PUEDE HABER EDITOS, números estúpidos y formato en Reddit, así como más información y detalles
He visto y respondido a tantos posts en este sub últimamente preguntando sobre «cantar en tono» que pensé en desglosar lo que significa, y cómo mejorarlo junto con otras «habilidades musicales auxiliares». Estoy enfocando este artículo desde una perspectiva teórica y académica, pero tu técnica también puede afectar a tu afinación, así que asegúrate de acompañar estos consejos con una base sólida de técnica vocal para tener la mejor oportunidad de éxito.
En primer lugar, ¿qué significa «afinación/desafinación» y «dentro/fuera/afinación»?
En el contexto del canto, una nota/afinación es una nota determinada (básicamente una frecuencia vibratoria) que un cantante está tratando de alcanzar. Un instrumento con un botón, una tecla o un traste puede tocar esa nota y conseguir precisamente ese tono, porque así es como está diseñado el instrumento. Sin embargo, la voz humana es flexible, como una goma elástica, y es capaz de cantar tonos o frecuencias que se deslizan entre la colección estandarizada de notas/tonos que conforman la tonalidad de la música occidental. Otros instrumentos que pueden deslizarse entre los tonos son el trombón y el violín. Esto significa que una voz humana es capaz de cantar casi una nota, ya sea ligeramente por debajo de un tono determinado (lo llamamos «cantar bemol»), o ligeramente por encima de un tono determinado (lo llamamos «cantar sostenido»), pero NO LO SUFICIENTE PARA SER LA SIGUIENTE NOTA DISPONIBLE en nuestro sistema de tonalidad. El resultado de cantar un tono ligeramente por encima o por debajo, es que suena flojo, flojo, disonante (un término musical para un sonido musical abrasivo o poco atractivo) o simplemente «incorrecto». Los cantantes acaban aprendiendo lo que cada tono individual siente crear en su cuerpo, lo que les permite cantar con la misma precisión que una trompeta o lo que sea.
Con respecto a nuestro sistema de notación y teoría, las notas en un instrumento o página también pueden llamarse «sostenido» o «bemol», pero eso se refiere a esos símbolos ♯ y ♭, que se refieren a bajar un tono escrito en un semitono.
Entrada/salida de tono es un poco más complicado. En la tonalidad occidental, tenemos 12 tonos distintos, cada uno separado del siguiente por una distancia musical llamada «semitono». Aquí tienes un artículo sobre esos 12 tonos, ordenados de forma ascendente en una «escala cromática». No es necesario saber mucho sobre una escala cromática, pero el título del artículo ilustra muy bien esos 12 tonos, relacionados por semitonos: https://en.wikipedia.org/wiki/Chromatic_scale Estos 12 tonos se repiten una y otra vez, pero a frecuencias más altas. Como si tocaras todas las notas blancas y negras en orden en un piano comenzando en Do, después de 12 notas llegarías de nuevo a otro Do, pero más alto. Podríamos llamar a esto un «registro más alto» del piano.
Una clave es básicamente una colección de 7 de esos tonos relacionados entre sí de una manera muy específica, cada uno de los cuales realiza una función en la clave que, cuando se utiliza en una pieza musical, resulta en una sensación de «hogar» dentro de la clave. Las notas de fuera de la tonalidad suenan «mal», como si no pertenecieran a ella, porque no cumplen una función en el conjunto de la tonalidad. Cada tonalidad musical tiene su correspondiente escala mayor, que consta de 7 notas que ascienden en un orden específico. Si empiezas una escala mayor en Do, utilizarás una colección diferente de tonos que si empiezas una escala mayor en Sib, sin embargo, estarán estructuradas de la misma manera. Aquí hay un artículo sobre cómo se estructuran las escalas mayores y cómo se relacionan con las claves: https://en.wikipedia.org/wiki/Major_scale Observa que estos 7 tonos también repiten su patrón una y otra vez, pero en registros más altos o más bajos. Si son las mismas notas, sólo que más altas en un piano, siguen siendo las mismas notas de una tonalidad.
