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Die italienische Kunst, die einige der berühmtesten Kunstwerke und Architekturen der Welt hervorgebracht hat, steht seit langem im Mittelpunkt der Weltgeschichte. Der kulturelle Fortschritt und der Austausch des populären „Stiefels“ ist über Jahrhunderte hinweg beständig geblieben und hat zu einer kontinuierlichen Produktion monumentaler und spektakulärer Werke in allen Bereichen der Kultur und Kunst geführt. Von der Antike und den antiken Völkern, die die erste Zivilisation auf der Apenninhalbinsel bildeten, über das große Römische Reich als führendes kulturelles, politisches und religiöses Zentrum der westlichen Welt bis hin zu den glorreichen Epochen der Renaissance und des Barock, die aus der Kunst nicht wegzudenken sind, und den entscheidenden italienischen Avantgarde-Bewegungen des letzten Jahrhunderts stellt die italienische Kunst einen der größten Schätze der Menschheit dar. Ihre Künstler, Museen, Galerien und Tendenzen waren immer eng mit den intellektuellen und religiösen Strömungen verbunden, spiegelten die Vorstellungen ihrer Zeit wider und schufen ein außergewöhnliches, unerschöpfliches Erbe. Als Land, in dem das Leben selbst als Kunstform betrachtet wird, trägt Italien weiterhin zur Vielfalt und Bereicherung der eigenen und der Weltkultur bei und feiert den Reichtum und die Bedeutung seiner Tradition.

Die Anfänge – Römische und etruskische Kunst

Die zentrale Rolle in der italienischen Kunstgeschichte spielt seit jeher Rom, beginnend mit dem 9. Jahrhundert v. Chr. und der etruskischen Kunst. Als die Hauptstadt begann, ihr Reich auf der Apenninhalbinsel zu errichten, waren ihre Bronzefiguren, Terrakottareliefs, Gemälde und Fresken sehr präsent und setzten einen strengen Standard in Stil und Technik, der in den folgenden Jahrhunderten befolgt werden sollte. Die etruskischen Fresken, die an den Wänden der Gräber gefunden wurden, gelten bis heute als die wichtigsten Beispiele vorrömischer figürlicher Malerei, die der Wissenschaft bekannt sind. Sie wurden aus frischem Gips und natürlichen, meist aus Steinen und Mineralien gewonnenen Farben hergestellt und mit Pinseln aus Tierhaaren aufgetragen. Diese Werke stellten vor allem Alltagsszenen und traditionelle mythologische Szenen dar. In der Mitte des 4. Jahrhunderts begann man, die berühmte Technik des Helldunkel zu verwenden, um Volumen und Tiefe darzustellen.

Die Etrusker hatten auch einen großen Einfluss auf die spätere römische Architektur, die eines der Rückgrate des großen Reiches war, das im 1. Mit der Zivilisation kamen Kultur und Kunst, und Rom wurde zur fortschrittlichsten Stadt der Welt. Kunstwerke wurden zum Symbol des Reichtums und des Überflusses, Wandmalereien schmückten die Häuser und Skulpturen wurden in jedem Winkel des Hauses und des Gartens aufgestellt. Die Römer schmückten auch die Fußböden mit Mosaiken, die in der Regel Ereignisse aus der griechischen und römischen Mythologie oder historische Alltagsszenen zeigten. Unter dem Einfluss östlicher Kunst und Religion, insbesondere des byzantinischen Reiches und der Hauptstadt Konstantinopel, nahm die römische Kunst christliche Motive auf und verbesserte die Herstellung von Wandmalereien, Decken- und Bodenmosaiken sowie Grabplastiken.

