ÆNDRINGER KAN OPSTÅ, dumme numre og formatering på Reddit samt mere info og detaljer
Jeg har set og svaret på så mange indlæg på denne sub for nylig, der spørger om “synge på tonehøjde”, at jeg tænkte, at jeg ville bryde ned, hvad det betyder, og hvordan man forbedrer det sammen med andre “hjælpemusikfærdigheder”. Jeg nærmer mig denne artikel fra et teoretisk, akademisk perspektiv, men din teknik kan også påvirke din tonehøjde, så sørg for at parre disse råd med et solidt fundament af vokalteknik for at give dig selv den bedste chance for succes.
Først af alt, hvad betyder “on/off pitch” og “in/out of/off key” overhovedet?
I forbindelse med sang er en tone/tonhøjde en given tone (dybest set en vibrationsfrekvens), som en sanger forsøger at opnå. Et instrument med en knap, tangent eller bånd kan fingre den tone og opnå netop den tonehøjde, fordi det er sådan, instrumentet er konstrueret. Den menneskelige stemme er imidlertid fleksibel som et elastikbånd og er i stand til at synge tonehøjder eller frekvenser, der glider mellem den standardiserede samling af toner/toner, der udgør den vestlige musiks tonalitet. Andre instrumenter, der kan glide mellem tonehøjder, er bl.a. trombone og violin. Det betyder, at en menneskelig stemme er i stand til at synge næsten en tone, enten lidt under en given tonehøjde (vi kalder det “synge flad”) eller lidt over en given tonehøjde (vi kalder det “synge skarp”), men IKKE nok til at være den næste tone, der er til rådighed i vores tonalitetssystem. Resultatet af at synge en tonehøjde lidt over eller under er, at den lyder slap, doven, dissonant (et musikalsk udtryk for en slibende eller uinteressant musikalsk lyd) eller bare “forkert”. Sangere lærer efterhånden, hvordan hver enkelt tonehøjde føles at skabe i deres krop, hvilket gør det muligt for dem at synge med samme præcision som en trompet eller andet.
Med hensyn til vores notations- og teorisystem kan noder på et instrument eller en side også kaldes “skarp” eller “flad”, men det henviser til disse symboler ♯ og ♭, som henviser til at sænke en skrevet tonehøjde med en halv tone.
In/out of/off key er lidt mere kompliceret. I vestlig tonalitet har vi 12 forskellige tonehøjder, som hver især er adskilt fra den næste med en musikalsk afstand, der kaldes en “halv tone”. Her er en artikel om disse 12 tonehøjder, arrangeret på en opstigende måde i en “kromatisk skala”. Du behøver ikke at vide meget om en kromatisk skala, men artiklens overskrift illustrerer fint disse 12 tonehøjder, der er forbundet med halvtoner: https://en.wikipedia.org/wiki/Chromatic_scale Disse 12 tonehøjder gentages igen og igen, men med højere frekvenser. Ligesom hvis du spiller hver hvid og sort tone i rækkefølge på et klaver og starter på C, vil du efter 12 toner komme tilbage til endnu et C, men højere. Vi kunne kalde dette et “højere register” på klaveret.
En toneart er dybest set en samling af 7 af disse tonehøjder, der er relateret til hinanden på en meget specifik måde, og som hver især udfører en funktion i tonen, der, når den bruges i et musikstykke, resulterer i en følelse af “hjem” i tonen. Noder uden for tangenten lyder “forkerte”, som om de ikke hører til, fordi de ikke udfører en funktion i det overordnede billede af tangenten. Hver toneart i musikken har en tilsvarende durskala, som består af 7 toner, der stiger opad i en bestemt rækkefølge. Hvis du starter en durskala på C, vil du bruge en anden samling af toner, end hvis du starter en durskala på Bb, men de vil dog være struktureret på samme måde. Her er en artikel om, hvordan durskalaer er opbygget, og hvordan de hænger sammen med tonearter: https://en.wikipedia.org/wiki/Major_scale Bemærk, at disse 7 tonehøjder også gentager deres mønster igen og igen, men i højere eller lavere registre. Hvis det er de samme toner, bare højere på et klaver, er det stadig de samme toner fra en toneart.
