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Les modifications peuvent survenir, les numéros stupides et le formatage sur Reddit ainsi que plus d’infos et de détails

J’ai vu et répondu à tant de messages sur ce sous récemment demandant à propos de « chanter sur la hauteur » que j’ai pensé que je décomposerais ce que cela signifie, et comment l’améliorer avec d’autres « compétences musicales auxiliaires ». J’aborde cet article d’un point de vue théorique et académique, mais votre technique peut également avoir un impact sur votre hauteur, alors assurez-vous de jumeler ces conseils avec une base solide de technique vocale pour vous donner les meilleures chances de succès.

Tout d’abord, que signifie même « hauteur sur/hors hauteur » et « dans/hors de/hors de la clé » ?

Dans le contexte du chant, une note/une hauteur est une note donnée (fondamentalement une fréquence vibratoire) qu’un chanteur essaie d’atteindre. Un instrument avec un bouton, une clé ou une frette peut doigter cette note et obtenir précisément cette hauteur, car c’est ainsi que l’instrument est conçu. Cependant, la voix humaine est flexible, comme un élastique, et est capable de chanter des hauteurs ou des fréquences qui glissent entre la collection standardisée de notes ou de hauteurs qui constituent la tonalité de la musique occidentale. Le trombone et le violon sont d’autres instruments qui peuvent glisser entre les hauteurs. Cela signifie qu’une voix humaine est capable de chanter presque une note, soit légèrement en dessous d’une hauteur donnée (nous appelons cela « chanter bémol »), soit légèrement au-dessus d’une hauteur donnée (nous appelons cela « chanter dièse »), mais PAS AU POINT DE DEVENIR LA PROCHAINE NOTE DISPONIBLE dans notre système de tonalité. Si l’on chante une hauteur légèrement supérieure ou inférieure, on obtient un son flou, paresseux, dissonant (terme musical désignant un son musical abrasif ou peu attrayant) ou tout simplement « faux ». Les chanteurs finissent par apprendre ce que chaque hauteur individuelle ressent à créer dans leur corps, ce qui leur permet de chanter avec la même précision qu’une trompette ou autre.

En ce qui concerne notre système de notation et de théorie, les notes sur un instrument ou une page peuvent également être appelées « dièse » ou « bémol », mais cela fait référence à ces symboles ♯ et ♭, qui font référence à l’abaissement d’une hauteur écrite d’un demi-ton.

En/hors de/hors de la tonalité est un peu plus compliqué. Dans la tonalité occidentale, nous avons 12 hauteurs distinctes, chacune séparée de la suivante par une distance musicale appelée « demi-ton ». Voici un article sur ces 12 hauteurs, organisées de manière ascendante en une « échelle chromatique ». Vous n’avez pas besoin de savoir grand-chose sur une gamme chromatique, mais le titre de l’article illustre joliment ces 12 hauteurs, reliées par des demi-tons : https://en.wikipedia.org/wiki/Chromatic_scale Ces 12 hauteurs se répètent ensuite à l’infini, mais à des fréquences plus élevées. Comme si vous jouiez toutes les notes blanches et noires dans l’ordre sur un piano en commençant par un do, après 12 notes, vous arriveriez de nouveau à un autre do, mais plus haut. Nous pourrions appeler cela un « registre supérieur » du piano.

Une clé est fondamentalement une collection de 7 de ces hauteurs liées les unes aux autres d’une manière très spécifique, chacune remplissant une fonction dans la clé qui, lorsqu’elle est utilisée dans un morceau de musique, entraîne un sentiment de « chez soi » dans la clé. Les notes extérieures à la tonalité sonnent « faux », comme si elles n’étaient pas à leur place, parce qu’elles n’ont pas de fonction dans l’image globale de la tonalité. À chaque tonalité de la musique correspond une gamme majeure, c’est-à-dire 7 notes qui montent dans un ordre spécifique. Si vous commencez une gamme majeure sur C, vous utiliserez une collection différente de hauteurs que si vous commencez une gamme majeure sur Bb, cependant, elles seront structurées de la même manière. Voici un article sur la façon dont les gammes majeures sont structurées et comment elles sont liées aux clés : https://en.wikipedia.org/wiki/Major_scale Notez que ces 7 hauteurs répètent également leur motif à plusieurs reprises, mais à des registres plus élevés ou plus bas. Si ce sont les mêmes notes, juste plus haut sur un piano, ce sont toujours les mêmes notes de l’intérieur d’une clé.