Der Trend setzte sich bis ins Mittelalter fort, wobei sich die byzantinische Kunst in Italien zu einer sehr formalen und raffinierten Dekoration mit standardisierter Kalligraphie und einem bewundernswerten Einsatz von Gold und Farbe entwickelte. Die Kunst in Italien war zu diesem Zeitpunkt recht regional geprägt, mit Einflüssen aus dem europäischen und östlichen Ausland. Ein weiterer wichtiger Stil war die Gotik, die den Übergang vom Mittelalter zur Renaissance markierte. Während der religiösen Auseinandersetzungen innerhalb der Kirche wollten die franziskanischen Mönchsorden die katholische Kirche wieder auf den Boden der Tatsachen zurückholen und führten die gotische Architektur zunächst in Nordeuropa und dann im Süden, in Italien, ein.

Renaissancekunst in Italien

Die Renaissance ist zweifellos die berühmteste Periode in der Geschichte der italienischen Kunst und bezeichnet den Zeitraum zwischen dem späten 13. und dem späten 16. Jahrhundert. Sie begann mit Malern und Bildhauern, die ihren Werken eine spirituelle Qualität verleihen und eine tiefe religiöse Bedeutung hervorrufen wollten. Gleichzeitig wollten sie die Menschen und die Natur realistisch darstellen. Dies spiegelte sich auch in der Architektur der Renaissance wider, wo Architekten riesige Kathedralen entwarfen, um die Größe Gottes zu betonen und den menschlichen Geist zu demütigen. Die Künstler der italienischen Renaissance waren oft an bestimmte Höfe gebunden und nur bestimmten Städten treu, doch ihre Kunstwerke zeigten ganz Italien und verbreiteten künstlerische und philosophische Ideen. Der Geburtsort der Renaissance ist sicherlich die Stadt Florenz in der Toskana, die auch heute noch einige der wichtigsten Werke der vier Epochen beherbergt und die berühmtesten Museen und Galerien der Welt beherbergt.

In der Tat wurden die Proto-Renaissance (1300-1400), die Frührenaissance (1400-1475), die Hochrenaissance (1475-1525) und der Manierismus (1525-1600) zwischen den Künstlern aufgeteilt, die die einzelnen Epochen hervorhoben. Den Anfang machte der berühmte Maler Giotto, der als erster Künstler seit dem Untergang des Römischen Reiches die Natur realistisch darstellte. Seine prächtigen Fresken, die Emotionen wie Freude, Wut, Verzweiflung, Scham, Bosheit und Liebe zum Ausdruck bringen, sind noch heute in Kirchen in Assisi, Florenz, Padua und Rom zu sehen. Zwischen Giotto und den drei Meistern, die die Kunst des späten 15. und frühen 16. Jahrhunderts dominierten, gibt es Taddeo Gaddi, Orcagna, Altichiero, Masaccio, Donatello, Paolo Uccello, Andrea Mantegna und viele andere.

Werke der italienischen Renaissance – Kunstgeschichte in Italien

Die Werke der Hochrenaissance von Michelangelo, Raffael und da Vinci

Die Periode der Hochrenaissance, vom Ende des 15. bis zum Beginn des 16. Jahrhunderts, war eine der wichtigsten Zeiten in der gesamten Kunstgeschichte und der glanzvollste Moment der italienischen, sicherlich dank der Brillanz der drei Männer Michelangelo, Raffael und Leonardo da Vinci. Michelangelo, der zum größten Bildhauer der Geschichte erklärt wurde, war ein Meister in der Darstellung der menschlichen Figur und vermittelte einen überwältigenden Eindruck von körperlicher und geistiger Kraft. Sein bemerkenswertes Fresko an der Decke der Sixtinischen Kapelle im Vatikan, das zwischen 1508 und 1512 entstand, gilt als eines der größten Kunstwerke der Renaissance. Raffaels Kunst war dagegen eher poetisch, denn er verstand sich auf die Gestaltung der Perspektive und die Verwendung zarter Farben. Er ist für seine zahlreichen Gemälde der Jungfrau Maria bekannt, und viele seiner Werke wurden von klassischen griechischen und römischen Vorbildern beeinflusst.

