Alai

Den italienske kunst, der består af nogle af verdens mest berømte kunst- og arkitekturværker, har længe været et centralt omdrejningspunkt i verdenshistorien. Den kulturelle fremgang og udveksling af den populære “støvle” har været konstant gennem århundreder, hvilket har resulteret i en kontinuerlig produktion af monumentale og spektakulære værker inden for alle kultur- og kunstområder. Fra de klassiske tider og de gamle mennesker, der havde dannet den første civilisation på Apenninhalvøen, det store romerske imperium som det førende kulturelle, politiske og religiøse centrum i den vestlige verden, til de glorværdige perioder med renæssancen og barokken, som vi simpelthen ikke kan forestille os kunsten uden, og de afgørende italienske avantgardebevægelser i det forgangne århundrede, repræsenterer italiensk kunst en af menneskehedens største skatte. Dens kunstnere, museer, gallerier og tendenser har altid været tæt forbundet med de intellektuelle og religiøse strømninger og har afspejlet tidens forestillinger og skabt en enestående og uudtømmelig arv. Italien er et land, hvor selve livet betragtes som en kunstform, og Italien fortsætter med at bidrage til mangfoldigheden og berigelsen af sin egen og verdens kultur og fejrer traditionens rigdom og betydning.

Den allerførste begyndelse – romersk og etruskisk kunst

Den centrale rolle i den italienske kunsthistorie har altid været spillet af Rom, begyndende med det 9. århundrede f.Kr. og den etruskiske kunst. Da hovedstaden begyndte at opbygge imperiet på den apenninske halvø, var deres bronzefigurer, terrakottarelieffer, malerier og fresker stærkt til stede og satte en streng standard for stil og teknik, som skulle følges i århundreder fremover. De etruskiske fresker, der findes på gravvægge, anses stadig for at være de vigtigste eksempler på førromerske figurative malerier, som forskere kender. De var lavet af frisk gips og naturlige farver, som for det meste kom fra sten og mineraler, og blev påført med pensler af dyrehår. Disse værker forestillede for det meste hverdagslandskaber og traditionelle mytologiske scener. I midten af det 4. århundrede begyndte man at anvende den berømte chiaroscuro-teknik til at skildre volumen og dybde.

Etruskerne havde også stor indflydelse på den senere romerske arkitektur, som var en af rygraden i det store imperium, der opstod i det 1. århundrede e.Kr. Med civilisationen fulgte kultur og kunst, og Rom blev den mest avancerede by i verden. Kunstværker blev symbolet på rigdom og overskud, med vægmalerier, der prydede husene, og skulpturer, der blev opstillet i alle hjørner af hjemmet og haven. Romerne udsmykkede også gulvene med mosaikker, som normalt viste begivenheder fra den græske og romerske mytologi og historiske hverdagsscener. Under indflydelse af østens kunst og religion, især det byzantinske imperium og hovedstaden Konstantinopel, begyndte den romerske kunst at indarbejde kristne motiver og forbedrede produktionen af vægmalerier, mosaikloft- og gulvarbejder samt gravskulpturer.

Tendensen fortsatte ind i middelalderen, hvor den byzantinske kunst i Italien udviklede sig til en meget formel og raffineret udsmykning med standardiseret kalligrafi og en beundringsværdig brug af guld og farver. Kunsten i Italien var på dette tidspunkt ganske regional, med påvirkninger fra eksterne europæiske og østlige strømninger. En anden vigtig stilart var den gotiske stil, som markerede overgangen fra middelalderen til renæssancen. Under de religiøse stridigheder inden for kirken ønskede franciskanerordenerne af munke at bringe den katolske kirke tilbage til det grundlæggende og indførte den gotiske arkitektur først i Nordeuropa og derefter sydpå, mod Italien.

