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El arte italiano, compuesto por algunas de las obras de arte y arquitectura más famosas del mundo, ha sido durante mucho tiempo el centro de la historia mundial. El avance cultural y el intercambio de la «bota» popular se han mantenido constantes a lo largo de los siglos, dando lugar a una producción continua de obras monumentales y espectaculares en todos los ámbitos de la cultura y las artes. Desde la época clásica y los pueblos antiguos que formaron la primera civilización en la península de los Apeninos, el gran Imperio Romano como principal centro cultural, político y religioso del mundo occidental, hasta los gloriosos periodos del Renacimiento y el Barroco, sin los que simplemente no podemos imaginar el arte, y los cruciales movimientos de vanguardia italianos del siglo pasado, el arte italiano representa uno de los mayores tesoros de la humanidad. Sus artistas, museos, galerías y tendencias han estado siempre estrechamente aliados con las corrientes intelectuales y religiosas, reflejando las nociones de su tiempo y conformando un legado excepcional e inagotable. Tierra en la que la vida misma se considera una forma de arte, Italia sigue contribuyendo a la diversidad y al enriquecimiento de la cultura propia y del mundo, celebrando la abundancia y el significado de su tradición.

Los inicios – Arte romano y etrusco

El papel central en la historia del arte italiano lo ha desempeñado siempre Roma, empezando por el siglo IX a.C. y las artes etruscas. Cuando la capital comenzó a construir el imperio en la península de los Apeninos, sus figuras de bronce, relieves de terracota, pinturas y frescos estaban muy presentes, estableciendo un riguroso estándar de estilo y técnica que sería seguido en los siglos siguientes. Los frescos etruscos, encontrados en las paredes de las tumbas, siguen considerándose los ejemplos más importantes de pintura figurativa prerromana conocidos por los estudiosos. Se realizaban con yeso fresco y colores naturales, procedentes en su mayoría de piedras y minerales, y se aplicaban con pinceles de pelo de animal. Estas obras representaban principalmente paisajes de la vida cotidiana y escenas mitológicas tradicionales. A mediados del siglo IV, se empezó a utilizar la famosa técnica del claroscuro, para retratar el volumen y la profundidad.

Los etruscos también tuvieron una gran influencia en la arquitectura romana posterior, que fue una de las columnas vertebrales del gran imperio que surgió hacia el siglo I d.C. Con la civilización llegaron la cultura y las artes, y Roma se convirtió en la ciudad más avanzada del mundo. Las obras de arte se convirtieron en símbolo de riqueza y abundancia, con pinturas murales que decoraban las casas y esculturas que se instalaban en todos los rincones del hogar y del jardín. Los romanos también decoraban los suelos con mosaicos, que solían mostrar acontecimientos de la mitología griega y romana, y escenas históricas cotidianas. Influenciado por el arte y la religión orientales, en particular el imperio bizantino y la capital Constantinopla, el arte romano comenzó a incorporar motivos cristianos y potenció la producción de pinturas murales, techos y suelos de mosaico, así como la escultura funeraria.

La tendencia continuó en la Edad Media, con el arte bizantino en Italia evolucionando hacia una decoración altamente formal y refinada con una caligrafía estandarizada y un admirable uso del oro y el color. El arte en Italia para ese momento era bastante regional, con impactos de corrientes externas europeas y orientales. Otro estilo importante fue el gótico, que marcó la transición del periodo medieval al renacentista. Durante las disputas religiosas en el seno de la Iglesia, las órdenes de monjes franciscanos quisieron devolver a la Iglesia católica a sus fundamentos, introduciendo la arquitectura gótica primero en el norte de Europa y luego hacia el sur, hacia Italia.