Neben den Fresken der Sixtinischen Kapelle gehören Leonardo da Vincis Das letzte Abendmahl und das Porträt der Mona Lisa zu den berühmtesten Werken der italienischen Renaissancekunst und machen ihn unbestritten zum größten Geist seiner Zeit und darüber hinaus. Als Symbol für den Geist des Lernens und der intellektuellen Neugier der Renaissance war da Vinci ein großes Talent auf so vielen verschiedenen Gebieten, das durch das Betrachten der Dinge lernte. Seine Studien des Lichts, der Anatomie, der Landschaft und des menschlichen Ausdrucks werden bis heute von keinem anderen Künstler der Welt erreicht.

Einführung in die moderne und zeitgenössische Kunst Italiens

Zwischen der Renaissance und der Neuzeit hat sich die italienische Kunst stilistisch weiterentwickelt, von der Eleganz des Manierismus über den stürmischen Hell-Dunkel-Barock von Caravaggio und Bernini, die Rokoko-Tendenzen von Tiepolo, Canaletto und Bellotto bis hin zu den neoklassizistischen Werken von Canova und Hayez, zwischen dem 17. und 19. Mit dem Beginn des 20. Jahrhunderts schlossen sich Italien und seine Künstler auch den Avantgarde-Bewegungen an, wobei sie sich auf das reiche Erbe ihrer Vorgänger stützten. Mit bedeutenden Entwicklungen in der Malerei und Bildhauerei wurde Italien auch zum Hotspot für Design, vor allem gegen Ende des Jahrtausends, das einflussreiche Designer mit ihren fantasievollen und genialen funktionalen Werken hervorbrachte.

Futurismus – Futurismo

Zwischen 1909 und 1916 schloss sich Italien den europäischen Bewegungen an, die darauf abzielten, in allen Lebensbereichen die Verbindung zur Vergangenheit zu lösen. Es begann mit dem Futuristischen Manifest, das von dem italienischen Schriftsteller Filippo Tommaso Marinetti verfasst wurde und in dem die futuristische Verherrlichung von Kraft, Geschwindigkeit und Aufregung und die Ablehnung von allem Alten, insbesondere der politischen und künstlerischen Tradition, zum Ausdruck kam. Ihre Kunstwerke feierten den Triumph der Technik und des Maschinenzeitalters über die Natur und zeigten oft das Auto, das Flugzeug und die Industriestadt. Der Stil der Künstler des Futurismus zeichnet sich durch sich überlagernde Farbfragmente und vielfältige Bilder aus, die vor Energie strotzen und die frenetische Atmosphäre der modernen Zeit heraufbeschwören. Die Werke umfassten eine Vielzahl von Medien, darunter Malerei, Bildhauerei, Grafik- und Industriedesign, Keramik, Film und Theater, Mode und Textilien, Literatur, Musik, Architektur und sogar Gastronomie, wobei sie sich vom Divisionismus und Kubismus inspirieren ließen. Eine Gruppe junger Maler in Mailand, zu der Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla und Gino Severini gehörten, setzte die futuristischen Ideen in der bildenden Kunst um. Boccioni arbeitete auch mit Skulpturen und schuf 1913 die Einzigartigen Formen der Kontinuität im Raum, die als Symbol für Figuren stehen, die sich mit großer Geschwindigkeit durch den Raum bewegen.

Metaphysische Kunst – Pittura Metafisica

Mit dem Werk von Carlo Carrà und Giorgio de Chirico in Ferrara wurde die metaphysische Kunst, auf Italienisch pittura metafisica, zur Definition einer traumhaften Malerei von Plätzen, die für idealisierte italienische Städte typisch sind. In diesen Werken scheinen Figuren und Gegenstände in der Zeit eingefroren zu sein, die sich in seltsamen, unlogischen Kontexten, unwirklichen Lichtern und Farben und unnatürlichen Perspektiven befinden. Beschrieben als „Bilder, die man nicht sehen kann“, sind diese Werke als Produkte des Unbewussten zu erkennen, jenseits von Logik oder physischer Realität – daher der Name „metaphysisch“. Die von de Chirico und Carrà gegründete Schule war zwar nur von kurzer Dauer, gab aber wichtige Impulse für die Entwicklung von Bewegungen wie Dada und Surrealismus.