Así pues, una melodía de una canción se escribe utilizando una colección específica de tonos que tienen un papel y una función específicos dentro del centro tonal de la tonalidad en la que está escrita la canción. Una melodía, por ejemplo «Twinkle Twinkle», se compone de tonos muy específicos en una clave determinada. Los tonos están relacionados entre sí de forma matemática y musical, y sea cual sea la nota con la que se empiece, hay que mantener esas relaciones musicales/matemáticas. Puedes cantar «Twinkle Twinkle» en cualquier tono (o empezando en cualquier tono), pero debes hacer que las relaciones musicales sean consistentes con cada tono, y no puedes estar seguro de que sólo porque estés subiendo cuando la melodía sube, estés subiendo A LA NOTA CORRECTA. Permíteme visualizar un ejemplo usando números:
Sabemos que la melodía de Twinkle Twinkle va a la MISMA, MISMA, ARRIBA, MISMA, ARRIBA, MISMA, ABAJO. Utilizaremos estos números (que realmente significan algo en la música), y verás que hay «espacio musical» entre los tonos objetivo (en este caso, los números intermedios).
1 – 1 – 5 – 5 – 6 – 6 – 5
Ahora bien, si acabas cantando algo como 1 – 1 – 5 – 5 – 7 – 7 – 4, ya no es Twinkle Twinkle y has llegado a las notas de la melodía equivocadas, aunque hayas subido cuando las notas de la melodía debían subir… no has subido a las notas correctas. Te has pasado. Así que ahora estás cantando notas equivocadas – notas que aún pueden pertenecer a la tonalidad, pero no son las notas correctas de la melodía, o puedes estar cantando una de las muchas notas que se encuentran fuera de la tonalidad (recuerda que las tonalidades están formadas por 7 notas de 12 posibles) o incluso fuera del ámbito de la tonalidad occidental.
Si alguien dice que estás cantando fuera de tono, básicamente quiere decir que estás cantando cada nota un poco aguda o bemol (a menudo una combinación de ambas), de forma que estás «casi bien» pero lo suficientemente mal como para que haya una disonancia musical, o simplemente estás cantando notas equivocadas (que pueden ser notas dentro de la tonalidad pero equivocadas para ese momento concreto de la melodía, notas fuera de la tonalidad, o una de esas notas «intermedias» que he mencionado al principio).
Esto suele ocurrir cuando el oído musical del cantante no está lo suficientemente desarrollado como para haber absorbido algunos de los patrones y convenciones que conforman la mayoría de la música, y su memoria musical no es lo suficientemente buena como para poder escuchar una melodía y luego recordar todos esos tonos objetivo tal y como fueron tocados o cantados, puede que sólo recuerden que la melodía sube aquí y baja allá. Esta desviación de los tonos prescritos, combinada con la incapacidad de un nuevo cantante para controlar técnicamente su voz hasta el punto de que acabe cantando el tono que pretende sin deslizarse hasta él, fluctuando o desviándose, da como resultado un canto fuera de tono. Es poco probable que un cantante sea sólo agudo o bemol – es más probable una combinación de agudo, bemol, y más a menudo, simplemente incorrecto.
Entonces, ¿cómo se mantiene «en el tono» / «en el tono»?
Desarrollando una combinación de habilidades prácticas y conocimientos teóricos, incluyendo la adecuación básica de la afinación, la capacidad de escucha crítica, el recuerdo musical, el canto de patrones musicales, combinado con el aprendizaje de la teoría musical y la terminología para proporcionar un contexto para lo que estás trabajando. Muchos músicos aprenden simultáneamente Solfege, que es un sistema de perforación de relaciones musicales de memoria, utilizando el sistema de sílabas «Do Re Mi Fa Sol La Ti Do», que es útil por su capacidad de ser aplicado a cualquier clave una vez que el proceso de memorización básica se ha completado.
¿Por dónde empezar? Empieza por «en tono» antes de pasar a «en clave».
OPCIONAL consigue que un amigo experto en piano te ponga a prueba en algunos sencillos «¿es esta nota más alta o más baja que la anterior?» «¿Esto son dos notas o una?» «¿Estas dos notas están cerca o lejos?» para que tus oídos trabajen.
1. Siéntate ante un piano. GUARDA LA APLICACIÓN DE AFINACIÓN. La aplicación sólo puede decirte a qué tono estás más cerca, pero no puede adivinar tu TONO INTENCIONADO. La app no puede adivinar el contexto musical en el que estás cantando. La aplicación te mostrará con exagerado detalle cada pequeña fluctuación y deslizamiento de tu voz. APAGUE LA APLICACIÓN, y encienda sus oídos 🙂
a) Toca una nota, digamos, Do Medio, o cualquier nota que sea cómoda para tararear o cantar en «Daah». Tócala y escúchala. Escucha la nota en tu mente. Visualiza. Imagina que cantas esa nota con tu propia voz (lo que se llama «audiación»). Cuando inhale para cantar, inhale como si estuviera inhalando para cantar esa nota en particular. Luego cante. Y cuando cantes, ¡mantén la nota! Presta atención a dónde está tu nota en comparación con la nota que has tocado. ¿Son muy diferentes, o sólo están ligeramente desviadas?