El arte del Renacimiento en Italia

Ciertamente, el periodo más famoso de la historia del arte italiano, el Renacimiento marcó el periodo entre finales del siglo XIII y finales del XVI. Comenzó con pintores y escultores que querían dar a sus obras una calidad espiritual y evocar un profundo significado religioso. Al mismo tiempo, querían retratar a las personas y la naturaleza de forma realista. Esto también se reflejó en la arquitectura del Renacimiento, donde los arquitectos diseñaron enormes catedrales para enfatizar la grandeza de Dios y humillar el espíritu humano. Los artistas de la Italia del Renacimiento solían estar vinculados a determinadas cortes y eran fieles a determinadas ciudades, pero sus obras mostraban toda Italia, difundiendo ideas artísticas y filosóficas. La cuna del Renacimiento es seguramente la ciudad de Florencia, en la Toscana, que aún hoy conserva algunas de las obras más importantes de los cuatro periodos y alberga los museos y galerías más famosos del mundo.

De hecho, el Proto-Renacimiento (1300-1400), el Renacimiento Temprano (1400-1475), el Alto Renacimiento (1475-1525) y el Manierismo (1525-1600) se repartieron entre los artistas que destacaron en cada uno de ellos. Los inicios los marcó el famoso pintor Giotto, que fue el primer artista que retrató la naturaleza de forma realista desde la caída del Imperio Romano. Sus magníficos frescos, llenos de emociones de alegría, rabia, desesperación, vergüenza, despecho y amor, aún pueden encontrarse en iglesias de Asís, Florencia, Padua y Roma. Entre Giotto y los tres maestros que llegaron a dominar las artes de finales del siglo XV y principios del XVI, tenemos a Taddeo Gaddi, Orcagna, Altichiero, Masaccio, Donatello, Paolo Uccello, Andrea Mantegna y muchos más.

Obras del arte renacentista italiano – Historia del arte en Italia

Las obras del Alto Renacimiento de Miguel Ángel, Rafael y da Vinci

El periodo del Alto Renacimiento, desde finales del siglo XV y principios del XVI, fue una de las épocas más importantes de toda la historia del arte y el momento más brillante del italiano, seguramente debido a la brillantez de tres hombres que son Miguel Ángel, Rafael y Leonardo da Vinci. Miguel Ángel, proclamado el mejor escultor de la historia, fue un maestro en la representación de la figura humana, dando una impresión abrumadora de poder físico y espiritual. Su extraordinario fresco en el techo de la Capilla Sixtina del Vaticano, pintado entre 1508 y 1512, es una de las mayores obras de arte del Renacimiento. Por otro lado, el arte de Rafael era más poético, ya que era hábil en la creación de la perspectiva y el uso de un color delicado. Es conocido por las numerosas pinturas de la Virgen María y muchas de sus obras estaban influenciadas por los modelos clásicos griegos y romanos.

Acompañando a los frescos de la Capilla Sixtina en la lista de las obras más famosas del arte renacentista italiano están La última cena de Leonardo da Vinci y el retrato de la Mona Lisa, situándolo como indiscutiblemente la mayor mente de su tiempo y más allá. Símbolo del espíritu renacentista de aprendizaje y curiosidad intelectual, da Vinci era un gran talento en muy diversas áreas que aprendía mirando las cosas. Sus estudios sobre la luz, la anatomía, el paisaje y las expresiones humanas siguen siendo inalcanzables para cualquier otro artista del mundo.

Introducción al arte moderno y contemporáneo italiano

Entre el Renacimiento y la época moderna, el arte italiano evolucionó en estilo, pasando por la elegancia del manierismo, el tormentoso barroco claroscuro de Caravaggio y Bernini, las tendencias rococó de Tiépolo, Canaletto y Bellotto, así como las obras neoclásicas de Canova y Hayez, entre los siglos XVII y XIX. Con la llegada del siglo XX, Italia y sus artistas se sumaron también a la concepción de los movimientos de vanguardia, apoyándose en el rico legado de sus predecesores. Con importantes desarrollos en pintura y escultura, Italia se convirtió también en el punto álgido del diseño, sobre todo hacia el final del milenio, que produjo influyentes diseñadores con sus imaginativas e ingeniosas obras funcionales.

