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Constitué de certaines des œuvres d’art et d’architecture les plus célèbres au monde, l’art italien a longtemps été au centre de l’histoire mondiale. L’avancement culturel et l’échange de la « botte » populaire sont restés constants au cours des siècles, ce qui a donné lieu à une production continue d’œuvres monumentales et spectaculaires dans toutes les sphères de la culture et des arts. Depuis l’époque classique et les peuples antiques qui ont formé la première civilisation de la péninsule des Apennins, le grand Empire romain en tant que principal centre culturel, politique et religieux du monde occidental, jusqu’aux périodes glorieuses de la Renaissance et du Baroque, sans lesquelles nous ne pouvons tout simplement pas imaginer l’art, et les mouvements d’avant-garde italiens cruciaux du siècle dernier, l’art italien représente l’un des plus grands trésors de l’humanité. Ses artistes, musées, galeries et tendances ont toujours été étroitement liés aux courants intellectuels et religieux, reflétant les notions de leur temps et façonnant un héritage exceptionnel et inépuisable. Terre où la vie elle-même est considérée comme une forme d’art, l’Italie continue de contribuer à la diversité et à l’enrichissement de sa propre culture et de celle du monde, en célébrant l’abondance et la signification de sa tradition.

Les tout débuts – l’art romain et étrusque

Le rôle central dans l’histoire de l’art italien a toujours été joué par Rome, à commencer par le 9e siècle avant JC et les arts étrusques. Au moment où la capitale a commencé à construire l’empire sur la péninsule des Apennins, leurs figures de bronze, leurs reliefs en terre cuite, leurs peintures et leurs fresques étaient fortement présents, établissant une norme rigoureuse dans le style et la technique qui devait être suivie dans les siècles à venir. Les fresques étrusques, trouvées sur les murs des tombes, sont toujours considérées comme les plus importants exemples de peintures figuratives pré-romaines connus des spécialistes. Elles étaient faites de plâtre frais et de couleurs naturelles, provenant pour la plupart de pierres et de minéraux, et appliquées avec des pinceaux en poils d’animaux. Ces œuvres représentaient principalement des paysages de la vie quotidienne et des scènes mythologiques traditionnelles. Au milieu du IVe siècle, la célèbre technique du clair-obscur a commencé à être utilisée, pour représenter le volume et la profondeur.

Les Étrusques ont également eu une grande influence sur l’architecture romaine par la suite, qui a été l’un des piliers du grand empire qui a vu le jour au 1er siècle de notre ère. Avec la civilisation sont venus la culture et les arts, Rome devenant la ville la plus avancée du monde. Les œuvres d’art sont devenues le symbole de la richesse et de l’abondance, les peintures murales décorant les maisons et les sculptures étant installées dans chaque coin de la maison et du jardin. Les Romains décoraient également les sols avec des mosaïques, qui représentaient généralement des événements de la mythologie grecque et romaine ou des scènes historiques de la vie quotidienne. Influencé par l’art et la religion orientale, en particulier l’empire byzantin et la capitale Constantinople, l’art romain a commencé à incorporer des motifs chrétiens et a amélioré la production de peintures murales, de mosaïques au plafond et au sol, ainsi que de sculptures funéraires.

La tendance s’est poursuivie jusqu’au Moyen Âge, l’art byzantin en Italie évoluant vers une décoration très formelle et raffinée avec une calligraphie standardisée et une utilisation admirable de l’or et de la couleur. À cette époque, l’art en Italie était assez régional, avec des impacts de courants extérieurs européens et orientaux. Un autre style important était le style gothique, qui marquait la transition entre la période médiévale et la Renaissance. Pendant les disputes religieuses au sein de l’église, les ordres de moines franciscains ont voulu ramener l’église catholique à ses fondamentaux, introduisant l’architecture gothique d’abord en Europe du Nord puis vers le sud, vers l’Italie.