Si es muy diferente, escucha atentamente para determinar si estás cantando más alto o más bajo que la nota objetivo. Entonces deslízate LENTAMENTE/intenta algunas notas diferentes, pero mientras estás «buscando», presta atención a si te estás acercando o alejando, no des vueltas al azar y esperes lo mejor. Si eres capaz de corregir para que coincida con la nota que estás tocando, presta atención a cómo suena esta nueva nota correcta frente a la que estás tocando, y cómo se siente en tu cuerpo al cantar. Deja de tocar/cantar y vuelve a intentarlo, esta vez, tratando de recrear esa sensación en tu cuerpo en el primer intento para una mayor precisión.
Si sólo suena un poco raro, es posible que esté un poco agudo o plano con respecto a la nota a la que apunta. Dos tonos que están muy cerca en frecuencia crearán vibraciones que compiten en el aire, resultando en una serie perceptible de pulsos en el aire. Dos tonos cercanos que están alejados en un porcentaje mayor crearán pulsos rápidos. Cuanto más se acerquen los dos tonos a coincidir, más lentos serán los impulsos. Al final, los dos tonos coincidirán de tal manera que será difícil separar las dos voces (tú y el piano, o la flauta y la trompeta) la una de la otra y sonarán como una sola voz. Sólo este paso, el de probarte a ti mismo el emparejamiento de tonos utilizando diferentes tonos en el piano, puede llevarte semanas o meses. Tenga paciencia. Presta atención a lo que ocurre y concéntrate en esas sensaciones en tu cuerpo. Haz un seguimiento de tus progresos. Observa si tiendes a apuntar siempre demasiado bajo o demasiado alto. No te preocupes demasiado por el tono de tu voz, simplemente intenta cantar a un volumen y registro razonables para no cansarte. Empieza en tu rango natural de habla.
Este es el final de la adecuación del tono básico y único, pero hay MUCHO más para mejorar el oído y la musicalidad en general. Si estás interesado en descubrir más formas en que los músicos practican y agudizan sus habilidades auditivas, sigue leyendo…
2. Una vez que puedas emparejar con éxito cualquier tono dentro de tu rango cómodo sin deslizarte hacia arriba o hacia abajo, necesitarás aprender un poco sobre la notación y los intervalos para que puedas seguir tocando cosas progresivamente más difíciles en el piano con el fin de guiar tu práctica. NO LLEGARÁS MUY LEJOS EN EL CANTO O EN EL ENTRENAMIENTO AUDITIVO SIN ALGUNOS CONOCIMIENTOS FUNCIONALES DE PIANO. Tienes que ser capaz de tocar y escuchar EJEMPLOS MUSICALES CONCRETOS. Lee sobre notación, alteraciones, estructura de la escala mayor, jerarquía de grados de la escala mayor, semitonos e intervalos. Practicar el manejo de los mismos en el piano.
a) Progresar a tocar intervalos: dos notas seguidas en el piano, tanto ascendentes como descendentes, y luego cantar de vuelta ambos tonos (más tarde, pasar a tocar ambas notas simultáneamente y tratar de cantar de vuelta las notas individualmente). Pon el mismo cuidado que en el primer ejemplo de emparejamiento de tonos. Al principio, puedes elegir las notas de forma arbitraria, siempre que estén dentro de tu rango, pero pronto deberás ir aprendiendo el nombre de cada intervalo musical. Si puedes contar cuántos semitonos separan dos notas y comprobarlo con una referencia escrita en algún lugar, puedes perforar tus intervalos. Aquí tienes un artículo: https://en.wikipedia.org/wiki/Interval_(music) . Así que si puedes cantar dos notas, «Daaa daaa», comprueba cuál es el intervalo y vuelve a cantarlo utilizando el nombre del intervalo como sílabas. «Daaa daaa, 3ª mayor».