Futurismo – Futurismo

Entre 1909 y 1916, Italia se sumó a los movimientos europeos que pretendían romper con el pasado en todos los ámbitos de la vida. Comenzó con el Manifiesto Futurista, concebido por el escritor italiano Filippo Tommaso Marinetti, que expresaba la glorificación futurista de la potencia, la velocidad y la emoción, y la desaprobación de todo lo antiguo, en particular la tradición política y artística. Sus obras de arte celebraban el triunfo tecnológico y la era de las máquinas sobre la naturaleza, mostrando a menudo el coche, el avión, la ciudad industrial. El estilo de los artistas del Futurismo se caracterizaba por la superposición de fragmentos de colores y la multiplicidad de imágenes, rezumando energía y evocando el ambiente frenético de los tiempos modernos. Las obras abarcaban diversos medios, como la pintura, la escultura, el diseño gráfico e industrial, la cerámica, el cine y el teatro, la moda y los textiles, la literatura, la música, la arquitectura e incluso la gastronomía, inspirándose en el Divisionismo y el Cubismo. La aplicación de las ideas futuristas en las artes visuales la llevó a cabo un grupo de jóvenes pintores con sede en Milán, entre los que se encontraban Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini. Boccioni también trabajó con esculturas, siendo famosa la creación de Formas únicas de continuidad en el espacio, de 1913, que se erigió como símbolo de las figuras que se mueven por el espacio con gran velocidad.

Arte metafísico – Pittura Metafisica

Con la obra de Carlo Carrà y Giorgio de Chirico en Ferrara, el arte metafísico, en italiano pittura metafisica, vino a definir unas pinturas oníricas de plazas típicas de ciudades italianas idealizadas. En estas obras, las figuras y los objetos parecen congelados en el tiempo, se encuentran en contextos extraños e ilógicos, las luces y los colores irreales, la perspectiva antinatural. Descritas como «pinturas que no se pueden ver», estas obras deben reconocerse como productos de la mente inconsciente, más allá de la lógica o la realidad física, de ahí el nombre de «metafísicas». La escuela creada por de Chirico y Carrà, aunque de corta duración, supuso un importante impulso para el desarrollo de movimientos como el dadaísmo y el surrealismo.

Novecento Italiano

Fundado en Milán en 1922, el Novecento Italiano fue un movimiento creado para renovar el arte italiano rechazando las vanguardias europeas y se basó en la retórica del fascismo de Mussolini. Fundado por la crítica Margherita Sarfatti y practicado por siete artistas, entre ellos Anselmo Bucci, Leonardo Dudreville, Achille Funi, Gian Emilio Malerba, Piero Marussig, Ubaldo Oppi y Mario Sironi, la iniciativa volvía al gran arte representativo italiano del pasado, en particular al Quattrocento (el 1400) y al Cinquecento (el 1500). Los artistas del Novecento (es decir, de la década de 1900) apoyaron el régimen fascista y su obra se asoció al departamento de propaganda del Estado, con el objetivo de recuperar la tradición de la pintura histórica de gran formato a la manera clásica. El movimiento se lanzó oficialmente en 1923 en una exposición en Milán, con Mussolini como uno de los ponentes, y duró hasta 1943.

Espacialismo – Spazialismo

Marcado por las pinturas acuchilladas y agujereadas de Lucio Fontana, el espacialismo, o movimento spaziale en italiano, fue el movimiento más destacado de la posguerra entre 1947 y 1954. Concebido como un nuevo tipo de arte, pretendía sintetizar el color, el sonido, el espacio, el movimiento y el tiempo en obras de arte, combinando elementos del arte concreto, el dadaísmo y el tachismo. Anticipado por el Manifiesto Blanco de Fontana, publicado en Buenos Aires en 1946 y al que siguieron otros cinco manifiestos, el movimiento pretendía unir el arte y la ciencia para proyectar el color y la forma en el espacio real mediante el uso de técnicas modernas como la iluminación de neón y la televisión. Las obras de Fontana, como el Entorno Espacial Negro de 1947 y los lienzos acuchillados con una cuchilla de afeitar creados a lo largo de los años 50 y 60, llegaron a influir en el arte ambiental y fueron los primeros en promover la idea del arte gestual y la performance como partes cruciales de la creación.