Renaissancekunst i Italien

Renaissance er uden tvivl den mest berømte periode i den italienske kunsthistorie og markerer perioden mellem slutningen af det 13. og slutningen af det 16. århundrede. Den begyndte med malere og billedhuggere, der ønskede at give deres værker en åndelig kvalitet og fremkalde en dyb religiøs betydning. Samtidig ønskede de at skildre mennesker og natur realistisk. Dette afspejlede sig også i renæssancens arkitektur, hvor arkitekter designede enorme katedraler for at fremhæve Guds storhed og ydmyge den menneskelige ånd. Kunstnerne i renæssancens Italien var ofte knyttet til bestemte hoffer og var kun loyale over for bestemte byer, men deres kunstværker viste hele Italien og udbredte kunstneriske og filosofiske idéer. Renæssancens fødested er helt sikkert byen Firenze i Toscana, som selv i dag rummer nogle af de vigtigste værker fra de fire perioder og er hjemsted for de mest berømte museer og gallerier i verden.

I virkeligheden blev protorenaissancen (1300-1400), den tidlige renæssance (1400-1475), højrenæssancen (1475-1525) og manierismen (1525-1600) delt mellem de kunstnere, der fremhævede hver af disse perioder. Begyndelsen markeret af den berømte maler Giotto, som var den første kunstner til at skildre naturen realistisk siden Romerrigets fald. Hans storslåede freskomalerier, fyldt med følelser som glæde, vrede, fortvivlelse, skam, trods og kærlighed, kan stadig findes i kirker i Assisi, Firenze, Padova og Rom. Mellem Giotto og de tre mestre, der kom til at dominere kunsten i slutningen af det 15. og begyndelsen af det 16. århundrede, har vi Taddeo Gaddi, Orcagna, Altichiero, Masaccio, Donatello, Paolo Uccello, Andrea Mantegna og mange flere.

Værker af italiensk renæssancekunst – Kunsthistorie i Italien

Højrenæssancens værker af Michelangelo, Raphael og da Vinci

Højrenæssanceperioden, fra slutningen af det 15. og begyndelsen af det 16. århundrede, var en af de vigtigste perioder i hele kunsthistorien og det lyseste øjeblik i den italienske kunsthistorie, helt sikkert på grund af tre mænds genialitet, nemlig Michelangelo, Raphael og Leonardo da Vinci. Michelangelo, der blev udråbt til historiens største billedhugger, var en mester i at skildre den menneskelige figur og give et overvældende indtryk af fysisk og åndelig kraft. Hans bemærkelsesværdige fresko på loftet i Vatikanets Sixtinske Kapel, der blev malet fra 1508 til 1512, regnes for et af de største kunstværker fra renæssancen. På den anden side var Rafaels kunst mere poetisk, da han var dygtig til at skabe perspektiv og bruge sarte farver. Han er kendt for de mange malerier af Jomfru Maria, og mange af hans værker var påvirket af klassiske græske og romerske forbilleder.

Sammen med freskerne fra Det Sixtinske Kapel på listen over de mest berømte værker i italiensk renæssancekunst er Leonardo da Vincis Den sidste nadver og portrættet Mona Lisa, hvilket placerer ham som ubestridt den største hjerne i sin tid og fremefter. Da Vinci var et symbol på renæssancens ånd af læring og intellektuel nysgerrighed, og han var et stort talent på så mange forskellige områder, som lærte ved at se på tingene. Hans studier af lys, anatomi, landskab og menneskelige udtryk er fortsat uopnåede af nogen anden kunstner i verden.

Introduktion til italiensk moderne og samtidskunst

Mellem renæssancen og den moderne tid udviklede den italienske kunst sig stilmæssigt gennem elegancen i manierismen, den stormfulde chiaroscuro-barok hos Caravaggio og Bernini, rokokotendenserne hos Tiepolo, Canaletto og Bellotto samt Canovas og Hayez’ neoklassiske værker mellem det 17. og 19. århundrede. Med indgangen til det 20. århundrede sluttede Italien og dets kunstnere sig også til avantgardebevægelserne, idet de byggede på den rige arv fra deres forgængere. Med en stor udvikling inden for maleri og skulptur blev Italien også et hotspot for design, især mod slutningen af årtusindskiftet, som producerede indflydelsesrige designere med deres fantasifulde og geniale funktionelle værker.