b) Una vez que pueda cantar dos notas seguidas, incluyendo dos notas que se tocaron simultáneamente en el piano, comience a perforar el reconocimiento de diferentes intervalos. En esta etapa, un amigo experto en piano es útil porque puede tocar ejemplos para que los identifiques, pero tú también deberías ser capaz de encontrar y tocar todos los intervalos que comienzan en cualquier nota en el piano. Los músicos utilizan todo tipo de trucos para identificar los intervalos: una 4ª perfecta les recuerda la apertura de una canción concreta, o una 3ª mayor es la primera y la tercera nota de una escala mayor, o una 3ª menor descendente es el timbre de su infancia, o lo que sea. En esta etapa, debería empezar contrastando sólo 2 intervalos, tocados por todo el piano, para que su oído no se abrume. Empieza identificando entre una 3ª mayor y una 4ª perfecta solamente, por ejemplo. Luego añade una 3ª menor, etc. etc. Construye sobre lo que sabes y sólo progresa una vez que el primer pequeño paso esté completamente a tu alcance.
c) Una vez que pueda IDENTIFICAR, VOLVER A CANTAR y RECORDAR intervalos en su memoria musical, progrese hasta volver a cantar intervalos específicos por encima y por debajo, usando sólo una nota como referencia, utilizando los trucos y ejercicios que memorizó antes. De nuevo, empieza con sólo dos para contrastar, y construye a partir de ahí. Por ejemplo, toca una nota en el piano y decide cantar «5ª perfecta arriba», «3ª menor abajo», etc. Contrástese con el piano cada vez, o pida a un compañero que le examine.
¿POR QUÉ SON TAN IMPORTANTES LOS INTERVALOS? Porque son uno de los pilares de la melodía. Y de la música en general. Si eres capaz de lograr estos pequeños conceptos musicales con éxito, entonces serás capaz de cantar en el contexto de una canción con más precisión y comprensión, porque estarás «atado a algo», no cantando/flotando sin rumbo «sobre la música». Otros bloques de construcción incluyen las escalas o porciones de escalas, de las cuales hay muchas variedades y alteraciones, así como los acordes, que pueden ser cantados de abajo hacia arriba una nota a la vez, que también tienen muchos tipos y cualidades. Lo que me lleva a…
3. Repetir todo lo anterior, pero con tipos de escalas y acordes. Como mínimo, escalas menores/mayores y tríadas menores/mayores. Aprende qué notas pertenecen a qué tríadas mayores/mayores. Estos son más bloques de construcción de la música 🙂
4. Si quieres, lee sobre el Solfeo, que es un método de aprendizaje de la afinación y el canto a primera vista, mediante sílabas que se asignan a una escala, se aprenden de memoria y se pueden aplicar a cualquier tonalidad. Es un tema demasiado profundo para entrar aquí, y hay cierto debate sobre qué método de Solfege es más efectivo, así que puedes entrar en él aquí: https://en.wikipedia.org/wiki/Solf%C3%A8ge Yo lo aprendí en la escuela, pero prefería usar la teoría y mi oído para aprender música, así que pensé que la clase era un poco una pérdida de tiempo. Sin embargo, a muchos de mis compañeros les resultó realmente útil y lo siguen utilizando hasta el día de hoy.
¿Qué significa realmente «en clave» y qué implica
El TL;DR de «en clave» significa esencialmente que te mantienes dentro de los tonos predeterminados de una pieza musical, según lo decidido por las construcciones de la teoría musical & estilo. Ok, genial. Entonces, ¿cómo sabes cuál es la clave que se supone que es?
Haga un rápido análisis teórico de la melodía y la armonía de la canción.
En una melodía (que es esencialmente notas derivadas de una escala dada), sus pistas serán dónde están los pasos enteros y los medios pasos. Vuelve a consultar el artículo sobre las escalas mayores: https://en.wikipedia.org/wiki/Major_scale y escribe todas las notas de tu melodía, y ponlas en orden de escala. Recuerda que una escala mayor tiene dos medios pasos: entre el tercer y el cuarto grado de la escala, y entre el séptimo y el octavo grado de la escala. Si su melodía hace un uso completo de la escala mayor, debería poder sumar dos y dos para determinar una clave probable. Esto es más complicado con mucha música pop, ya que las voces suelen ser melodías pentatónicas muy sencillas (la pentatónica es una escala simplificada que salta algunas notas y no incluye semitonos https://en.wikipedia.org/wiki/Pentatonic_scale ), por lo que esas notas podrían pertenecer a muchas tonalidades. En este caso, tenemos que buscar la armonía subyacente de la canción.
Para ello, o bien necesitas que alguien te diga los acordes, o bien los encuentras escritos en algún sitio, o los transcribes tú mismo. También necesitas entender el concepto de tríadas construidas sobre escalas, y cómo funcionan dentro de la teoría musical. También puede necesitar conocimientos teóricos suficientes para poder rellenar los espacios en blanco en algunos casos.
