových prací i pohřební plastiky.

Tendence pokračovala i ve středověku, kdy se byzantské umění v Itálii vyvinulo ve vysoce formální a rafinovanou výzdobu s normalizovanou kaligrafií a obdivuhodným použitím zlata a barev. Umění v Itálii bylo do té doby značně regionální, s dopady vnějších evropských a východních proudů. Dalším významným slohem byla gotika, která znamenala přechod od středověku k renesanci. Během náboženských sporů v církvi chtěli františkánští mniši vrátit katolickou církev k základům a zavedli gotickou architekturu nejprve v severní Evropě a poté na jih, směrem do Itálie.

Renesanční umění v Itálii

Renesance, jistě nejslavnější období v dějinách italského umění, označovala období od konce 13. do konce 16. století. Začali ji malíři a sochaři, kteří chtěli svým dílům dodat duchovní kvalitu a evokovat hluboké náboženské významy. Zároveň chtěli realisticky zobrazovat lidi a přírodu. To se odrazilo i v renesanční architektuře, kde architekti navrhovali obrovské katedrály, aby zdůraznili velikost Boha a pokořili lidského ducha. Umělci renesanční Itálie byli často připoutáni k jednotlivým dvorům a byli věrni pouze jednotlivým městům, přesto jejich díla zobrazovala celou Itálii a šířila umělecké a filozofické myšlenky. Rodištěm renesance je jistě město Florencie v Toskánsku, kde se dodnes nacházejí nejvýznamnější díla všech čtyř období a kde sídlí nejslavnější muzea a galerie na světě.

V podstatě se protorenesance (1300-1400), raná renesance (1400-1475), vrcholná renesance (1475-1525) a manýrismus (1525-1600) dělily mezi umělce, kteří každé z nich vyzdvihovali. Počátky poznamenal slavný malíř Giotto, který jako první umělec od pádu Římské říše realisticky zobrazil přírodu. Jeho velkolepé fresky plné emocí radosti, vzteku, zoufalství, studu, zloby a lásky se dodnes nacházejí v kostelech v Assisi, Florencii, Padově a Římě. Mezi Giottem a třemi mistry, kteří ovládli umění konce 15. a počátku 16. století, jsou Taddeo Gaddi, Orcagna, Altichiero, Masaccio, Donatello, Paolo Uccello, Andrea Mantegna a mnoho dalších.

Díla italského renesančního umění – dějiny umění v Itálii

Vysoce renesanční díla Michelangela, Rafaela a da Vinciho

Období vrcholné renesance, od konce 15. a počátku 16. století, bylo jedním z nejdůležitějších období v celých dějinách umění a nejjasnějším okamžikem toho italského, jistě díky genialitě tří mužů, kterými jsou Michelangelo, Rafael a Leonardo da Vinci. Michelangelo, prohlášený za největšího sochaře v dějinách, byl mistrem ve ztvárňování lidské postavy, působící ohromujícím dojmem fyzické a duchovní síly. Jeho pozoruhodná freska na stropě Sixtinské kaple ve Vatikánu, namalovaná v letech 1508-1512, patří k největším renesančním uměleckým dílům. Naproti tomu Rafaelovo umění bylo poetičtější, protože uměl vytvářet perspektivu a používat jemné barvy. Je známý mnoha obrazy Panny Marie a mnoho jeho děl bylo ovlivněno klasickými řeckými a římskými předlohami.

K freskám v Sixtinské kapli se na seznamu nejslavnějších děl italského renesančního umění připojují fresky Leonarda da Vinciho Poslední večeře a portrét Mony Lisy, které ho bezesporu řadí mezi největší mozky nejen své doby. Da Vinci, symbol renesančního ducha vzdělanosti a intelektuální zvídavosti, byl velkým talentem v mnoha různých oblastech, který se učil pozorováním věcí. Jeho studie světla, anatomie, krajiny a lidských výrazů jsou dodnes nedostižné pro žádného jiného umělce na světě.