Donc, la mélodie d’une chanson est écrite en utilisant une collection spécifique de hauteurs qui ont un rôle et une fonction spécifiques dans le centre tonal de la clé dans laquelle la chanson est écrite. Une mélodie, par exemple « Twinkle Twinkle », est composée de hauteurs très spécifiques dans une tonalité donnée. Les hauteurs sont liées les unes aux autres de manière mathématique et musicale, et quelle que soit la note sur laquelle vous commencez, vous devez respecter ces relations musicales/mathématiques. Vous pouvez chanter « Twinkle Twinkle » dans n’importe quelle tonalité (ou en commençant sur n’importe quelle note), mais vous devez faire en sorte que les relations musicales soient cohérentes dans chaque tonalité, et vous ne pouvez pas être sûr que parce que vous montez lorsque la mélodie monte, vous montez sur la bonne note. Laissez-moi visualiser un exemple pour vous en utilisant des chiffres :

Nous savons que la mélodie de Twinkle Twinkle va SAME, SAME, UP, SAME, UP, SAME, DOWN. Nous allons utiliser ces chiffres (qui signifient réellement quelque chose en musique), et vous verrez qu’il y a un « espace musical » entre les hauteurs cibles (dans ce cas, les chiffres intermédiaires).

1 – 1 – 5 – 5 – 6 – 6 – 5

Maintenant, si vous finissez par chanter quelque chose comme 1 – 1 – 5 – 5 – 7 – 7 – 4, ce n’est plus Twinkle Twinkle et vous êtes arrivé aux mauvaises notes mélodiques, même si vous êtes monté quand les notes mélodiques étaient censées monter… vous n’êtes pas monté aux bonnes notes. Vous avez dépassé les limites. Donc maintenant, vous chantez de mauvaises notes – des notes qui peuvent encore appartenir à la clé, mais qui ne sont pas les notes mélodiques correctes, ou vous pouvez chanter une des nombreuses notes qui se trouvent en dehors de la clé (rappelez-vous que les clés sont composées de 7 notes sur 12 possibles) ou même en dehors du domaine de la tonalité occidentale.

Si quelqu’un dit que vous chantez faux, il veut dire essentiellement que vous chantez chaque note un peu pointue ou plate (souvent une combinaison des deux), de sorte que vous êtes « presque juste » mais assez faux pour qu’il y ait une dissonance musicale, ou vous chantez tout simplement carrément des notes fausses (qui peuvent être des notes dans la tonalité mais fausses pour ce moment particulier de la mélodie, des notes hors de la tonalité, ou une de ces notes « entre les deux » que j’ai mentionnées au début).

Cela se produit souvent lorsque l’oreille musicale du chanteur n’est pas assez développée pour avoir absorbé certains des modèles et des conventions qui composent la plupart des musiques, et que sa mémoire musicale n’est pas assez bonne pour qu’il puisse entendre une mélodie et ensuite se souvenir de toutes ces hauteurs cibles juste comme elles ont été jouées ou chantées, il peut juste se souvenir que la mélodie monte ici et descend là. Cet écart par rapport aux hauteurs prescrites, combiné à l’incapacité d’un nouveau chanteur à contrôler techniquement sa voix au point de chanter la hauteur qu’il a l’intention d’atteindre sans glisser jusqu’à elle, sans fluctuer ou s’écarter, entraîne un chant faux. Il est peu probable qu’un chanteur soit seulement aigu ou plat – il s’agit plus probablement d’une combinaison d’aigu, de plat et, le plus souvent, tout simplement FAUX.

Alors, comment faire pour rester « sur le ton »/ »dans la tonalité » ?

En développant une combinaison de compétences pratiques et de connaissances théoriques, y compris la correspondance de base de la hauteur, les compétences d’écoute critique, la mémoire musicale, le chant des modèles musicaux, combinée à l’apprentissage de la théorie et de la terminologie musicale pour fournir un contexte à ce que vous travaillez. De nombreux musiciens apprennent simultanément le solfège, qui est un système de forage des relations musicales par cœur, en utilisant le système de syllabes « Do Re Mi Fa Sol La Ti Do », qui est utile pour sa capacité à être appliqué à n’importe quelle clé une fois le processus de mémorisation de base terminé.