Så en melodi til en sang er altså skrevet ved hjælp af en bestemt samling af tonehøjder, der har en bestemt rolle og funktion inden for det tonale centrum i den toneart, som sangen er skrevet i. En melodi, lad os sige “Twinkle Twinkle”, er lavet af meget specifikke tonehøjder i en given toneart. Tonerne er relateret til hinanden på en matematisk og musikalsk måde, og uanset hvilken tone man starter på, skal man opretholde disse musikalske/matematiske relationer. Du kan synge “Twinkle Twinkle” i en hvilken som helst toneart (eller starte på en hvilken som helst tonehøjde), men du skal sørge for, at de musikalske relationer er konsekvente for hver toneart, og du kan ikke være sikker på, at bare fordi du går opad, når melodien går opad, at du går op til den rigtige tone. Lad mig visualisere et eksempel for dig ved hjælp af tal:
Vi ved, at melodien til Twinkle Twinkle går SAME, SAME, SAME, UP, SAME, UP, SAME, DOWN. Vi bruger disse tal (som faktisk betyder noget i musik), og du vil se, at der er “musikalsk rum” mellem måltonerne (i dette tilfælde de mellemliggende tal).
1 – 1 – 1 – 5 – 5 – 5 – 6 – 6 – 5
Nu, hvis du ender med at synge noget som 1 – 1 – 1 – 5 – 5 – 5 – 7 – 7 – 7 – 4, er det ikke længere Twinkle Twinkle, og du er nået frem til de forkerte meloditoner, selv om du gik opad, da meloditonerne skulle gå opad… du gik ikke op til de rigtige toner. Du er gået for højt op. Så nu synger du forkerte toner – toner, der måske stadig hører til tonearten, men som ikke er de rigtige meloditoner, eller du synger måske en af de mange toner, der ligger uden for tonearten (husk, at tonearter består af 7 toner ud af 12 mulige) eller endda uden for den vestlige tonalitet.
Hvis nogen siger, at du synger uden for toneart, mener de grundlæggende, at du enten synger hver tone en lille smule skarp eller flad (ofte en kombination af begge), så du er “næsten rigtig”, men forkert nok til, at der er musikalsk dissonans, eller du synger bare direkte forkerte toner (hvilket kan være toner inden for tonearten, men forkerte til det pågældende øjeblik i melodien, toner uden for tonearten eller en af de “mellemtoner”, som jeg nævnte i begyndelsen).
Dette sker ofte, når sangerens musikalske øre ikke er udviklet nok til at have optaget nogle af de mønstre og konventioner, der udgør den meste musik, og deres musikalske hukommelse er ikke god nok til, at de kan høre en melodi og derefter huske alle disse måltoner, præcis som de blev spillet eller sunget, de husker måske bare, at melodien går op her og ned der. Denne afvigelse fra de foreskrevne tonehøjder kombineret med en ny sangeres manglende evne til teknisk at kontrollere sin stemme så meget, at de ender med at synge den tonehøjde, de har til hensigt at synge, uden at glide op til den, svinge eller afvige, resulterer i, at de synger uden for tonehøjde. Det er usandsynligt, at en sanger kun er skarp eller flad – det er mere sandsynligt, at det er en kombination af skarp, flad og oftest bare FORKERT.
Så hvordan holder man sig “på tonehøjde”/”i toneart”?
Ved at udvikle en kombination af praktiske færdigheder og teoretisk viden, herunder grundlæggende tonehøjdematching, kritisk lytteevne, musikalsk hukommelse, sang af musikalske mønstre, kombineret med at lære musikteori og terminologi for at skabe en sammenhæng for det, du arbejder med. Mange musikere lærer samtidig Solfege, som er et system til at bore musikalske relationer udenad ved hjælp af stavelsessystemet “Do Re Mi Fa Fa Sol La Ti Do”, som er nyttigt, fordi det kan anvendes på alle tonearter, når først den grundlæggende memoriseringsproces er afsluttet.