Utilicemos un ejemplo de progresión de acordes de Every Little Thing She Does is Magic – The Police. Aquí está la primera letra:
«Aunque he intentado antes hablarle de los sentimientos que tengo por ella en mi corazón».
Las notas para esto van:
C – D – Mib – D – Mib – D – Mib – G / C – D – Mib – D – Mib – G / C – Mib – D – Bb
Podrías pensar que esto es Do menor ya que esboza los grados de escala 1, 2, 3 y 5 de una escala de Do menor.
Aquí están los acordes bajo esa melodía:
Abmaj – Bbmaj – Cmin – Bbmaj/D / Abmaj – Bbmaj – Cmin – Bbmaj/D / Ebmaj – Ebmaj – Ebmaj – Ebmaj
A primera vista, puedes pensar que está en Ab mayor porque empieza en Ab, pero rápidamente te darías cuenta de que si fuera Ab mayor el acorde Bb debería ser menor, no mayor, según las construcciones de los acordes diatónicos mayores.
Una vez que llega el estribillo, no hay que equivocarse – Bbmaj – Ebmaj – Bbmaj – Eb maj etc.
Indudablemente la tonalidad de Eb mayor. ¿Por qué? La teoría y la historia de la música nos dicen que cuando una progresión se mueve en una cadencia como esta, un acorde mayor que lleva a otro acorde mayor una 5ª por debajo, y suena como un punto de llegada, debe ser una cadencia 5-1, donde Sib es el 5º acorde de Mib mayor, y Mib es el 1º acorde de Mib mayor.
¿Por qué te digo esto? Es mucho que entender si estás en una etapa en la que te cuesta mantener la tonalidad en una canción. Pero lo incluyo para ser riguroso y para ilustrar los métodos que utilizan los músicos para «hablar de música» con fluidez.
Si no hay nadie a tu alrededor que te diga los acordes o la tonalidad, no puedes averiguarlo tú mismo porque no sabes tanta teoría, y tu oído no está tan desarrollado todavía, pues… no tienes suerte, por ahora 🙂 pero todavía puedes trabajar en el desarrollo de tu musicalidad y habilidades de alfabetización musical, así como la práctica de los fundamentos de las habilidades auditivas.
Cuando no estás en un piano, puedes seguir ampliando tu comprensión auditiva y vocabulario. Empieza a escuchar música de forma crítica. Esto también requiere práctica para conseguirlo: intenta escuchar sólo la guitarra de tu canción favorita, luego sólo los coros, luego sólo la batería. Intenta separar las partes/instrumentos musicales. Vuelve a escuchar, pero presta atención a cómo está estructurada la melodía: contrasta la estrofa y el estribillo. ¿Qué hace el cantante para que esas dos secciones sean melódicamente diferentes? Intenta escuchar la forma de la canción: ¿cuántas estrofas, estribillos, dónde está el puente, hay un preestribillo, una intro/outro/interludio? Escoge un artista o un grupo con una textura sonora densa e intenta identificar todos los instrumentos o sonidos utilizados o, al menos, distinguirlos (Steely Dan es bueno para esto). Intenta cantar todos los instrumentos del estribillo: todas las guitarras, pianos, bajos, el patrón del bombo, todos los coros. Este tipo de escucha te ayudará a «afinar» tu oído para escuchar música de forma más crítica y analizarla con el tiempo. Incluso si no eres capaz de acertar con el tono de cada instrumento o sección, incluso cantar la «forma general» de una frase es útil. Cada vez que intente elegir una melodía instrumental de su canción pop favorita en el piano, por ejemplo, estará consolidando más y más conocimientos musicales.
Dedique tiempo a aprender la teoría musical, en particular las claves, las signaturas de las claves, las relaciones de las escalas de claves, los acordes, la jerarquía de los grados de las escalas, los intervalos, el tiempo, el ritmo, la terminología de la estructura de las canciones, para que tenga una base de contexto musical en la que pueda colocar todo su aprendizaje posterior. Los buenos músicos entienden cómo lo que tocan ENTRA en el contexto musical más amplio de la canción, teórica, auditiva y estilísticamente.
Ejemplo de usuario
He visto a varios Redditors publicar que intentaron grabar algunas voces sobre un «beat» (jerga contemporánea para la música instrumental, generalmente compuesta en un ordenador o con la ayuda de la tecnología) y les dijeron que estaban cantando en el tono equivocado, o que escribieron una canción pero la melodía vocal no parecía coincidir con la música instrumental, o que entraron en el estudio de grabación y siguieron desviándose de la melodía. Hay algunos enfoques diferentes para lo que hay que hacer en un escenario como este, que voy a tratar de explicar a usted aquí.