Par où commencer ? Commencez par « sur la hauteur » avant de passer à « dans la tonalité ».

OPTIONNEL faites-vous tester par un ami féru de piano sur quelques simples « cette note est-elle plus haute ou plus basse que la précédente ? ». « Est-ce que c’est deux notes ou une seule ? » « Ces deux notes sont-elles proches ou éloignées ? » pour faire travailler vos oreilles.

1. Asseyez-vous à un piano. RANGEZ L’APPLICATION DE HAUTEUR DE SON. L’application peut seulement vous dire de quelle hauteur de son vous êtes le plus proche, mais elle ne peut pas deviner votre hauteur de son intentionnelle. L’application ne peut pas deviner le contexte musical dans lequel vous chantez. L’application vous montrera avec des détails exagérés chaque petite fluctuation et lapsus de votre voix. ÉTEIGNEZ L’APP, et allumez vos oreilles 🙂

a) Jouez une note, disons, le do moyen, ou toute note qui est confortable à fredonner ou à chanter sur « Daah ». Jouez-la, et écoutez-la. Entendez la note dans votre esprit. Visualisez. Imaginez que vous chantez cette note avec votre propre voix (ce que l’on appelle « l’audition »). Lorsque vous inspirez pour chanter, inspirez comme si vous inhaliez pour chanter cette note particulière. Puis chantez. Et quand vous chantez, TENEZ LA NOTE ! Faites attention à la position de votre note par rapport à celle que vous avez jouée. Sont-elles sauvagement différentes, ou juste légèrement décalées ?

Si c’est sauvagement différent, écoutez attentivement pour déterminer si vous chantez plus haut ou plus bas que la note visée. Ensuite, glissez LENTEMENT autour/essayez différentes notes, mais pendant que vous « cherchez », faites attention à si vous vous rapprochez ou vous vous éloignez, ne vous contentez pas de tourner au hasard et d’espérer le meilleur. Si vous êtes en mesure de corriger pour correspondre à la note que vous jouez, faites attention à la façon dont cette nouvelle note correcte sonne par rapport à celle que vous jouez, et à la façon dont vous vous sentez dans votre corps pour chanter. Arrêtez de jouer/chanter et réessayez, cette fois, en essayant de recréer cette sensation dans votre corps au premier essai pour une meilleure précision.

Si cela semble juste un peu bancal, il se peut que vous soyez juste un peu aigu ou plat par rapport à la note que vous visez. Deux hauteurs très proches en fréquence vont créer des vibrations concurrentes dans l’air, ce qui se traduit par une série perceptible de pulsations dans l’air. Deux hauteurs proches mais décalées d’un pourcentage plus important créeront des impulsions rapides. Plus les deux hauteurs sont proches, plus les impulsions sont lentes. Au bout du compte, les deux hauteurs seront accordées de telle sorte qu’il sera difficile de séparer les deux voix (vous et le piano, ou la flûte et la trompette) l’une de l’autre et qu’elles sonneront comme une seule voix. Cette étape, qui consiste à s’interroger sur la correspondance des hauteurs de son en utilisant différentes hauteurs de son au piano, peut vous prendre des semaines ou des mois. Soyez patient ! Soyez attentif à ce qui se passe et concentrez-vous sur ces sensations dans votre corps. Suivez vos progrès. Notez si vous avez tendance à viser toujours trop bas ou trop haut. Ne vous inquiétez pas trop du ton de votre voix, essayez simplement de chanter à un volume et un registre raisonnables pour ne pas vous fatiguer. Commencez dans votre registre naturel de parole.