Novecento Italiano

Das 1922 in Mailand gegründete Novecento Italiano war eine Bewegung zur Erneuerung der italienischen Kunst, die die europäischen Avantgarde-Bewegungen ablehnte und sich auf die Rhetorik des Faschismus von Mussolini stützte. Die von der Kritikerin Margherita Sarfatti gegründete und von sieben Künstlern, darunter Anselmo Bucci, Leonardo Dudreville, Achille Funi, Gian Emilio Malerba, Piero Marussig, Ubaldo Oppi und Mario Sironi, getragene Initiative besann sich auf die große italienische gegenständliche Kunst der Vergangenheit, insbesondere auf das Quattrocento (um 1400) und das Cinquecento (um 1500). Die Künstler des Novecento (d. h. um 1900) unterstützten das faschistische Regime, und ihre Werke wurden mit der staatlichen Propagandaabteilung in Verbindung gebracht, die die Tradition der großformatigen Historienmalerei in klassischer Manier wiederbeleben wollte. Die Bewegung wurde offiziell 1923 auf einer Ausstellung in Mailand ins Leben gerufen, bei der Mussolini einer der Redner war, und dauerte bis 1943 an.

Spazialismus – Spazialismo

Der Spazialismus, auf Italienisch movimento spaziale, war die bedeutendste Bewegung der Nachkriegszeit zwischen 1947 und 1954, die durch die aufgeschlitzten und durchbrochenen Gemälde von Lucio Fontana geprägt wurde. Die als neue Kunstform konzipierte Bewegung strebte eine Synthese von Farbe, Klang, Raum, Bewegung und Zeit in Kunstwerken an und kombinierte Elemente der Konkreten Kunst, des Dadaismus und des Tachismus. Vorweggenommen durch Fontanas 1946 in Buenos Aires veröffentlichtes Manifesto Bianco (Weißes Manifest), dem fünf weitere Manifeste folgten, strebte die Bewegung danach, Kunst und Wissenschaft zu vereinen, um Farbe und Form in den realen Raum zu projizieren, indem sie moderne Techniken wie Neonbeleuchtung und Fernsehen einsetzte. Fontanas Werke, wie das Black Spatial Environment von 1947 und die mit einer Rasierklinge zerschnittenen Leinwände, die in den 1950er und 60er Jahren entstanden, beeinflussten die Umweltkunst und waren die ersten, die die Idee der gestischen Kunst und der Performance als entscheidende Bestandteile der Kreation förderten.

Arte Povera

Der angesehene italienische Kunstkritiker Germano Celant prägte in den 1960er Jahren den Begriff Arte Povera und beschrieb damit Kunstwerke, die Aspekte der Konzeptkunst, des Minimalismus und der Performance-Kunst kombinierten und eine radikale Haltung einnahmen. Die Künstler begannen, die Werte etablierter Institutionen zu hinterfragen und schließlich anzugreifen, und stellten die Frage, ob Kunst als privater Ausdruck eines Individuums noch eine ethische Daseinsberechtigung hat. Zusammen mit Schlüsselfiguren, die die Bewegung mitgestalteten, wie Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Jannis Kounellis, Mario Merz und Marisa Merz, Pino Pascali, Giuseppe Penone und Michelangelo Pistoletto, propagierte Celant die Idee einer revolutionären Kunst, die frei von Konventionen, der Macht der Strukturen und des Marktes ist. Der Name „arte povera“, was „verarmte Kunst“ bedeutet, leitet sich von der Verwendung wertloser oder gewöhnlicher Materialien wie Erde oder Zeitungspapier ab, in der Hoffnung, die Kommerzialisierung der Kunst zu unterlaufen.