Hvor begynder man? Start med “on pitch”, før du går videre til “in key”.
OPTIONAL få en klaver-kyndig ven til at teste dig på nogle enkle “er denne tone højere eller lavere end den sidste?” “Er dette to toner eller én?” “Er disse to toner tæt på hinanden eller langt fra hinanden?” for at få dine ører i gang.
1. Sæt dig ved et klaver. LÆG PITCH-APP’EN VÆK. App’en kan kun fortælle dig, hvilken tonehøjde du er tættest på, men den kan ikke gætte din HENSIGTTE tonehøjde. App’en kan ikke gætte den musikalske kontekst, som du synger i. App’en viser dig i overdrevne detaljer hver eneste lille udsving og slip i din stemme. Sluk for APP’en, og tænd dine ører 🙂
a) Spil en tone, f.eks. mellem C, eller en hvilken som helst tone, der er behagelig at nynne eller synge på “Daah”. Spil den, og lyt til den. Hør tonen i dit sind. Visualiser. Forestil dig, at du synger den tone med din egen stemme (kaldet “audiation”). Når du indånder for at synge, så indånder du som om du indånder for at synge netop den tone. Syng derefter. Og når du synger, så HOLD NOTEN! Vær opmærksom på, hvor din tone sidder i forhold til den tone, du spillede. Er de vildt forskellige, eller er de bare lidt forskelligt?
Hvis den er vildt forskellig, så lyt nøje efter for at finde ud af, om du synger højere eller lavere end målnoten. Så glid langsomt rundt/prøv nogle forskellige toner, men mens du “søger”, skal du være opmærksom på, om du kommer tættere eller længere væk, lad være med bare at gå tilfældigt rundt og håbe på det bedste. Hvis du er i stand til at korrigere til at matche den tone, du spiller, så vær opmærksom på, hvordan denne nye, korrekte tone lyder i forhold til den tone, du spiller, og hvordan det føles i din krop at synge. Stop med at spille/sange, og prøv igen, denne gang ved at forsøge at genskabe denne følelse i din krop i første forsøg for at opnå en bedre nøjagtighed.
Hvis det bare lyder lidt skævt, er du måske bare en smule skarp eller flad i forhold til den tone, du sigter efter. To tonehøjder, der ligger meget tæt på hinanden i frekvens, vil skabe konkurrerende vibrationer i luften, hvilket resulterer i en mærkbar serie af pulser i luften. To tætte tonehøjder, der er afvigende med en større procentdel, vil skabe hurtige pulser. Jo tættere de to tonehøjder kommer på hinanden, jo langsommere bliver pulserne. Til sidst vil de to tonehøjder være matchet på en sådan måde, at det er svært at adskille de to stemmer (du og klaver eller fløjte og trompet) fra hinanden, og de vil lyde som én stemme. Bare dette trin, hvor du spørger dig selv om pitch-matching ved hjælp af forskellige tonehøjder på klaveret, kan tage dig uger eller måneder. Vær tålmodig! Vær opmærksom på, hvad der foregår, og fokuser på disse følelser i din krop. Hold styr på dine fremskridt. Læg mærke til, om du har tendens til altid at sigte for lavt eller for højt. Bekymr dig ikke for meget om tonen i din stemme, men prøv blot at synge med en rimelig lydstyrke og et rimeligt register, så du ikke trætter dig selv. Begynd i dit naturlige taleområde.