Představení italského moderního a současného umění

Mezi renesancí a novověkem se italské umění stylově vyvíjelo, přes eleganci manýrismu, bouřlivé chiaroscurové baroko Caravaggia a Berniniho, rokokové tendence Tiepola, Canaletta a Bellotta až po neoklasicistní díla Canovy a Hayeze, mezi 17. a 19. stoletím. S příchodem 20. století se Itálie a její umělci zapojili také do koncepce avantgardních směrů, které se opíraly o bohatý odkaz svých předchůdců. Díky významnému rozvoji malířství a sochařství se Itálie stala také horkým místem pro design, který zejména ke konci tisíciletí produkoval vlivné designéry s jejich nápaditými a důmyslnými funkčními díly.

Futurismus – Futurismo

Mezi lety 1909 a 1916 se Itálie připojila k evropským hnutím, jejichž cílem bylo zpřetrhat vazby s minulostí ve všech oblastech života. Začalo to manifestem futurismu, který koncipoval italský spisovatel Filippo Tommaso Marinetti a který vyjadřoval futuristickou oslavu síly, rychlosti a vzrušení a nesouhlas se vším starým, zejména s politickou a uměleckou tradicí. Jejich díla oslavovala vítězství techniky a věku strojů nad přírodou, často zobrazovala automobil, letadlo, průmyslové město. Styl umělců futurismu se vyznačoval překrývajícími se fragmenty barev a mnohonásobnou obrazností, sršel energií a evokoval frenetickou atmosféru moderní doby. Díla zahrnovala různá média, včetně malířství, sochařství, grafického a průmyslového designu, keramiky, filmu a divadla, módy a textilu, literatury, hudby, architektury a dokonce i gastronomie, přičemž čerpala inspiraci z divizionismu a kubismu. Futuristické myšlenky ve výtvarném umění uplatňovala skupina mladých malířů se sídlem v Miláně, k níž patřili Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla a Gino Severini. Boccioni se věnoval také sochařství, proslavil se vytvořením obrazů Unikátní formy kontinuity v prostoru z roku 1913, které stály jako symbol postav pohybujících se v prostoru velkou rychlostí.

Metafyzické umění – Pittura Metafisica

S působením Carla Carry a Giorgia de Chirica ve Ferraře se metafyzické umění, italsky pittura metafisica, stalo definicí snových maleb náměstí typických pro idealizovaná italská města. V těchto dílech se postavy a předměty zdají být zastavené v čase, nacházejí se v podivných, nelogických souvislostech, neskutečná světla a barvy, nepřirozená perspektiva. Tato díla, popisovaná jako „obrazy, které nelze vidět“, je třeba rozpoznat jako produkty nevědomé mysli, mimo logiku a fyzickou realitu – odtud název „metafyzické“. Škola založená de Chiricem a Carrà, ačkoli neměla dlouhého trvání, poskytla významný podnět pro rozvoj hnutí, jako bylo dada a také surrealismus.

Novecento Italiano

Novecento Italiano, založené v Miláně v roce 1922, bylo hnutí vytvořené za účelem obnovy italského umění odmítnutím evropských avantgardních směrů a vycházelo z rétoriky Mussoliniho fašismu. Iniciativa, kterou založila kritička Margherita Sarfattiová a kterou praktikovalo sedm umělců, mezi nimiž byli Anselmo Bucci, Leonardo Dudreville, Achille Funi, Gian Emilio Malerba, Piero Marussig, Ubaldo Oppi a Mario Sironi, se vrátila k velkému italskému reprezentativnímu umění minulosti, zejména ke Quattrocentu (1400) a Cinquecentu (1500). Umělci Novecenta (myšleno 20. století) podporovali fašistický režim a jejich tvorba byla spojena s oddělením státní propagandy, které usilovalo o obnovení tradice velkoformátové historické malby v klasickém stylu. Hnutí bylo oficiálně zahájeno v roce 1923 na výstavě v Miláně, kde byl jedním z řečníků Mussolini, a trvalo až do roku 1943.