Anti Design

Neben den wichtigsten Strömungen der italienischen Kunst, die die Kultur des Landes im 20. Jahrhundert prägten, spielte auch das Design eine wichtige Rolle, das bekannt wurde und zu einem Höhepunkt der Raffinesse und Klasse aufstieg. Während die Designer zu Beginn des Jahrhunderts noch um ein Gleichgewicht zwischen klassischer Eleganz und moderner Kreativität rangen und Stücke im Stil des französischen Art Déco schufen, entwickelte sich dieser Bereich in den 60er und 70er Jahren zum wichtigsten Akteur auf der internationalen Bühne, vor allem im Bereich der Möbel und der Inneneinrichtung. Zwischen 1966 und 1980 entwickelte sich jedoch das Anti-Design, das auf auffällige Farben, Verzerrungen des Maßstabs, Ironie und Kitsch setzte. Die Bewegung war eine Reaktion auf die perfektionistische Ästhetik der Moderne, die mit Ettore Sottsass Jr. begann. Zusammen mit radikalen Designgruppen wie Archigram und Superstudio brachten sie ihre Ideen durch die Herstellung von Möbelprototypen, Ausstellungsstücken und die Veröffentlichung von Manifesten zum Ausdruck, die auch heute noch als revolutionär gelten. Sie zogen die Einzigartigkeit der Massenproduktion vor und ihre Entwürfe sollten eher funktional als schön sein.

Transavangarde – Transavanguardia

Die italienische Version des Neo-Expressionismus, Transavangarde, auch bekannt als Transavanguardia, ist eine Bewegung, die Italien und den Rest Westeuropas in den späten 1970er und 1980er Jahren überrollte. Der Begriff, der wörtlich übersetzt „jenseits der Avantgarde“ bedeutet, wurde von einem anderen bekannten italienischen Kritiker, Achille Bonito Oliva, geprägt und symbolisiert die Ablehnung des Konzeptuellen und die Rückkehr zum Emotionalen, insbesondere in der Malerei und Bildhauerei. Künstler wie Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Sandro Chia und Mimmo Paladino ließen den Symbolismus und die figurative Malerei sowie mythische Bilder wieder aufleben, die auf dem Höhepunkt der Bewegung wiederentdeckt wurden.

Auf dem Weg ins neue Jahrtausend – Arte Italiana heute

Auch fünfhundert Jahre nach der Renaissance, die immer noch als Höhepunkt der italienischen Kunstgeschichte gilt, ist der Platz des Landes auf der internationalen Bühne auch heute noch sehr bedeutend. Seine Künstler, Kritiker, Kuratoren und einflussreichen Persönlichkeiten sind allgegenwärtig und zeigen die Entschlossenheit Italiens, sein Erbe zu bewahren, ohne dabei den Blick auf die Gegenwart und die Zukunft zu verlieren. Vergessen wir nicht, dass die Biennale von Venedig die erste Kunstausstellung war, die sich weltweit für zeitgenössische Kunst einsetzte. 2015 fand sie zum 56. Neben den über das ganze Land verteilten historischen Museen und Galerien wie den Uffizien oder der Pinacoteca di Brera beherbergen Städte wie Florenz, Mailand, Rom, Venedig und Turin zahlreiche Institutionen und Veranstaltungen, die für die Unterstützung und Förderung der zeitgenössischen Kunst in Italien und darüber hinaus von zentraler Bedeutung sind: Der Mailänder Palazzo Reale und das Museo del Novecento, das MACRO und das MAXXI in Rom, das Museo di Villa Croce in Genua, die Punta della Dogana in Venedig, das Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina in Neapel, das Castello di Rivoli in Turin… Im vergangenen Jahrzehnt erlebte Italien auch den Aufstieg seiner Künstler und Kunstwerke auf dem internationalen Kunstmarkt, der sich zwischen den wichtigen Figuren des 20. Jahrhunderts und einer Gruppe neuer Talente aufteilt, die die Tendenzen des Jahrtausends bestimmen. Die Kunstmesse Artissima, die größte Kunstmesse Italiens, die nun schon zum 23. Mal stattfindet, sowie die zahlreichen privaten und öffentlichen Kunstsammlungen haben sicherlich einen großen Beitrag zu dieser Entwicklung geleistet und diese Talente gefördert. Mit einer starken Inspiration durch die Vergangenheit scheint die italienische Kunst unaufhaltsam zu sein, und es gibt keinen Grund, daran zu zweifeln, dass ihr außergewöhnliches Erbe nicht auch in der Zukunft fortgesetzt wird.