Futurisme – Futurismo

Mellem 1909 og 1916 sluttede Italien sig til de europæiske bevægelser, der havde til formål at bryde båndene med fortiden på alle livets områder. Det begyndte med det futuristiske manifest, der blev udformet af den italienske forfatter Filippo Tommaso Marinetti, og som udtrykte den futuristiske forherligelse af magt, hastighed og spænding og misbilligelsen af alt gammelt, især den politiske og kunstneriske tradition. Deres kunstværker fejrede den teknologiske triumf og maskinalderen over naturen og viste ofte bilen, flyet og den industrielle by. Futurismens kunstneres stil var kendetegnet ved overlappende farvefragmenter og mangfoldige billeder, der oser af energi og fremkalder den frenetiske atmosfære i den moderne tid. Værkerne omfattede en række forskellige medier, herunder maleri, skulptur, grafisk og industrielt design, keramik, film og teater, mode og tekstiler, litteratur, musik, arkitektur og endda gastronomi, og de hentede inspiration fra divisionismen og kubismen. Futuristernes idéer blev anvendt i billedkunsten af en gruppe unge malere med base i Milano, der omfattede Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla og Gino Severini. Boccioni arbejdede også med skulpturer og skabte som bekendt i 1913 Unique Forms of Continuity in Space, der stod som symbol på figurer, der bevægede sig gennem rummet med stor hastighed.

Metafysisk kunst – Pittura Metafisica

Med Carlo Carràs og Giorgio de Chiricos arbejde i Ferrara kom den metafysiske kunst, på italiensk pittura metafisica, til at definere et drømmende malerier af pladser, der var typiske for idealiserede italienske byer. I disse værker synes figurer og genstande at være frosset i tiden, befinder sig i mærkelige, ulogiske sammenhænge, det uvirkelige lys og de uvirkelige farver, det unaturlige perspektiv. Disse værker, der beskrives som “malerier, der ikke kan ses”, skal anerkendes som produkter af det ubevidste sind, hinsides logik eller fysisk virkelighed – deraf navnet “metafysisk”. Den skole, som de Chirico og Carrà etablerede, gav, selv om den var kortvarig, vigtige impulser til udviklingen af bevægelser som Dada og Surrealismen også.

Novecento Italiano

Novecento Italiano blev grundlagt i Milano i 1922 og var en bevægelse, der blev skabt for at forny den italienske kunst ved at forkaste de europæiske avantgardebevægelser og var baseret på Mussolinis fascismes retorik. Initiativet, der blev grundlagt af kritikeren Margherita Sarfatti og udøvet af syv kunstnere, herunder Anselmo Bucci, Leonardo Dudreville, Achille Funi, Gian Emilio Malerba, Piero Marussig, Ubaldo Oppi og Mario Sironi, vendte tilbage til fortidens store italienske repræsentative kunst, især Quattrocento (1400-tallet) og Cinquecento (1500-tallet). Novecento-kunstnerne (dvs. 1900-tallet) støttede det fascistiske regime, og deres værker blev forbundet med den statslige propagandaafdeling, der havde til formål at genoplive traditionen med historiemaleri i stort format på klassisk vis. Bevægelsen blev officielt lanceret i 1923 på en udstilling i Milano, med Mussolini som en af talerne, og varede helt frem til 1943.

Spatialisme – Spazialismo

Spatialismen, eller movimento spaziale på italiensk, var den mest fremtrædende bevægelse i efterkrigstiden mellem 1947 og 1954 og blev kendetegnet af Lucio Fontanas skårne og gennemborede malerier. Den blev opfattet som en ny type kunst og havde til hensigt at syntetisere farve, lyd, rum, bevægelse og tid i kunstværker og kombinerede elementer fra den konkrete kunst, Dada og Tachisme. Bevægelsen, der blev foregrebet af Fontanas Manifesto Bianco (Det hvide manifest), der blev offentliggjort i Buenos Aires i 1946 og fulgt af yderligere fem manifester, søgte at forene kunst og videnskab for at projicere farver og former i det virkelige rum ved hjælp af moderne teknikker som neonlys og tv. Fontanas værker, såsom Black Spatial Environment fra 1947 og de lærreder skåret med barberblad, der blev skabt i løbet af 1950’erne og 60’erne, kom til at påvirke miljøkunst og var de første til at fremme idéen om gestikulerende kunst og performance som afgørende dele af skabelsen.