L’art de la Renaissance en Italie

Certainement la période la plus célèbre de l’histoire de l’art italien, la Renaissance marque la période entre la fin du 13e et la fin du 16e siècle. Elle a commencé avec des peintres et des sculpteurs qui voulaient donner à leurs œuvres une qualité spirituelle et évoquer un sens religieux profond. En même temps, ils voulaient représenter les gens et la nature de manière réaliste. Cela se reflète également dans l’architecture de la Renaissance, où les architectes ont conçu d’immenses cathédrales pour souligner la grandeur de Dieu et humilier l’esprit humain. Les artistes de l’Italie de la Renaissance étaient souvent attachés à des cours particulières et n’étaient fidèles qu’à certaines villes, mais leurs œuvres d’art montraient toute l’Italie, diffusant des idées artistiques et philosophiques. Le berceau de la Renaissance est sûrement la ville de Florence en Toscane, qui détient encore aujourd’hui certaines des œuvres les plus importantes des quatre périodes et abrite les musées et les galeries les plus célèbres du monde.

En fait, la Proto-Renaissance (1300-1400), la Première Renaissance (1400-1475), la Haute Renaissance (1475-1525) et le Maniérisme (1525-1600) ont été divisés entre les artistes qui ont mis en valeur chacune d’elles. Les débuts sont marqués par le célèbre peintre Giotto, qui fut le premier artiste à représenter la nature de manière réaliste depuis la chute de l’Empire romain. Ses magnifiques fresques, remplies d’émotions de joie, de rage, de désespoir, de honte, de dépit et d’amour, se trouvent encore dans les églises d’Assise, de Florence, de Padoue et de Rome. Entre Giotto et les trois maîtres qui sont venus dominer les arts de la fin du 15e et du début du 16e siècle, nous avons Taddeo Gaddi, Orcagna, Altichiero, Masaccio, Donatello, Paolo Uccello, Andrea Mantegna et bien d’autres.

Les œuvres d’art de la Renaissance italienne – Histoire de l’art en Italie

Les œuvres de la Haute Renaissance de Michel-Ange, Raphaël et de Vinci

La période de la Haute Renaissance, de la fin du XVe siècle et du début du XVIe siècle, fut l’une des plus importantes de toute l’histoire de l’art et le moment le plus brillant de celle de l’Italie, sûrement grâce à l’éclat de trois hommes que sont Michel-Ange, Raphaël et Léonard de Vinci. Michel-Ange, proclamé le plus grand sculpteur de l’histoire, était un maître dans la représentation de la figure humaine, donnant une impression écrasante de puissance physique et spirituelle. Sa remarquable fresque sur le plafond de la chapelle Sixtine du Vatican, peinte entre 1508 et 1512, est l’une des plus grandes œuvres d’art de la Renaissance. D’autre part, l’art de Raphaël était plus poétique, car il était habile dans la création de la perspective et l’utilisation de couleurs délicates. Il est connu pour les nombreuses peintures de la Vierge Marie et beaucoup de ses œuvres ont été influencées par des modèles classiques grecs et romains.

A côté des fresques de la chapelle Sixtine sur la liste des œuvres les plus célèbres de l’art italien de la Renaissance, on trouve La Cène de Léonard de Vinci et le portrait de Mona Lisa, le plaçant comme incontestablement le plus grand esprit de son temps et au-delà. Symbole de l’esprit d’apprentissage et de curiosité intellectuelle de la Renaissance, Léonard de Vinci était un grand talent dans des domaines très divers, qui apprenait en regardant les choses. Ses études de la lumière, de l’anatomie, du paysage et des expressions humaines restent inégalées par tout autre artiste au monde.

Introduction à l’art moderne et contemporain italien

Entre la Renaissance et l’époque moderne, l’art italien a évolué en termes de style, à travers l’élégance du maniérisme, le baroque orageux en clair-obscur du Caravage et du Bernin, les tendances rococo de Tiepolo, Canaletto et Bellotto, ainsi que les œuvres néoclassiques de Canova et Hayez, entre le 17e et le 19e siècle. Avec l’arrivée du XXe siècle, l’Italie et ses artistes se sont également associés à la conception des mouvements d’avant-garde, en s’appuyant sur le riche héritage de leurs prédécesseurs. Avec des développements majeurs dans la peinture et la sculpture, l’Italie est également devenue le point chaud du design, en particulier vers la fin du millénaire qui a produit des designers influents avec leurs œuvres fonctionnelles imaginatives et ingénieuses.