Prostorismus – Spazialismo

Prostorismus, neboli italsky movimento spaziale, byl nejvýznamnějším hnutím poválečného období mezi lety 1947 a 1954. Bylo koncipováno jako nový typ umění a jeho záměrem bylo syntetizovat barvu, zvuk, prostor, pohyb a čas do uměleckých děl a kombinovat prvky konkrétního umění, dada a tachismu. Hnutí, které předznamenal Fontanův Manifesto Bianco (Bílý manifest) vydaný v Buenos Aires v roce 1946 a po němž následovalo dalších pět manifestů, se snažilo spojit umění a vědu a promítnout barvu a formu do reálného prostoru pomocí moderních technik, jako je neonové osvětlení a televize. Fontanova díla, jako například Černé prostorové prostředí z roku 1947 a plátna řezaná žiletkou vytvořená v průběhu 50. a 60. let, ovlivnila environmentální umění a jako první prosadila myšlenku gestického umění a performance jako klíčové součásti tvorby.

Arte Povera

Uznávaný italský umělecký kritik Germano Celant zavedl v 60. letech 20. století termín Arte Povera, kterým označoval umělecká díla kombinující aspekty konceptuálního, minimalistického a performativního umění a zaujímající radikální postoj. Umělci začali zpochybňovat a nakonec i napadat hodnoty zavedených institucí a ptali se, zda má umění jako soukromý projev jednotlivce ještě etický důvod k existenci. Celant spolu s klíčovými osobnostmi, které se podílely na formování tohoto hnutí, jako byli Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Jannis Kounellis, Mario Merz a Marisa Merz, Pino Pascali, Giuseppe Penone a Michelangelo Pistoletto, prosazovali představu revolučního umění, osvobozeného od konvencí, moci struktury a trhu. Název „arte povera“, což znamená „ochuzené umění“, byl odvozen od používání bezcenných nebo obyčejných materiálů, jako je hlína nebo noviny, v naději, že se tím rozvrátí komercializace umění.

Anti design

Kromě hlavních směrů italského umění, které formovaly kulturu země ve 20. století, hrál významnou roli také design, který se stal známým a vyrostl do výšin kultivovanosti a třídy. Zatímco na počátku století se designéři snažili najít rovnováhu mezi klasickou elegancí a moderní kreativitou a vdechovali život dílům podobným francouzskému stylu Art Deco, v průběhu 60. a 70. let se tento obor vyvinul v hlavního hráče na mezinárodní scéně, především v oblasti nábytku a interiérového designu. Mezi lety 1966 a 1980 se však objevil anti-design, který kladl důraz na výrazné barvy, zkreslení měřítka, ironii a kýč. Toto hnutí bylo reakcí na perfekcionistickou estetiku modernismu, kterou započal Ettore Sottsass ml. Spolu se skupinami Radical Design, jako byly Archigram a Superstudio, vyjadřovali své myšlenky výrobou prototypů nábytku, výstavními exponáty a publikováním manifestů, které jsou dodnes považovány za revoluční. Upřednostňovali jedinečnost před masovou výrobou a jejich návrhy měly být spíše funkční než krásné.

Transavangarde – Transavanguardia

Transavangardie, italská verze neoexpresionismu, známá také jako Transavanguardia, je hnutí, které koncem 70. a v 80. letech 20. století prošlo Itálií i zbytkem západní Evropy. Tento termín, který v doslovném překladu znamená „za avantgardou“, vytvořil jiný známý italský kritik Achille Bonito Oliva a symbolizoval odmítnutí konceptuálního a návrat k emocím, zejména v malířství a sochařství. Umělci jako Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Sandro Chia a Mimmo Paladino oživili symbolismus a figurativní malbu, stejně jako mýtické obrazy, znovuobjevené v době vrcholu hnutí.