Dette er slutningen på grundlæggende, enkeltstående pitch-matching, men der er MEGET mere at gøre for at forbedre dit øre og dit generelle musikalske talent. Hvis du er interesseret i at finde ud af mere om, hvordan musikere øver sig og skærper deres hørelsevner, så læs videre…
2. Når du med succes kan matche en hvilken som helst tonehøjde inden for dit behagelige område uden at glide op eller ned til den, skal du lære lidt om notation og intervaller, så du kan fortsætte med at spille gradvist sværere ting på klaveret for at styre din øvelse. DU VIL IKKE KOMME LANGT MED SANG ELLER HØRELÆRE UDEN EN VIS FUNKTIONEL KLAVERVIDEN. Du skal være i stand til at spille og høre KONKRETE MUSIKALE EKSEMPLER. Læs op på notation, tilfældigheder, strukturen i durskalaen, hierarkiet i durskalaens grader, halvtoner og intervaller. Øv dig i at komme rundt om dem på klaveret.
a) Gå videre til at spille intervaller: to toner efter hinanden på klaveret, både opadgående og nedadgående, og syng derefter begge tonehøjder tilbage (senere kan du gå videre til at spille begge toner samtidig og forsøge at synge tonerne tilbage hver for sig). Brug den samme omhu, som du brugte i det første eksempel på pitch-matching. I begyndelsen kan du vælge dine toner vilkårligt, så længe de ligger inden for dit toneleje, men snart bør du også øve dig i at lære navnet på hvert musikalsk interval. Hvis du kan tælle, hvor mange halvtoner to toner er adskilt fra hinanden og tjekke det med en skriftlig reference et sted, kan du øve dine intervaller. Her er en artikel: https://en.wikipedia.org/wiki/Interval_(music) . Så hvis du kan synge to toner “Daaa daaa daaa”, skal du tjekke, hvad intervallet er, og synge det igen ved at bruge navnet på intervallet som stavelser. “Daaa daaa daaa, Major 3rd”.
b) Når du kan synge to toner efter hinanden igen, herunder to toner, der blev spillet samtidig på klaveret, kan du begynde at øve genkendelse af forskellige intervaller. På dette stadium er det nyttigt med en klaverkyndig ven, fordi han/hun kan spille eksempler, som du kan identificere, men du bør også selv kunne finde og spille alle intervaller, der starter på en vilkårlig tone på klaveret. Musikere bruger alle mulige tricks til at identificere intervaller – en perfekt 4’er minder dem om indledningen til en bestemt sang, eller en dur 3’er er den første og tredje tone i en durskala, eller en mindre 3’er, der går nedad, er deres barndoms dørklokke, eller hvad ved jeg. På dette stadium bør du starte med at kontrastere blot 2 intervaller, der spilles over hele klaveret, så dit øre ikke bliver overvældet. Start f.eks. med kun at identificere mellem en dur 3. og en perfekt 4. Tilføj derefter en Mindre 3. osv. osv. osv. osv. Byg på det, du kender, og gå kun videre, når det første lille skridt er helt inden for din rækkevidde.
c) Når du kan identificere, synge tilbage og genkalde intervaller i din musikalske hukommelse, skal du gå videre til at synge specifikke intervaller over og under med kun én tone som reference ved hjælp af de tricks og øvelser, du lærte udenad før. Igen skal du starte med kun to til kontrast, og bygge videre derfra. Du spiller f.eks. en tone på klaver og beslutter dig for at synge “Perfect 5th up”, “Minor 3rd down” osv. Tjek dig selv i forhold til klaveret hver gang, eller få en kammerat til at quizze dig.