Futurisme – Futurismo

Entre 1909 et 1916, l’Italie a rejoint les mouvements européens qui visaient à rompre les liens avec le passé dans tous les domaines de la vie. Cela a commencé avec le Manifeste du Futurisme, conçu par l’écrivain italien Filippo Tommaso Marinetti, qui exprimait la glorification futuriste de la puissance, de la vitesse et de l’excitation, et la désapprobation de tout ce qui était ancien, notamment la tradition politique et artistique. Leurs œuvres d’art célébraient le triomphe technologique et l’ère de la machine sur la nature, montrant souvent la voiture, l’avion, la ville industrielle. Le style des artistes du futurisme se caractérisait par la superposition de fragments de couleurs et d’images multiples, débordant d’énergie et évoquant l’atmosphère frénétique des temps modernes. Les œuvres s’étendaient à une variété de médias, notamment la peinture, la sculpture, le design graphique et industriel, la céramique, le cinéma et le théâtre, la mode et les textiles, la littérature, la musique, l’architecture et même la gastronomie, s’inspirant du divisionnisme et du cubisme. Un groupe de jeunes peintres basés à Milan, dont Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla et Gino Severini, applique les idées futuristes aux arts visuels. Boccioni a également travaillé avec des sculptures, créant de manière célèbre les Formes uniques de la continuité dans l’espace de 1913, qui se dressent comme le symbole de figures se déplaçant dans l’espace à grande vitesse.

Art métaphysique – Pittura Metafisica

Avec les travaux de Carlo Carrà et Giorgio de Chirico à Ferrare, l’art métaphysique, en italien pittura metafisica, est venu définir une peinture onirique de places typiques de villes italiennes idéalisées. Dans ces œuvres, les personnages et les objets semblent figés dans le temps, se trouvant dans des contextes étranges et illogiques, les lumières et les couleurs irréelles, la perspective non naturelle. Décrites comme des « peintures qui ne peuvent être vues », ces œuvres doivent être reconnues comme les produits de l’inconscient, au-delà de la logique ou de la réalité physique – d’où le nom de « métaphysique ». L’école établie de Chirico et Carrà, bien qu’éphémère, a donné une impulsion significative au développement de mouvements comme Dada et le surréalisme également.

Novecento Italiano

Fondé à Milan en 1922, le Novecento Italiano est un mouvement créé pour renouveler l’art italien en rejetant les mouvements d’avant garde européens et s’appuie sur la rhétorique du fascisme de Mussolini. Fondée par la critique Margherita Sarfatti et pratiquée par sept artistes, dont Anselmo Bucci, Leonardo Dudreville, Achille Funi, Gian Emilio Malerba, Piero Marussig, Ubaldo Oppi et Mario Sironi, l’initiative revient au grand art figuratif italien du passé, en particulier le Quattrocento (les années 1400) et le Cinquecento (les années 1500). Les artistes du Novecento (c’est-à-dire des années 1900) ont soutenu le régime fasciste et leurs œuvres ont été associées au département de propagande de l’État, dans le but de faire revivre la tradition de la peinture d’histoire de grand format à la manière classique. Le mouvement a été officiellement lancé en 1923 lors d’une exposition à Milan, avec Mussolini comme l’un des intervenants, et a duré jusqu’en 1943.