C’est la fin de la correspondance de base et simple des hauteurs de son, mais il y a BEAUCOUP plus pour améliorer votre oreille et votre musicalité générale. Si vous souhaitez en savoir plus sur la façon dont les musiciens pratiquent et aiguisent leurs compétences auditives, lisez la suite…

2. Une fois que vous pouvez correspondre avec succès à n’importe quelle hauteur dans votre gamme confortable sans glisser vers le haut ou vers le bas, vous devrez apprendre un peu de notation et d’intervalles afin de pouvoir continuer à jouer des choses progressivement plus difficiles au piano afin de guider votre pratique. VOUS N’IREZ PAS LOIN DANS LE DOMAINE DU CHANT OU DE LA FORMATION DE L’OREILLE SANS QUELQUES CONNAISSANCES FONCTIONNELLES DU PIANO. Vous devez être capable de jouer et d’entendre des EXEMPLES MUSICAUX CONCRETS. Lisez sur la notation, les altérations, la structure de la gamme majeure, la hiérarchie des degrés de la gamme majeure, les demi-tons et les intervalles. Entraînez-vous à les contourner au piano.

a) Progressez vers le jeu d’intervalles : deux notes successives au piano, ascendantes et descendantes, puis rechanter les deux hauteurs (plus tard, passez au jeu des deux notes simultanément et essayez de rechanter les notes individuellement). Faites preuve de la même prudence que dans le premier exemple de correspondance des hauteurs. Au début, vous pouvez choisir vos notes de manière arbitraire, tant qu’elles se situent dans votre gamme, mais bientôt, vous devrez également apprendre le nom de chaque intervalle musical. Si vous êtes capable de compter combien de demi-tons séparent deux notes et de les comparer à une référence écrite quelque part, vous pouvez forer vos intervalles. Voici un article : https://en.wikipedia.org/wiki/Interval_(music) . Donc, si vous pouvez chanter deux notes, « Daaa daaa », vérifier quel est l’intervalle, et le chanter à nouveau en utilisant le nom de l’intervalle comme vos syllabes. « Daaa daaa, 3ème majeure ».

b) Une fois que vous pouvez rechanter deux notes à la suite, y compris deux notes qui ont été jouées simultanément au piano, commencez à forer la reconnaissance des différents intervalles. À ce stade, un ami féru de piano est utile car il peut jouer des exemples pour que vous puissiez les identifier, mais vous devriez être capable de trouver et de jouer tous les intervalles commençant sur n’importe quelle note au piano vous-même également. Les musiciens utilisent toutes sortes d’astuces pour identifier les intervalles – une quarte parfaite leur rappelle le début d’une chanson particulière, une tierce majeure correspond à la première et à la troisième note d’une gamme majeure, une tierce mineure descendante représente la sonnette de leur enfance, etc. A ce stade, vous devriez commencer par contraster seulement 2 intervalles, joués sur tout le piano, afin que votre oreille ne soit pas submergée. Commencez par identifier une tierce majeure et une quarte parfaite seulement, par exemple. Puis ajoutez une tierce mineure, etc. etc. etc. Construisez sur ce que vous savez et ne progressez qu’une fois que le premier petit pas est complètement à votre portée.

c) Une fois que vous pouvez IDENTIFIER, CHANTER et RAPPELER les intervalles dans votre mémoire musicale, progressez en chantant des intervalles spécifiques au-dessus et au-dessous, en utilisant une seule note comme référence, en utilisant les astuces et les exercices que vous avez mémorisés auparavant. Encore une fois, commencez avec seulement deux notes pour contraster, et construisez à partir de là. Par exemple, vous jouez une note au piano et décidez de chanter « 5ème parfaite en haut », « 3ème mineure en bas », etc. Comparez-vous au piano à chaque fois, ou demandez à un ami de vous interroger.

POURQUOI LES INTERVALLES SONT-ILS SI IMPORTANTS ? Parce qu’ils sont l’un des blocs de construction de la mélodie ! Et de la musique en général. Si vous êtes capable de réaliser ces petits concepts musicaux avec succès, alors vous serez capable de chanter dans le contexte d’une chanson avec plus de précision et de compréhension, parce que vous serez « attaché à quelque chose », et non pas chanter/flotter sans but « au-dessus de la musique ». D’autres blocs de construction comprennent les gammes ou portions de gammes, dont il existe de nombreuses variétés et altérations, ainsi que les accords, qui peuvent être chantés de bas en haut une note à la fois, qui ont également de nombreux types et qualités. Ce qui m’amène à…

3. RÉPÉTER TOUT CE QUI PRÉCÈDE, MAIS AVEC LES TYPES DE BALANCE ET LES ACCORDS. Au minimum, les gammes mineures/major et les triades mineures/major. Apprenez quelles notes appartiennent à quels triades majeures/mineures. Ce sont d’autres blocs de construction de la musique 🙂