Hvorfor er mellemrummene så vigtige? Fordi de er en af melodiens byggesten! Og bare musik i det hele taget. Hvis du er i stand til at opnå disse små musikalske begreber med succes, så vil du være i stand til at synge i forbindelse med en sang med større nøjagtighed og forståelse, fordi du vil være “bundet til noget”, og ikke formålsløst synge/svæve “over musikken”. Andre byggesten er skalaer eller dele af skalaer, som der findes mange varianter og alterationer af, samt akkorder, som kan synges fra bund til top en tone ad gangen, og som også har mange typer og kvaliteter. Hvilket bringer mig til…
3. GENTAG ALT OVENAN, MEN MED SKALETYPER OG ACKORDER. I det mindste mol/major skalaer og mol/major treklange. Lær, hvilke toner der hører til i hvilke dur/moll-triader. Disse er yderligere byggesten i musikken 🙂
4. Hvis du har lyst, kan du læse om Solfege, som er en metode til at lære tonehøjde og synge på synet ved hjælp af stavelser, der tilknyttes en skala, som læres udenad og kan anvendes i alle tonearter. Det er et alt for dybt emne til at komme ind på det her, og der er en del debat om, hvilken Solfege-metode der er mest effektiv, så du kan komme ind på det her: https://en.wikipedia.org/wiki/Solf%C3%A8ge Jeg lærte det i skolen, men foretrak at bruge teori og mit øre til at lære musik, så jeg syntes, at undervisningen var lidt spild af tid. Men mange af mine kammerater fandt det virkelig nyttigt og bruger det stadig den dag i dag.
Hvad “IN KEY” VIRKELIG BETYDER OG IMPLICERERER
The TL;DR af “in key” betyder i bund og grund, at du holder dig inden for de forudbestemte tonehøjder i et stykke musik, som det er besluttet af de musikteoretiske konstruktioner & stil. Ok, godt. Hvordan ved du så, hvilken toneart det er meningen, at tonen skal være?
Før en hurtig teoretisk analyse af melodien og harmonien i sangen.
I en melodi (som i det væsentlige er noter afledt af en given skala) vil dine spor være, hvor de hele og halve trin ligger. Se tilbage til artiklen om durskalaer: https://en.wikipedia.org/wiki/Major_scale og skriv alle tonerne i din melodi ud, og sæt dem i skalaorden. Husk, at en durskala har to halve trin – mellem den 3. og 4. skala grad og mellem den 7. og oktav skala grad. Hvis din melodi gør fuldstændig brug af hele durskalaen, bør du være i stand til at lægge to og to sammen for at bestemme en sandsynlig toneart. Dette er vanskeligere med meget popmusik, da vokalerne ofte er meget enkle pentatoniske melodier (pentatonisk er en forenklet skala, som hopper nogle toner og ikke indeholder nogen halvtoner https://en.wikipedia.org/wiki/Pentatonic_scale ), og derfor kan disse toner høre til mange tonearter. I dette tilfælde er vi nødt til at se på sangens underliggende harmoni.
For at gøre dette skal du enten have nogen til at fortælle dig akkorderne, finde dem skrevet et sted eller transskribere dem selv. Du skal også forstå begrebet treklange, der er bygget på skalaer, og hvordan de fungerer inden for musikteorien. Du skal måske også have tilstrækkelig teoretisk viden til at kunne udfylde hullerne i nogle tilfælde.
Lad os bruge et eksempel på en akkordprogression til Every Little Thing She Does is Magic – The Police. Her er den første sangtekst:
“Though I’ve tried before to tell her of the feelings I have for her in my heart”.
Noterne til dette går:
C – D – Eb – D – Eb – D – Eb – D – Eb – G / C – D – D – Eb – D – Eb – D – Eb – D – Eb – G / C – Eb – D – Bb
Du tror måske, at det er c-mol, da det skitserer skala grad 1, 2, 3 og 5 i en c-mol skala.
Her er akkorderne under denne melodi:
Abmaj – Bbmaj – Cmin – Bbmaj/D / Abmaj – Bbmaj – Cmin – Bbmaj/D / Ebmaj – Ebmaj – Ebmaj – Ebmaj – Ebmaj – Ebmaj
Om første øjekast tror man måske, at det er Ab-dur, fordi det starter på Ab, men man ville hurtigt indse, at hvis det var Ab-dur, skulle Bb-akkorden være mol, ikke dur, i henhold til opbygningen af diatoniske dur-akkorder.
Når omkvædet kommer, kan man ikke tage fejl – Bbmaj – Ebmaj – Bbmaj – Bbmaj – Eb maj osv.