Arte Povera

El estimado crítico de arte italiano Germano Celant acuñó el término Arte Povera durante la década de 1960, describiendo obras de arte que combinaban aspectos del arte conceptual, minimalista y de performance para adoptar una postura radical. Los artistas empezaron a cuestionar y eventualmente a atacar los valores de las instituciones establecidas, preguntándose si el arte como expresión privada de un individuo seguía teniendo una razón ética para existir. Celant, junto con figuras clave que ayudaron a dar forma al movimiento, como Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Jannis Kounellis, Mario Merz y Marisa Merz, Pino Pascali, Giuseppe Penone y Michelangelo Pistoletto, promovieron la noción de un arte revolucionario, libre de convenciones, del poder de la estructura y del mercado. El nombre «arte povera», que significa «arte empobrecido», derivaba del uso de materiales sin valor o comunes, como la tierra o el papel de periódico, con la esperanza de subvertir la comercialización del arte.

Anti Diseño

Aparte de los principales movimientos del arte italiano que dieron forma a la cultura del país en el siglo XX, también desempeñó un papel importante el diseño, que se dio a conocer y creció hasta alcanzar cotas de sofisticación y clase. Mientras que a principios de siglo los diseñadores se esforzaban por encontrar un equilibrio entre la elegancia clásica y la creatividad moderna, dando vida a piezas similares al estilo Art Déco francés, este campo evolucionó hasta convertirse en el principal protagonista de la escena internacional durante los años 60 y 70, sobre todo en lo que respecta al mobiliario y el diseño de interiores. Sin embargo, entre los años 1966 y 1980, surgió el Anti-Design, que hacía hincapié en los colores llamativos, la distorsión de la escala, la ironía y el kitsch. El movimiento fue una reacción contra la estética perfeccionista del Modernismo, que comenzó con Ettore Sottsass Jr. Junto con grupos de Diseño Radical como Archigram y Superstudio, expresaron sus ideas mediante la producción de prototipos de muebles, piezas de exposición y la publicación de manifiestos que se consideran revolucionarios incluso hoy. Abrazaron la singularidad por encima de la producción en masa y sus diseños pretendían ser funcionales, más que bellos.

Transavangarde – Transavanguardia

La versión italiana del neoexpresionismo, Transavangarde, también conocida como Transavanguardia, es un movimiento que arrasó en Italia, y en el resto de Europa Occidental, a finales de los años 70 y en la década de 1980. El término, que significa literalmente «más allá de la vanguardia», fue acuñado por otro renombrado crítico italiano, Achille Bonito Oliva, y simbolizaba el rechazo de lo conceptual y la vuelta a la emoción, especialmente en pintura y escultura. Los artistas, como Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Sandro Chia y Mimmo Paladino, recuperaron el simbolismo y la pintura figurativa, así como la imaginería mítica, redescubierta durante el apogeo del movimiento.