Arte Povera

Den ansete italienske kunstkritiker Germano Celant opfandt begrebet Arte Povera i løbet af 1960’erne og beskrev kunstværker, der kombinerede aspekter af konceptuel, minimalistisk og performancekunst for at indtage en radikal holdning. Kunstnerne begyndte at sætte spørgsmålstegn ved og til sidst angribe de etablerede institutioners værdier og spurgte, om kunst som et privat udtryk for et individ stadig havde en etisk grund til at eksistere. Celant, sammen med nøglepersoner, der var med til at forme bevægelsen, såsom Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Jannis Kounellis, Mario Merz og Marisa Merz, Pino Pascali, Giuseppe Penone og Michelangelo Pistoletto, fremmede forestillingen om en revolutionær kunst, der var fri af konventioner, strukturens magt og markedet. Navnet “arte povera”, der betyder “forarmet kunst”, stammer fra brugen af værdiløse eller almindelige materialer som f.eks. jord eller avispapir i håb om at undergrave kommercialiseringen af kunsten.

Anti Design

Selvom de vigtigste strømninger i den italienske kunst, der prægede landets kultur i det 20. århundrede, spillede også design en stor rolle, som blev kendt og voksede til højder af raffinement og klasse. Mens designerne i begyndelsen af århundredet kæmpede for at finde en balance mellem klassisk elegance og moderne kreativitet og gav liv til værker, der lignede den franske art deco-stil, udviklede området sig til den vigtigste aktør på den internationale scene i løbet af 1960’erne og 70’erne, mest inden for møbler og interiørdesign. Mellem 1966 og 1980 var der imidlertid Anti-Design, som lagde vægt på markante farver, skalaforvrængning, ironi og kitsch. Bevægelsen var en reaktion mod modernismens perfektionistiske æstetik, som begyndte med Ettore Sottsass Jr. Sammen med Radical Design-grupper som Archigram og Superstudio gav de udtryk for idéer ved at fremstille møbelprototyper, udstillingsstykker og offentliggøre manifester, som selv i dag betragtes som revolutionerende. De omfavnede det unikke frem for masseproduktion, og deres design skulle være funktionelt snarere end smukt.

Transavangarde – Transavanguardia

Den italienske version af neo-ekspressionismen, Transavangarde, også kendt som Transavanguardia, er en bevægelse, der fejede gennem Italien, og resten af Vesteuropa, i slutningen af 1970’erne og 1980’erne. Udtrykket, der bogstaveligt talt betyder “hinsides avantgarden”, blev opfundet af en anden berømt italiensk kritiker, Achille Bonito Oliva, og det symboliserede afvisningen af det konceptuelle og en tilbagevenden til følelserne, især inden for maleri og skulptur. Kunstnere som Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Sandro Chia og Mimmo Paladino genoplivede symbolismen og det figurative maleri samt det mytiske billedsprog, der blev genopdaget under bevægelsens storhedstid.