4. Si vous voulez, lisez sur le Solfège, qui est une méthode d’apprentissage de la hauteur et du chant à vue, utilisant des syllabes qui sont assignées à une gamme, apprises par cœur, et qui peuvent être appliquées à n’importe quelle clé. C’est un sujet beaucoup trop profond pour être abordé ici, et il y a un certain débat quant à la méthode de Solfege la plus efficace, donc vous pouvez vous renseigner ici : https://en.wikipedia.org/wiki/Solf%C3%A8ge Je l’ai appris à l’école mais je préférais utiliser la théorie et mon oreille pour apprendre la musique, donc je pensais que le cours était un peu une perte de temps. Mais beaucoup de mes camarades l’ont trouvé vraiment utile et l’utilisent encore aujourd’hui.

Ce que « en clé » signifie vraiment et implique

Le TL;DR de « en clé » signifie essentiellement que vous restez dans les hauteurs prédéterminées d’un morceau de musique, comme décidé par les constructions de la théorie musicale & style. Ok, super. Alors comment tu sais ce que la clé est censée être ?

Faites une rapide analyse théorique de la mélodie et de l’harmonie de la chanson.

Dans une mélodie (qui est essentiellement des notes dérivées d’une gamme donnée), vos indices seront où se trouvent les pas entiers et les demi-pas. Reportez-vous à l’article sur les gammes majeures : https://en.wikipedia.org/wiki/Major_scale et écrivez toutes les notes de votre mélodie, et mettez-les dans l’ordre de la gamme. Rappelez-vous qu’une gamme majeure a deux demi-pas – entre le 3e et le 4e degré de la gamme, et entre le 7e et le degré de l’octave. Si votre mélodie utilise la totalité de la gamme majeure, vous devriez être en mesure d’additionner deux et deux pour déterminer une tonalité probable. C’est plus délicat avec une grande partie de la musique pop, car les voix sont souvent des mélodies pentatoniques très simples (la pentatonique est une échelle simplifiée qui saute certaines notes et ne comprend pas de demi-tons https://en.wikipedia.org/wiki/Pentatonic_scale ), donc ces notes pourraient appartenir à plusieurs tonalités. Dans ce cas, nous devons regarder l’harmonie sous-jacente de la chanson.

Pour ce faire, vous avez soit besoin de quelqu’un pour vous dire les accords, les trouver écrits quelque part, ou les transcrire vous-même. Vous devez également comprendre le concept de triades construites sur des gammes, et comment elles fonctionnent dans la théorie musicale. Vous pouvez également avoir besoin de connaissances théoriques suffisantes pour pouvoir remplir les blancs dans certains cas.

Utilisons un exemple de progression d’accords de Every Little Thing She Does is Magic – The Police. Voici les premières paroles de la chanson :

« Bien que j’aie déjà essayé de lui dire les sentiments que j’ai pour elle dans mon cœur ».

Les notes pour cela vont :

C – D – Eb – D – Eb – D – Eb – G / C – D – Eb – D – Eb – G / C – Eb – D – Bb

Vous pourriez penser que c’est un do mineur puisqu’il décrit les degrés 1, 2, 3 et 5 d’une gamme de do mineur.

Voici les accords sous cette mélodie :

Abmaj – Bbmaj – Cmin – Bbmaj/D / Abmaj – Bbmaj – Cmin – Bbmaj/D / Ebmaj – Ebmaj – Ebmaj – Ebmaj

A première vue, vous pouvez penser que c’est en Ab majeur parce que ça commence sur Ab, mais vous réaliseriez rapidement que si c’était Ab majeur, l’accord de Bb devrait être mineur, et non majeur, selon les constructions des accords majeurs diatoniques.

Une fois que le refrain frappe, il n’y a pas de confusion possible – Bbmaj – Ebmaj – Bbmaj – Eb maj etc.

Unmistakably the key of Eb major. Pourquoi ? La théorie et l’histoire de la musique nous disent que lorsqu’une progression se déplace dans une cadence comme celle-ci, un accord majeur menant à un autre accord majeur une 5ème en dessous, et que cela sonne comme un point d’arrivée, ce doit être une cadence 5-1, où Bb est le 5ème accord de Mib majeur, et Mib est le 1er accord de Mib majeur.