Na cestě k novému tisíciletí – Arte Italiana dnes

I pět set let po období renesance, které je stále považováno za vrchol italských dějin umění, je místo této země na mezinárodní scéně velmi významné i dnes. Její umělci, kritici, kurátoři a vlivné osobnosti jsou stále přítomni, což dokazuje odhodlání Itálie zachovat své dědictví, aniž by ztratila orientaci na současnost a budoucnost. Nezapomínejme, že Benátské bienále bylo první výstavou propagující současné umění na světě, v roce 2015 proběhl jeho 56. ročník. Kromě historických muzeí a galerií rozesetých po celé zemi, jako je galerie Uffizi nebo Pinakotéka di Brera, se ve městech jako Florencie, Milán, Řím, Benátky a Turín nachází řada institucí a akcí, které mají zásadní význam pro podporu a propagaci současného umění v Itálii i mimo ni: V Miláně jsou to Palazzo Reale a Museo del Novecento, v Římě MACRO a MAXXI, Museo di Villa Croce v Janově, Punta della Dogana v Benátkách, Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina v Neapoli, Castello di Rivoli v Turíně a další. V uplynulém desetiletí zaznamenala Itálie také vzestup svých umělců a uměleckých děl na mezinárodním trhu s uměním, rozdělený mezi významné osobnosti 20. století a skupinu nových talentů, která přichází definovat tendence tohoto tisíciletí. Velkým přispěvatelem a vychovatelem těchto osobností je jistě veletrh umění Artissima, největší italský veletrh, který se koná již 23. rokem, a také četné soukromé a veřejné umělecké sbírky. Se silnou inspirací minulostí se italské umění zdá být nezastavitelné a nedává nám důvod pochybovat o tom, že jeho mimořádný odkaz nebude pokračovat i v budoucnosti.

Tip redakce: Ženy v italském renesančním umění:

Mezi lety 1350 a 1650 se v italských městských společnostech vedlo mnoho debat o povaze, rolích, vzdělání a chování žen¹. Tato kniha zaplňuje mezeru ve stále se rozrůstající literatuře o všech aspektech života žen¹ v tomto období. Na základě široké škály materiálů, z nichž většina nebyla dosud nikdy přeložena, osvětluje tato kniha ideály a skutečnosti, které ovlivňovaly život žen v kontextu občanské a dvorské kultury v renesanční Itálii. Text je rozdělen do tří oddílů: dobové názory na povahu žen a etické a estetické ideály, které jsou pro ně vhodné; životní cykly od narození po smrt, přerušované přechodovými rituály zasnoubení, manželství a vdovství; role žen¹ v klášteře, na dvoře, na pracovišti a v kulturním životě.Zkoumáním těchto témat Mary Rogersová a Paola Tinagliová dokazují, že neexistovala jediná „renesanční žena“. Realita ženských zkušeností byla bohatá a různorodá a jejich hlasy vypovídají o rozmanitých možnostech emočně bohatého a společensky užitečného života.

1. Nice, A. T., Řím, starověk, World Book, 2011
2. Kitzinger, E., Byzantine art in the making: main lines of stylistic development in Mediterranean art, 3rd-7th century, Faber & Faber, 1977
3. Hartt, F., A History of Italian Renaissance Art, Thames and Hudson, 1970
4. Pope-Hennessy, J. W., Italian High Renaissance and Baroque sculpture, Phaidon Press, 1996
5. Hyland, D. K. S. Futurism, World Book, 2011
6. Formaggio D. et al., Il Novecento Italiano, 1923 – 1933 Gabriele Mazzotta, 1983
7. Parmesani, L., L’Arte del Secolo, Skira, 2003
8. Celant, G., Arte Povera: Historie a protagonisté, Electa, 1985

Obrázky v posuvníku: Michelangelo Pistoletto – Venuše z hadrů 1967, 1974. Obrázek prostřednictvím Tate. Courtesy Castello di Rivoli; Francesco Clemente – Il cerchio di Milarepa (Milarepův kruh), 1982; Lucio Fontana – L’attesa. Rozbitý telefon, 1959-66. Obrázek přes Wikipedii; Mario Merz – Do houses rotve around us or do we rotve around houses?, Arte Povera 2011, Triennale, Milán; Carlo Carrà – The Red Knight (1913), přes pinterest com; Giorgio de Chirico – Melancholia, 1916, obrázek přes Wikipedii; Maurizio Cattelan – The Ninth Hour, 1999, obrázek přes Wikipedii. Všechny obrázky jsou použity pouze pro ilustrační účely.

.