Uomiskendeligt Eb dur-tonart. Hvorfor? Musikteori og musikhistorie fortæller os, at når en progression bevæger sig i en kadence som denne, en dur-akkord, der fører til en anden dur-akkord en femtedel under, og det lyder som et ankomstpunkt, må det være en 5-1 kadence, hvor Bb er den 5. akkord i Eb-dur, og Eb er den 1. akkord i Eb-dur.
Hvorfor fortæller jeg dig dette? Det er meget at forstå, hvis du er på et stadie, hvor du har problemer med at holde dig på toneart i en sang. Men jeg medtager det for at være grundig og for at illustrere de metoder, som musikere bruger for at “tale musik” flydende.
Hvis der ikke er nogen omkring dig, der kan fortælle dig akkorderne eller tonearten, du kan ikke selv finde ud af det, fordi du ikke kender så meget teori, og dit øre ikke er så udviklet endnu, ja… så er du lidt uheldig, for nu 🙂 men du kan stadig arbejde på at udvikle dit musikalske talent og dine musikalske færdigheder samt øve dig på de grundlæggende lydmæssige færdigheder.
Når du ikke sidder ved et klaver, kan du fortsætte med at udvide din lydforståelse og dit ordforråd. Begynd at lytte kritisk til musik. Det kræver også øvelse at få styr på det – prøv at lytte kun til guitaren i din yndlingssang, derefter kun til backingvokalen og derefter kun til trommerne. Prøv at adskille de musikalske dele/instrumenter. Lyt igen, men vær opmærksom på, hvordan melodien er opbygget – sæt verset og omkvædet i kontrast. Hvad gør sangeren for at gøre disse to afsnit melodisk forskellige? Prøv at lytte efter sangformen – hvor mange vers, omkvæd, hvor er broen, er der et før-kor, en intro/outro/interlude? Vælg en kunstner eller et band med en tæt lydstruktur, og prøv at identificere alle de forskellige instrumenter eller lyde, der anvendes, eller i det mindste at udpege dem (Steely Dan er god til dette). Prøv at synge alle instrumenterne i omkvædet – alle guitarer, klaverer, basser, trommemønstret og alle backing vocals. Denne form for lytning vil være med til at “indstille” dit øre til mere kritisk musiklytning og musikanalyse over tid. Selv hvis du ikke er i stand til at matche tonehøjden for hvert enkelt instrument eller afsnit, er det nyttigt at synge den “generelle form” af en frase. Hver gang du f.eks. forsøger at udpege en instrumental melodi fra din yndlings popsang på klaver, cementerer du mere og mere musikalsk viden.
Brug tid på at lære om musikteori, især tonearter, toneartssignaturer, tangentskalaforhold, akkorder, skalaens gradhierarki, intervaller, tid, rytme, sangstrukturterminologi, så du har et fundament af musikalsk kontekst, som du kan placere al din videre læring i. Gode musikere forstår, hvordan det, de spiller, passer ind i sangens bredere musikalske sammenhæng, både teoretisk, auditivt og stilistisk.
Brugereksempel
Jeg har set flere Redditors skrive, at de forsøgte at indspille noget vokal over et “beat” (moderne slang for instrumentalmusik, som regel komponeret på en computer eller ved hjælp af teknologi) og fik at vide, at de sang i den forkerte toneart, eller at de skrev en sang, men at vokalmelodien ikke syntes at passe til instrumentalmusikken, eller at de gik ind i optagestudiet og blev ved med at afvige fra melodien. Der er et par forskellige tilgange til, hvad man skal gøre i et scenario som dette, som jeg vil forsøge at forklare dig her.