Pourquoi est-ce que je vous dis cela ? C’est beaucoup à saisir si vous êtes à un stade où vous avez du mal à rester dans la tonalité d’une chanson. Mais je l’inclus pour être complet et pour illustrer les méthodes que les musiciens utilisent pour « parler musique » couramment.

S’il n’y a personne autour de vous pour vous indiquer les accords ou la tonalité, que vous ne pouvez pas vous débrouiller tout seul parce que vous ne connaissez pas tant de théorie que ça, et que votre oreille n’est pas encore si développée que ça, eh bien…. vous n’avez pas de chance, pour l’instant 🙂 mais vous pouvez toujours travailler à développer votre musicalité et vos compétences en littératie musicale, ainsi qu’à pratiquer les bases des compétences auditives.

Lorsque vous n’êtes pas devant un piano, vous pouvez continuer à élargir votre compréhension et votre vocabulaire auditifs. Commencez à écouter la musique de manière critique. Cela demande de la pratique pour s’y habituer aussi – essayez de n’écouter que la guitare de votre chanson préférée, puis seulement les chœurs, puis seulement la batterie. Essayez de séparer les parties musicales/instruments. Écoutez à nouveau, mais faites attention à la façon dont la mélodie est structurée – opposez le couplet et le refrain. Que fait le chanteur pour rendre ces deux sections mélodiquement différentes ? Essayez d’écouter la forme de la chanson – combien de couplets, de refrains, où se trouve le pont, y a-t-il un pré-chorus, une intro/outro/interlude ? Choisissez un artiste ou un groupe dont la texture sonore est dense et essayez d’identifier tous les différents instruments ou sons utilisés, ou du moins de les repérer (Steely Dan est un bon exemple pour cela). Essayez de reprendre tous les instruments pour le refrain – toutes les guitares, les pianos, les basses, le motif de la grosse caisse, tous les chœurs. Ce type d’écoute contribuera à « accorder » votre oreille à une écoute plus critique et à une analyse de la musique au fil du temps. Même si vous n’êtes pas en mesure de faire correspondre la hauteur de chaque instrument ou section, le fait de chanter la « forme générale » d’une phrase est utile. Chaque fois que vous essayez de reprendre au piano une mélodie instrumentale de votre chanson pop préférée, par exemple, vous cimentez de plus en plus de connaissances musicales.

Dépensez du temps pour apprendre la théorie musicale, en particulier les clés, les signatures de clé, les relations entre les gammes, les accords, la hiérarchie des degrés de la gamme, les intervalles, le temps, le rythme, la terminologie de la structure des chansons, afin d’avoir une base de contexte musical dans laquelle vous pouvez placer tout votre apprentissage ultérieur. Les bons musiciens comprennent comment ce qu’ils jouent s’insère dans le contexte musical plus large de la chanson, théoriquement, auditivement et stylistiquement.

Exemple d’utilisateur

J’ai vu plusieurs Redditors poster qu’ils avaient tenté d’enregistrer quelques voix sur un « beat » (argot contemporain pour la musique instrumentale, généralement composée sur un ordinateur ou avec l’aide de la technologie) et qu’on leur avait dit qu’ils chantaient dans la mauvaise tonalité, ou qu’ils avaient écrit une chanson mais que la mélodie vocale ne semblait pas correspondre à la musique instrumentale, ou qu’ils étaient entrés dans le studio d’enregistrement et continuaient à dériver de la mélodie. Il y a quelques approches différentes pour savoir quoi faire dans un scénario comme celui-ci, que je vais tenter de vous expliquer ici.