Hacia el nuevo milenio – Arte Italiana hoy

Incluso quinientos años después del período del Renacimiento, que todavía se considera el punto culminante de la historia del arte italiano, el lugar del país en la escena internacional es muy significativo incluso hoy. Sus artistas, críticos, comisarios y personalidades influyentes están siempre presentes, lo que demuestra la determinación de Italia de preservar su patrimonio sin perder de vista el presente y el futuro. No olvidemos que la Bienal de Venecia fue la primera exposición de arte que aboga por el arte contemporáneo en el mundo, y que en 2015 celebra su 56ª edición. Además de los museos y galerías históricas repartidos por todo el país, como la Galería de los Uffizi o la Pinacoteca de Brera, ciudades como Florencia, Milán, Roma, Venecia y Turín albergan numerosas instituciones y eventos que son fundamentales para el apoyo y la promoción de las artes contemporáneas en Italia y fuera de ella: El Palazzo Reale y el Museo del Novecento de Milán, el MACRO y el MAXXI de Roma, el Museo di Villa Croce de Génova, la Punta della Dogana de Venecia, el Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina de Nápoles, el Castello di Rivoli de Turín… En la última década, Italia también vio el ascenso de sus artistas y obras en el mercado internacional del arte, dividido entre las figuras importantes del siglo XX y un grupo de nuevos talentos que viene a definir las tendencias del milenio. Un gran contribuyente y alimentador de estos individuos es sin duda la feria de arte Artissima, la más grande de Italia, ya que se encuentra en su 23ª edición, así como las numerosas colecciones de arte privadas y públicas. Con una fuerte inspiración en el pasado, el arte italiano parece imparable, y no nos da motivos para dudar de que su extraordinario legado no tenga continuidad en el futuro.

Sugerencia de los editores: Las mujeres en el arte renacentista italiano: Género, representación, identidad

Entre c1350 y c1650, las sociedades urbanas italianas fueron testigos de un gran debate sobre la naturaleza, los roles, la educación y el comportamiento de las mujeres¹. Este libro llena un vacío en la todavía floreciente literatura sobre todos los aspectos de la vida de las mujeres¹ en este período. Utilizando una amplia gama de materiales, la mayoría de los cuales nunca se han traducido antes, este libro ilumina los ideales y las realidades que informan la vida de las mujeres en el contexto de la cultura cívica y cortesana en la Italia del Renacimiento. El texto se divide en tres secciones: las opiniones contemporáneas sobre la naturaleza de las mujeres y los ideales éticos y estéticos que se consideraban adecuados para ellas; los ciclos vitales desde el nacimiento hasta la muerte, puntuados por los ritos de paso de los esponsales, el matrimonio y la viudez; los papeles de las mujeres en el convento, la corte, el lugar de trabajo y la vida cultural.A través de su exploración de estos temas, Mary Rogers y Paola Tinagli demuestran que no había una única «mujer renacentista». Las realidades de las experiencias de las mujeres fueron ricas y variadas, y sus voces hablan de diversas posibilidades de vidas emocionalmente ricas y socialmente útiles.

1. Nice, A. T., Rome, Ancient, World Book, 2011
2. Kitzinger, E., Byzantine art in the making: main lines of stylistic development in Mediterranean art, 3rd-7th century, Faber & Faber, 1977
3. Hartt, F., A History of Italian Renaissance Art, Thames and Hudson, 1970
4. Pope-Hennessy, J. W., Italian High Renaissance and Baroque sculpture, Phaidon Press, 1996
5. Hyland, D. K. S. Futurism, World Book, 2011
6. Formaggio D. et al, Il Novecento Italiano, 1923 – 1933 Gabriele Mazzotta, 1983
7. Parmesani, L., L’Arte del Secolo, Skira, 2003
8. Celant, G., Arte Povera: Historias y Protagonistas, Electa, 1985

Imágenes destacadas en slider: Michelangelo Pistoletto – Venus de los trapos 1967, 1974. Imagen vía Tate. Cortesía del Castello di Rivoli; Francesco Clemente – Il cerchio di Milarepa (El círculo de Milarepa), 1982; Lucio Fontana – L’attesa. El teléfono roto, 1959-66. Imagen vía Wikipedia; Mario Merz – ¿Las casas giran alrededor de nosotros o nosotros giramos alrededor de las casas?, Arte Povera 2011, Triennale, Milán; Carlo Carrà – El Caballero Rojo (1913), vía pinterest com; Giorgio de Chirico – Melancolía, 1916, Imagen vía Wikipedia; Maurizio Cattelan – La Novena Hora, 1999, Imagen vía Wikipedia. Todas las imágenes se utilizan únicamente con fines ilustrativos.

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