Eksempel 1 – du går ind i optagelsesstudiet, men bliver ved med at afvige fra toneart/toneleje. Før du går ind i studiet i en professionel/præprofessionel kapacitet, skal du opbygge dit færdighedssæt til at omfatte teoretisk viden, et stærkt øre, evnen til at lære og fastholde musik og en grundig, ægte forståelse og viden om, HVAD DU synger. Hvis du ikke er sikker på, om du ved det, så ved du det sandsynligvis ikke. Du skal vide, at du ved, at du ved det 😉 Du kan f.eks. høre, forstå, fortolke og omsætte de melodiske og rytmiske koncepter for det, du skal synge, til musikalsk ordforråd, og udføre dem præcist hver gang uden at gætte, søge eller improvisere. Lad mig præcisere – du må endelig eksperimentere med indspilning i løbet af din udvikling som musiker. Studiofærdigheder er vigtige. Men hvis der er en chance for, at du kommer til at glide ud af tonen uden at opdage det, er du ikke klar til at gå ind i studiet som professionel eller endog præ-professionel.
Eksempel 2 – nogen fortæller dig, at du synger i den forkerte toneart til et instrumentalnummer. Du skal udvikle din teoretiske viden og dine auditive færdigheder for at kunne lytte efter og fortolke de ledetråde i musikken, der fortæller dig, hvilken toneart/tonalitet/skala du skal synge, især hvis produceren ikke kan fortælle dig det (hvilket desværre er ret almindeligt i denne & tidsalder med musikproduktion/beatmakers/bedroom producers).
Eksempel 3 – du har skrevet nogle akkorder på din guitar, og den melodi, du har sat til din tekst, synes ikke at passe sammen. Igen er dette i høj grad et spørgsmål om at forbedre dit øre og din teoretiske viden. Start med at lære, hvad det er for nogle akkorder, du spiller, OG hvilke toner, der indgår i alle akkorderne. Skriv derefter alle disse toner fra flere akkorder ned i skalaorden og se, om du kan skelne et durskala-mønster. Skriv derefter de toner ned, som du forsøger at synge, og se, om der er nogen mærkelige toner, der kolliderer med din samling af toner, som du har hentet fra dine akkorder. For eksempel – din melodi indeholder et B natural, men et par af dine akkorder havde B flats i dem. OVERLAD DIG ALTID TIL AKKORDERNE. Du bliver måske nødt til at ændre din vokalmelodi.
Og til sidst lidt om, hvem jeg er, og hvordan jeg anvender disse færdigheder:
Jeg har en kandidatgrad i saxofonspilning (jazz), og før det studerede jeg klassisk klaver i gymnasiet. Som barn havde jeg et godt øre, men jeg var nødt til at lære ordforrådet og anvendelsen af alle disse ting uanset hvad. Så jeg lærte disse ting først under vejledning af min private klaverlærer og senere i mine centrale musikfag på universitetet som f.eks. musikteori, solfege og lydfærdigheder (ja, jeg havde et helt fag kun for solfege). Jeg flyttede til en storby for tre år siden og lever nu af at optræde som vokalist, saxofonist og keyboardspiller på min egen originale neo-soul musik (solo & med band), i motown/R&B coverbands, swingbands, andre originale projekter, solooptrædener på barer, bryllupper osv. www.shannonchapman.ca hvis du er interesseret 🙂
Jeg skal lære en masse musik hurtigt, og skal kunne nærme mig musikken fra så mange vinkler.Når jeg lærer, synger eller skriver en sang, bruger jeg samtidig så meget viden – jeg skaber forbindelser som “Åh, denne baggrundsharmoni starter en lille terts op fra det sted, hvor leadvokalen slap i slutningen af den foregående sektion” eller “denne melodi starter på 5’eren i akkorden” eller “denne melodi er vanskelig, fordi den er tre forskellige små 3’er i træk” eller “melodien går en 6’er op i broen” “i verset er jeg den øverste harmoni, som er et A, så det kan jeg høre i min klaverdel, men i omkvædet er jeg den nederste harmoni” osv. osv. osv. osv. Det er en masse viden, der arbejder sammen på en måde, som jeg ikke længere behøver at arbejde på – det er blevet en del af mit ordforråd. Og ligesom når man lærer et hvilket som helst sprog, skal man starte i begyndelsen med det grundlæggende.
Sådan kan du starte!