Til det nye årtusinde – Arte Italiana Today

Selv fem hundrede år efter renæssanceperioden, der stadig betragtes som højdepunktet i den italienske kunsthistorie, har landet også i dag en meget betydningsfuld plads på den internationale scene. Dets kunstnere, kritikere, kuratorer og indflydelsesrige personer er altid til stede, hvilket viser Italiens vilje til at bevare sin arv uden at miste fokus på nutiden og fremtiden. Lad os ikke glemme, at Venedig Biennalen var den første kunstudstilling, der var fortaler for samtidskunst i verden, og at den i 2015 markerede sin 56. udgave. Ud over de historiske museer og gallerier, der er spredt ud over hele landet, såsom Uffizierne og Pinacoteca di Brera, er byer som Firenze, Milano, Rom, Venedig og Torino hjemsted for adskillige institutioner og begivenheder, der er centrale for støtte og fremme af samtidskunsten i Italien og andre steder: Palazzo Reale og Museo del Novecento i Milano, MACRO og MAXXI i Rom, Museo di Villa Croce i Genova, Punta della Dogana i Venedig, Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina i Napoli, Castello di Rivoli i Torino … I det seneste årti har Italien også oplevet en fremgang for sine kunstnere og kunstværker på det internationale kunstmarked, fordelt mellem de vigtige figurer fra det 20. århundrede og en gruppe af nye talenter, der kommer til at definere årtusindets tendenser. En stor bidragyder og ophavsmand til disse personer er helt sikkert kunstmessen Artissima, Italiens største kunstmesse, som nu er på sit 23. år, samt de mange private og offentlige kunstsamlinger. Med en stærk inspiration fra fortiden synes den italienske kunst ustoppelig og giver os ingen grund til at tvivle på, at dens ekstraordinære arv ikke vil blive videreført langt ind i fremtiden.

Redaktørens tip: Kvinder i italiensk renæssancekunst: I perioden fra ca. 1350 til ca. 1650 var der i de italienske bysamfund mange diskussioner om kvinders natur, roller, uddannelse og adfærd. Denne bog udfylder et hul i den stadig voksende litteratur om alle aspekter af kvinders liv i denne periode. Ved hjælp af en bred vifte af materiale, hvoraf de fleste aldrig tidligere er blevet oversat, belyser bogen de idealer og realiteter, der lå til grund for kvinders liv inden for rammerne af den borgerlige og høviske kultur i renæssancens Italien. Teksten er opdelt i tre afsnit: samtidens syn på kvinders natur og de etiske og æstetiske idealer, der anses for at være passende for dem; livscyklusser fra fødsel til død, afbrudt af overgangsritualer som forlovelse, ægteskab og enkestand; kvinders roller i klostret, ved hoffet, på arbejdspladsen og i det kulturelle liv.Gennem deres udforskning af disse temaer viser Mary Rogers og Paola Tinagli, at der ikke fandtes en enkelt “renæssancekvinde”. Virkelighederne i kvindernes erfaringer var rige og forskellige, og deres stemmer taler om forskellige muligheder for et følelsesmæssigt rigt og socialt nyttigt liv.

1. Nice, A. T., Rome, Ancient, World Book, 2011
2. Kitzinger, E., Byzantine art in the making: main lines of stylistic development in Mediterranean art, 3rd-7th century, Faber & Faber, 1977
3. Hartt, F., A History of Italian Renaissance Art, Thames and Hudson, 1970
4. Pope-Hennessy, J. W., Italian High Renaissance and Baroque sculpture, Phaidon Press, 1996
5. Hyland, D. K. S. Futurism, World Book, 2011
7. Formaggio D. et al, Il Novecento Italiano, 1923 – 1933 Gabriele Mazzotta, 1983
8. Parmesani, L., L’Arte del Secolo, Skira, 2003
9. Celant, G., Arte Povera: Histories and Protagonists, Electa, 1985

Featured images in slider: Michelangelo Pistoletto – Venus of the Rags 1967, 1974. Billede via Tate. Med tilladelse fra Castello di Rivoli; Francesco Clemente – Il cerchio di Milarepa (Milarepa’s Circle), 1982; Lucio Fontana – L’attesa. Den ødelagte telefon, 1959-66. Billede via Wikipedia; Mario Merz – Do houses revolve around us or do we revolve around houses?, Arte Povera 2011, Triennale, Milano; Carlo Carrà – The Red Knight (1913), via pinterest com; Giorgio de Chirico – Melancholia, 1916, Billede via Wikipedia; Maurizio Cattelan – The Ninth Hour, 1999, Billede via Wikipedia. Alle billeder anvendes udelukkende til illustrative formål.

.