Exemple 1 – vous entrez dans le studio d’enregistrement mais vous continuez à dériver de la clé/de la hauteur. Avant d’entrer dans le studio dans n’importe quelle capacité professionnelle/pré-professionnelle, vous devez construire votre ensemble de compétences pour inclure des connaissances théoriques, une oreille forte, des compétences d’apprentissage et de rétention de la musique, et une compréhension et une connaissance approfondie et véritable de CE QUE VOUS CHANTEZ. Si vous n’êtes pas sûr de le savoir, c’est que vous ne le savez probablement pas. Vous devez SAVOIR QUE VOUS LE SAVEZ 😉 Par exemple, vous pouvez entendre, comprendre, interpréter et mettre en vocabulaire musical les concepts mélodiques et rythmiques de ce que vous êtes censé chanter, et les exécuter avec précision à chaque fois sans deviner, chercher ou improviser. Permettez-moi de clarifier : n’hésitez pas à expérimenter l’enregistrement tout au long de votre développement en tant que musicien. Les compétences en studio sont importantes. Mais s’il y a une chance que vous dérivez hors de la clé sans vous en rendre compte, vous n’êtes pas prêt à entrer dans le studio en tant que professionnel ou même pré-professionnel.

Exemple 2 – quelqu’un vous dit que vous chantez dans la mauvaise tonalité pour un instrumental. Vous devez développer vos connaissances théoriques et vos compétences auditives pour être capable d’écouter et d’interpréter les indices dans la musique qui vous indiqueront quelle clé/tonalité/échelle vous devriez chanter, surtout si le producteur ne peut pas vous le dire (ce qui est malheureusement assez courant à notre époque & de production musicale/fabricants de rythmes/producteurs de chambre).

Exemple 3 – vous avez écrit quelques accords sur votre guitare, et la mélodie que vous avez mise sur vos paroles ne semble pas correspondre. Là encore, il s’agit en grande partie d’améliorer votre oreille et vos connaissances théoriques. Commencez par apprendre quels sont les accords que vous jouez ET quelles sont les notes qui composent tous ces accords. Ensuite, notez toutes ces notes de plusieurs accords dans l’ordre de la gamme et voyez si vous pouvez discerner un modèle de gamme majeure. Ensuite, écrivez les notes que vous essayez de chanter, et voyez s’il y a des notes bizarres qui entrent en conflit avec la collection de notes que vous avez tirées de vos accords. Par exemple, votre mélodie comprend un si naturel, mais certains de vos accords contiennent des si bémols. IL FAUT TOUJOURS S’EN REMETTRE AUX ACCORDS. Vous devrez peut-être changer votre mélodie vocale.

Et enfin, un peu sur qui je suis et comment j’applique ces compétences :

J’ai une maîtrise en performance de saxophone (jazz), et avant cela, j’ai étudié le piano classique au lycée. En tant qu’enfant, j’avais une bonne oreille, mais je devais apprendre le vocabulaire et l’application de tous ces trucs indépendamment. J’ai donc appris tout cela d’abord sous la tutelle de mon professeur de piano privé, puis dans le cadre de mes cours de musique de base à l’université, tels que la théorie musicale, le solfège et les compétences auditives (oui, j’avais un cours entier uniquement pour le solfège). J’ai déménagé dans une grande ville il y a trois ans et je gagne maintenant une partie de ma vie en me produisant en tant que vocaliste, saxophoniste et claviériste sur ma propre musique néo-soul originale (solo & avec un groupe), dans des groupes de reprises motown/R&B, des groupes de swing, d’autres projets originaux, des performances en solo dans des bars, des mariages, etc. www.shannonchapman.ca si vous êtes intéressé 🙂

Je dois apprendre beaucoup de musique rapidement, et je dois être capable d’aborder la musique sous tellement d’angles.Lorsque j’apprends, chante ou écris une chanson, j’utilise simultanément tant de connaissances – je forge des connexions comme « Oh, cette harmonie de fond commence une tierce mineure plus haut que là où la voix principale s’est arrêtée à la fin de la section précédente » ou « cette mélodie commence sur la quinte de l’accord » ou « cette mélodie est délicate parce qu’il s’agit de trois tierces mineures différentes d’affilée » ou « la mélodie monte d’une sixte pour le pont » « sur le couplet, je suis l’harmonie supérieure qui est un La, donc je peux l’entendre dans ma partie de piano, mais sur le refrain, je suis l’harmonie inférieure », etc. etc. etc. Il s’agit d’un ensemble de connaissances qui fonctionnent ensemble d’une manière que je n’ai plus besoin de travailler – cela fait désormais partie de mon vocabulaire. Et comme pour l’apprentissage de toute langue, il faut commencer par les bases.

Voici comment vous pouvez commencer!