Spatialisme – Spazialismo

Marqué par les tableaux tailladés et percés de Lucio Fontana, le Spatialisme, ou movimento spaziale en italien, a été le mouvement le plus marquant de l’après-guerre entre 1947 et 1954. Conçu comme un nouveau type d’art, il visait à synthétiser la couleur, le son, l’espace, le mouvement et le temps dans des œuvres d’art, en combinant des éléments de l’art concret, de Dada et du tachisme. Anticipé par le Manifesto Bianco (Manifeste blanc) de Fontana publié à Buenos Aires en 1946 et suivi de cinq autres manifestes, le mouvement cherche à unir l’art et la science pour projeter la couleur et la forme dans l’espace réel en utilisant des techniques modernes telles que l’éclairage au néon et la télévision. Les œuvres de Fontana, comme l’Environnement spatial noir de 1947 et les toiles tailladées à la lame de rasoir créées tout au long des années 1950 et 1960, sont venues influencer l’art environnemental et ont été les premières à promouvoir l’idée de l’art gestuel et de la performance comme parties cruciales de la création.

Arte Povera

L’éminent critique d’art italien Germano Celant a inventé le terme Arte Povera au cours des années 1960, décrivant des œuvres d’art qui combinaient des aspects de l’art conceptuel, minimaliste et de la performance pour adopter une position radicale. Les artistes ont commencé à remettre en question et finalement à attaquer les valeurs des institutions établies, se demandant si l’art en tant qu’expression privée d’un individu avait encore une raison éthique d’exister. Celant, ainsi que les figures clés qui ont contribué à façonner le mouvement, comme Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Jannis Kounellis, Mario Merz et Marisa Merz, Pino Pascali, Giuseppe Penone et Michelangelo Pistoletto, ont promu la notion d’un art révolutionnaire, libéré des conventions, du pouvoir des structures et du marché. Le nom « arte povera », qui signifie « art appauvri », provenait de l’utilisation de matériaux sans valeur ou communs tels que la terre ou le papier journal, dans l’espoir de subvertir la commercialisation de l’art.

Anti Design

A part les principaux mouvements de l’art italien qui ont façonné la culture du pays au 20ème siècle, un rôle majeur a été joué par le design également, qui s’est fait connaître et a atteint les sommets de la sophistication et de la classe. Alors qu’au début du siècle, les designers s’efforçaient de trouver un équilibre entre l’élégance classique et la créativité moderne, donnant vie à des pièces similaires au style Art déco français, le domaine a évolué pour devenir le principal acteur de la scène internationale au cours des années 1960 et 1970, principalement dans le domaine du mobilier et de la décoration intérieure. Cependant, entre les années 1966 et 1980, il y a eu l’Anti-Design, qui mettait l’accent sur les couleurs frappantes, la distorsion d’échelle, l’ironie et le kitsch. Ce mouvement était une réaction contre l’esthétique perfectionniste du modernisme, qui a débuté avec Ettore Sottsass Jr. Avec des groupes de design radicaux comme Archigram et Superstudio, ils ont exprimé leurs idées en produisant des prototypes de meubles, des pièces d’exposition et en publiant des manifestes qui sont considérés comme révolutionnaires même aujourd’hui. Ils embrassaient l’unicité plutôt que la production de masse et leurs conceptions étaient destinées à être fonctionnelles, plutôt que belles.

Transavangarde – Transavanguardia

La version italienne du néo-expressionnisme, la Transavangarde, également connue sous le nom de Transavanguardia, est un mouvement qui a balayé l’Italie, et le reste de l’Europe occidentale, à la fin des années 1970 et dans les années 1980. Signifiant littéralement « au-delà de l’avant-garde », le terme a été inventé par un autre critique italien renommé, Achille Bonito Oliva, et symbolise le rejet du conceptuel et le retour à l’émotion, en particulier dans la peinture et la sculpture. Les artistes, tels que Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Sandro Chia et Mimmo Paladino, ont renoué avec le symbolisme et la peinture figurative, ainsi qu’avec l’imagerie mythique, redécouverte à l’apogée du mouvement.