Tipp der Redaktion: Frauen in der italienischen Renaissancekunst: Geschlecht, Repräsentation, Identität

Zwischen ca. 1350 und ca. 1650 gab es in den italienischen Stadtgesellschaften viele Debatten über Wesen, Rolle, Erziehung und Verhalten der Frau. Dieses Buch füllt eine Lücke in der immer noch wachsenden Literatur zu allen Aspekten des Lebens der Frauen in dieser Zeit. Anhand eines breiten Spektrums von zumeist noch nie übersetztem Material beleuchtet dieses Buch die Ideale und Realitäten, die das Leben der Frauen im Kontext der bürgerlichen und höfischen Kultur im Italien der Renaissance prägten. Der Text gliedert sich in drei Abschnitte: die zeitgenössischen Ansichten über das Wesen der Frau und die ethischen und ästhetischen Ideale, die ihnen zugeschrieben wurden; die Lebenszyklen von der Geburt bis zum Tod, unterbrochen von den Übergangsriten der Verlobung, der Heirat und der Verwitwung; die Rolle der Frau im Kloster, bei Hofe, am Arbeitsplatz und im kulturellen Leben.Durch die Untersuchung dieser Themen zeigen Mary Rogers und Paola Tinagli, dass es nicht die eine „Renaissance-Frau“ gab. Die Erfahrungen der Frauen waren reich und vielfältig, und ihre Stimmen sprechen von verschiedenen Möglichkeiten für ein emotional reiches und sozial nützliches Leben.

1. Nice, A. T., Rome, Ancient, World Book, 2011
2. Kitzinger, E., Byzantine art in the making: main lines of stylistic development in Mediterranean art, 3rd-7th century, Faber & Faber, 1977
3. Hartt, F., A History of Italian Renaissance Art, Thames and Hudson, 1970
4. Pope-Hennessy, J. W., Italian High Renaissance and Baroque sculpture, Phaidon Press, 1996
5. Hyland, D. K. S. Futurism, World Book, 2011
6. Formaggio D. et al, Il Novecento Italiano, 1923 – 1933 Gabriele Mazzotta, 1983
7. Parmesani, L., L’Arte del Secolo, Skira, 2003
8. Celant, G., Arte Povera: Histories and Protagonists, Electa, 1985

Abbildungen im Schieber: Michelangelo Pistoletto – Venus der Lumpen 1967, 1974. Image via Tate. Mit freundlicher Genehmigung des Castello di Rivoli; Francesco Clemente – Il cerchio di Milarepa (Milarepas Kreis), 1982; Lucio Fontana – L’attesa. Das kaputte Telefon, 1959-66. Bild via Wikipedia; Mario Merz – Do houses revolve around us or do we revolve around houses?, Arte Povera 2011, Triennale, Mailand; Carlo Carrà – The Red Knight (1913), via pinterest com; Giorgio de Chirico – Melancholia, 1916, Bild via Wikipedia; Maurizio Cattelan – The Ninth Hour, 1999, Bild via Wikipedia. Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.

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