Ejemplo 1 – entras en el estudio de grabación pero sigues desviándote del tono. Antes de entrar en el estudio en cualquier capacidad profesional/preprofesional, tienes que construir tu conjunto de habilidades para incluir el conocimiento teórico, un fuerte oído, habilidades de aprendizaje y retención de la música, y una comprensión profunda y verdadera y el conocimiento de LO QUE ESTÁS CANTANDO. Si no estás seguro de saberlo, probablemente no lo sepas. Tienes que SABER QUE LO SABES 😉 Por ejemplo, puedes escuchar, entender, interpretar y poner en vocabulario musical los conceptos melódicos y rítmicos de lo que se supone que estás cantando, y ejecutarlos con precisión cada vez sin adivinar, buscar o improvisar. Permíteme que te aclare: no dudes en experimentar con la grabación a lo largo de tu crecimiento como músico. Las habilidades en el estudio son importantes. Pero si existe la posibilidad de que te salgas de tono sin darte cuenta, no estás preparado para entrar en el estudio como profesional o incluso preprofesional.
Ejemplo 2 – alguien te dice que estás cantando en el tono equivocado para un instrumental. Tienes que desarrollar tus conocimientos teóricos y tus habilidades auditivas para ser capaz de escuchar e interpretar las pistas en la música que te dirán qué tono/tonalidad/escala deberías cantar, especialmente si el productor no te lo puede decir (lo que, por desgracia, es bastante común en esta época & de la producción musical/los fabricantes de ritmos/los productores de sala).
Ejemplo 3 – has escrito unos acordes en tu guitarra, y la melodía que le has puesto a tu letra no parece coincidir. De nuevo, esto se debe en gran medida a la mejora de tu oído y de tus conocimientos teóricos. Empieza por aprender cuáles son los acordes que estás tocando Y qué notas componen todos los acordes. A continuación, escriba todas esas notas de varios acordes en orden de escala y vea si puede discernir un patrón de escala mayor. A continuación, escribe las notas que intentas cantar y comprueba si hay alguna nota extraña que choque con la colección de notas que has sacado de los acordes. Por ejemplo, tu melodía incluye un si natural, pero algunos de tus acordes tienen si bemoles. SIEMPRE HAY QUE REMITIRSE A LOS ACORDES. Puede que tengas que cambiar tu melodía vocal.
Y por último, un poco sobre quién soy y cómo aplico estas habilidades:
Tengo un máster en interpretación de saxofón (jazz), y antes de eso, estudié piano clásico en el instituto. De niño tenía buen oído, pero tenía que aprender el vocabulario y la aplicación de todas estas cosas a pesar de todo. Así que aprendí estas cosas primero bajo la tutela de mi profesor particular de piano, y más tarde en mis cursos básicos de música en la universidad, como Teoría de la Música, Solfeo y Habilidades Auditivas (sí, tenía una clase entera sólo para Solfeo). Me mudé a una gran ciudad hace tres años y ahora me gano la vida actuando como vocalista, saxofonista y teclista en mi propia música neo-soul original (en solitario & con una banda), en bandas de versiones de motown/R&B, bandas de swing, otros proyectos originales, actuaciones en solitario en bares, bodas, etc. www.shannonchapman.ca si estás interesado 🙂
Tengo que aprender mucha música rápidamente, y tengo que ser capaz de abordar la música desde muchos ángulos.Cuando estoy aprendiendo, cantando o escribiendo una canción, estoy utilizando simultáneamente tantos conocimientos – forjo conexiones como «Oh, esta armonía de fondo empieza una tercera menor más arriba de donde la voz principal la dejó al final de la sección anterior» o «esta melodía empieza en la 5ª del acorde» o «esta melodía es complicada porque son tres terceras menores diferentes seguidas» o «la melodía sube una 6ª para el puente» «en la estrofa soy la armonía superior que es un A, así que puedo oírlo en mi parte de piano, pero en el estribillo soy la armonía inferior» etc. etc. etc. Se trata de un montón de conocimientos que trabajan juntos de una manera que ya no tengo que trabajar, se ha convertido en parte de mi vocabulario. Y como en el aprendizaje de cualquier idioma, hay que empezar por lo básico.
Así es como se puede empezar!