Frida Kahlo, est née à Coyoacán, une banlieue de Mexico, en 1907, fille d’un photographe juif allemand et d’une mère indienne espagnole. Malgré ses origines européennes, Kahlo s’est identifiée toute sa vie au Nouveau Monde, à l’héritage mexicain, s’habillant en vêtements indigènes partout où elle voyageait. Blessée dans un accident de bus à l’âge de 15 ans, Kahlo est restée handicapée à vie. Après de nombreuses opérations pour corriger ses blessures internes et vertébrales, elle est devenue invalide avant sa mort à l’âge de 47 ans. Comme son mari, le muraliste Diego Rivera, Kahlo s’est engagée toute sa vie dans la politique de gauche et, dans les années 1930, elle l’a accompagné lors de plusieurs voyages aux États-Unis où il a été chargé de réaliser des peintures murales à New York, Detroit et San Francisco. La plus controversée de ces réalisations est une peinture murale pour le Rockefeller Center, qui a été annulée parce qu’elle comportait un portrait de Lénine que Rivera a refusé d’enlever. Kahlo est morte à Mexico en 1954.
Contrairement aux peintures murales de Rivera, qui étaient grandioses et remplies d’idéologie politique, l’œuvre de Kahlo était intime, personnelle et dans la tradition de la peinture de chevalet. Généralement autobiographique, elle peignait les événements de sa vie avec des éléments et des situations symboliques, créant une réalité onirique, effroyablement réelle mais fantastique et magique. L’un de ses tableaux, Broken Column (1944), montre l’artiste dans un paysage désertique et morne, sa chair étant découpée pour révéler une colonne classique fissurée à la place de sa colonne vertébrale, témoignage douloureux de la lutte qu’elle a menée toute sa vie contre les séquelles psychologiques et physiques de son accident. Un autre tableau, The Wounded Deer (1946), montre Kahlo sous la forme d’un cerf à tête humaine, criblé de flèches, dans une forêt mystérieusement désolée, avec une étendue d’eau en arrière-plan. Elle a peint de nombreux autoportraits tout au long de sa vie.
Kahlo a incorporé des éléments de l’art populaire mexicain dans ses peintures. Le contenu thématique prend souvent le pas sur la fidélité au réalisme, et l’échelle des choses représente des relations symboliques plutôt que physiques. Les thèmes récurrents de la souffrance terrestre et du cycle rédempteur de la nature reflètent le mélange de catholicisme espagnol et de religion indienne qui caractérise la culture mexicaine. La couleur de Kahlo, bien que naturaliste, est plate et dramatique.
Le poète surréaliste français André Breton, qui a vécu un certain temps au Mexique, a revendiqué Kahlo comme surréaliste. Elle s’est hérissée de cette association avec des artistes vivant à des milliers de kilomètres et travaillant avec des théories psychanalytiques du subconscient. Elle affirmait : « Breton pensait que j’étais surréaliste mais je ne l’étais pas. Je n’ai jamais peint de rêves. J’ai peint ma propre réalité ». Elle a cependant exposé à la Julian Levy Gallery de New York, connue pour montrer le surréalisme, et elle s’est rendue à Paris à l’insistance de Breton pour montrer son travail.
Au début de sa vie, son travail et sa réputation en tant qu’artiste ont été éclipsés par sa relation avec Rivera, qui était plus âgé et célèbre avant leur rencontre. Elle semblait également en conflit avec son sens du devoir envers lui en tant qu’épouse. À la fin des années 1930, elle a affirmé son indépendance vis-à-vis de lui et, en 1939, ils ont divorcé, avant de se remarier peu de temps après. Cet événement a constitué un thème important dans son œuvre de l’époque. Contrairement à Rivera, qui était relativement riche grâce à son travail, Kahlo avait de grandes difficultés à subvenir à ses besoins grâce à la vente de ses peintures.
Ensemble, ils menaient une vie flamboyante au Mexique et lors de leurs voyages aux États-Unis. Ils étaient au centre de la vie culturelle mexicaine dans les années 1920 et 1930, lorsque les artistes et les intellectuels mexicains redécouvraient leur propre héritage et rejetaient les liens européens. Ce désir d’un art mexicain provenait en partie d’un intérêt pour la politique de gauche. Kahlo a été membre à vie du parti communiste, qui pensait que l’art devait servir les masses mexicaines plutôt qu’une élite européenne. Contrairement à Rivera, Kahlo n’était pas une muraliste, mais plus tard dans sa vie, lorsqu’on lui a demandé d’enseigner dans une importante école d’art d’État, elle a organisé des équipes d’étudiants pour exécuter des œuvres publiques.
Durant sa vie, Frida Kahlo a reçu plus de reconnaissance en tant que peintre aux États-Unis qu’au Mexique. Elle a participé à plusieurs expositions collectives importantes, notamment « Twenty Centuries of Mexican Art » au Museum of Modern Art et une exposition de femmes artistes à la galerie Art of This Century de Peggy Guggenheim à New York. Sa première exposition personnelle au Mexique, à la Galeria Arte Contemporaneo, n’a eu lieu qu’un an avant sa mort, en partie parce que celle-ci avait été anticipée. Après sa mort en 1954, sa réputation s’est accrue au Mexique et a diminué aux États-Unis, à une époque où les communistes et leurs sympathisants étaient discrédités. Diego Rivera lui-même est moins connu aux États-Unis aujourd’hui que dans les années 1930.
Comme de nombreuses femmes artistes éminentes de sa génération, telles que Louise Nevelson et Georgia O’Keefe, l’art de Frida Kahlo était individualiste et se distinguait des œuvres grand public. Elles ont souvent été négligées par les critiques et les historiens parce qu’elles étaient des femmes et des marginales et parce que leur art était difficile à intégrer dans des mouvements et des catégories. Depuis les années 1970, Kahlo fait l’objet d’une attention accrue, car les objections à l’égard de sa politique se sont atténuées et l’intérêt pour le rôle des femmes artistes et intellectuelles dans l’histoire s’est accru. Les concepts de modernisme sont également élargis pour englober un courant ininterrompu d’art figuratif tout au long du 20e siècle, dans lequel la peinture de Kahlo s’inscrit parfaitement. Frida Kahlo fait l’objet de grandes rétrospectives aux États-Unis en 1978-1979 et en 1983 et en Angleterre en 1982.