Vers le nouveau millénaire – Arte Italiana Today

Même cinq cents ans après la période de la Renaissance, qui est toujours considérée comme le point culminant de l’histoire de l’art italien, la place du pays sur la scène internationale est très significative encore aujourd’hui. Ses artistes, ses critiques, ses conservateurs et ses personnalités influentes sont toujours présents, démontrant la détermination de l’Italie à préserver son patrimoine sans perdre de vue le présent et l’avenir. N’oublions pas que la Biennale de Venise a été la première exposition artistique à prôner l’art contemporain dans le monde, en 2015 marquant sa 56e édition. Outre les musées et galeries historiques répartis dans tout le pays, comme la Galerie des Offices ou la Pinacothèque de Brera, des villes comme Florence, Milan, Rome, Venise et Turin abritent de nombreuses institutions et manifestations qui jouent un rôle central dans le soutien et la promotion de l’art contemporain en Italie et au-delà : Le Palazzo Reale et le Museo del Novecento de Milan, le MACRO et le MAXXI de Rome, le Museo di Villa Croce à Gênes, Punta della Dogana à Venise, le Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina à Naples, le Castello di Rivoli à Turin… Au cours de la dernière décennie, l’Italie a également vu l’essor de ses artistes et de ses œuvres sur le marché international de l’art, répartis entre les figures importantes du XXe siècle et un groupe de nouveaux talents qui vient définir les tendances du millénaire. La foire d’art Artissima, la plus importante d’Italie puisqu’elle en est à sa 23e édition, ainsi que les nombreuses collections d’art privées et publiques, ont certainement contribué à l’épanouissement de ces personnes. Avec une forte inspiration du passé, l’art italien semble inarrêtable, ne nous donnant aucune raison de douter que son extraordinaire héritage ne se poursuivra pas bien au-delà de l’avenir.

Conseil de la rédaction : Les femmes dans l’art de la Renaissance italienne : Genre, représentation, identité

Entre c1350 et c1650, les sociétés urbaines italiennes ont connu de nombreux débats sur la nature, les rôles, l¹éducation et le comportement des femmes. Ce livre comble une lacune dans la littérature encore florissante sur tous les aspects de la vie des femmes à cette époque. À l’aide d’un large éventail de documents, dont la plupart n’ont jamais été traduits auparavant, cet ouvrage met en lumière les idéaux et les réalités qui influencent la vie des femmes dans le contexte de la culture civique et courtoise de l’Italie de la Renaissance. Le texte est divisé en trois sections : les points de vue contemporains sur la nature des femmes et les idéaux éthiques et esthétiques qui leur conviennent ; les cycles de vie de la naissance à la mort, ponctués par les rites de passage des fiançailles, du mariage et du veuvage ; les rôles des femmes au couvent, à la cour, sur le lieu de travail et dans la vie culturelle. Les réalités des expériences des femmes étaient riches et variées, et leurs voix parlent de diverses possibilités de vies émotionnellement riches et socialement utiles.

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4. Pope-Hennessy, J. W., Italian High Renaissance and Baroque sculpture, Phaidon Press, 1996
5. Hyland, D. K. S. Futurism, World Book, 2011
6. Formaggio D. et al, Il Novecento Italiano, 1923 – 1933 Gabriele Mazzotta, 1983
7. Parmesani, L., L’Arte del Secolo, Skira, 2003
8. Celant, G., Arte Povera : Histoires et Protagonistes, Electa, 1985

Des images en vedette dans le curseur : Michelangelo Pistoletto – Vénus des chiffons 1967, 1974. Image via Tate. Courtesy Castello di Rivoli ; Francesco Clemente – Il cerchio di Milarepa (Le cercle de Milarepa), 1982 ; Lucio Fontana – L’attesa. Le téléphone cassé, 1959-66. Image via Wikipedia ; Mario Merz – Les maisons tournent-elles autour de nous ou tournons-nous autour des maisons ?, Arte Povera 2011, Triennale, Milan ; Carlo Carrà – Le Chevalier rouge (1913), via pinterest com ; Giorgio de Chirico – Melancholia, 1916, Image via Wikipedia ; Maurizio Cattelan – La neuvième heure, 1999, Image via Wikipedia. Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement.

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