Es ist für jeden Musiker eine Herausforderung, die Frage zu beantworten: „Wie ist Ihre Musik?“
Damit die Leser so neugierig auf Ihre Musik werden, dass sie aufhören zu surfen, auf „Play“ klicken und sie sich tatsächlich anhören, brauchen sie einen Anreiz. Hier kommt deine Biografie ins Spiel und das entscheidende Element, das sie enthalten muss, ist eine Beschreibung deiner Musik. Ihre Leser wollen – und verdienen – eine verständliche, überzeugende Skizze dessen, wie Ihre Musik tatsächlich klingt, und nicht eine Aneinanderreihung von Adjektiven und Klischees.
Es ist leicht, so zu tun, als würden wir unsere Musik beschreiben, wenn wir uns in Wirklichkeit nur auf allgemeine Bezeichnungen wie postmodern, avantgardistisch, neoromantisch oder atonal verlassen. Diese Begriffe dienen nur dazu, Sie und Ihre Musik allgemein und institutionell klingen zu lassen – und Leser, die mit dem Fachjargon nicht vertraut sind, zu entfremden.
Es ist auch leicht, in analytische Begriffe zu verfallen und uns zu sagen, dass Sie eine erweiterte harmonische Sprache und Polyrhythmen verwenden. Aber auch das wird den Bürgern nicht helfen, sich auf einer menschlichen Ebene zu verbinden, und es wird uns nicht helfen, uns vorzustellen, wie es ist, Ihre Musik zu hören.
Und wenn Sie einfach schreiben: „X ist ein Komponist, der für Solostimme, Streichquartett und Bläserkammermusik geschrieben hat“, hat Ihr Leser immer noch keine Ahnung, wie Ihre Musik klingt.
Die gute Nachricht ist, dass es mehrere Möglichkeiten gibt, Ihre Musik zu beschreiben, und dass es Werkzeuge gibt, die das Schreiben erleichtern. Hier sind drei Beispielbeschreibungen. Ich finde sie unverwechselbar und fesselnd: Sie machen Lust, auf „Play“ zu klicken und zuzuhören. Was mir außerdem gefällt, ist, dass jede dieser Beschreibungen etwas Überraschendes enthält, das mich aufhorchen ließ und mich aufhorchen ließ. Mal sehen, was Sie davon halten:
Annie Gosfield, die von der BBC als „A one woman Hadron collider“ bezeichnet wurde, lebt in New York City und arbeitet an den Grenzen zwischen notierter und improvisierter Musik, elektronischen und akustischen Klängen, raffinierten Klangfarben und Lärm. Sie komponiert für andere und tritt mit ihrer eigenen Gruppe auf, wobei sie ihre Musik durch Festivals, Fabriken, Clubs, Kunsträume und Konzertsäle führt. Ihre Musik, die von der Zeitschrift The New Yorker als „Star der Downtown-Szene“ bezeichnet wurde, ist oft von der Schönheit vorgefundener Klänge wie Maschinen, zerstörten Klavieren, verbogenen 78er-Schallplatten und verstimmten Radios inspiriert.
Das brachte mich dazu, Hadron Collider nachzuschlagen: Das ist ein Teilchenbeschleuniger. Ich dachte, wow! Die anderen Bilder und Sätze, die mich neugierig gemacht haben, auf „Play“ zu klicken, waren die Grenzen zwischen „raffiniertem Klang und Lärm“ und das Auftreten auf „Festivals, in Fabriken, Clubs, Kunsträumen und Konzertsälen“. Ich fand es toll, dass die Konzertsäle zuletzt genannt wurden. Aber das Ende hat mich besonders neugierig gemacht – dass zu ihren Einflüssen „die inhärente Schönheit gefundener Klänge gehört, wie Maschinen, zerstörte Klaviere, verzogene 78er-Schallplatten und verstimmte Radios.“
Meredith Monk ist Komponistin, Sängerin, Regisseurin/Choreografin und Schöpferin neuer Opern, Musiktheaterwerke, Filme und Installationen. Sie gilt als eine der einzigartigsten und einflussreichsten Künstlerinnen unserer Zeit und ist eine Pionierin dessen, was man heute „erweiterte Vokaltechnik“ und „interdisziplinäre Performance“ nennt. Monk schafft Werke, die an der Schnittstelle von Musik und Bewegung, Bild und Objekt, Licht und Klang gedeihen und neue Wahrnehmungsweisen entdecken und miteinander verweben. Ihre bahnbrechende Erforschung der Stimme als Instrument, als eine eloquente Sprache an und für sich, erweitert die Grenzen der musikalischen Komposition und erschafft Klanglandschaften, die Gefühle, Energien und Erinnerungen ausgraben, für die es keine Worte gibt.
Hier bekommen wir die Bandbreite von Merediths Arbeit, ein Gefühl für ihre Position auf dem Gebiet und dann eine echte Beschreibung dessen, was ihre Musik beinhaltet und wie die Erfahrung ist – beschrieben in einer Art und Weise, die sowohl Musiker als auch Nicht-Musiker genau und überzeugend finden sollten. Anmerkung: Sie verwendet das viel zu oft benutzte Wort „einzigartig“, aber in diesem Zusammenhang und bei Kenntnis ihrer Arbeit ist es in Ordnung.
Die Identität stand schon immer im Mittelpunkt von Gabriela Lena Franks Musik. Geboren in Berkeley, Kalifornien, als Tochter einer Mutter mit gemischter peruanisch-chinesischer Abstammung und eines Vaters mit litauisch-jüdischer Abstammung, erkundet Frank ihr multikulturelles Erbe am intensivsten in ihren Kompositionen. Inspiriert von den Werken von Bela Bartók und Alberto Ginastera, ist Frank so etwas wie eine musikalische Anthropologin. Sie hat Südamerika ausgiebig bereist, und ihre Stücke spiegeln ihre Studien der lateinamerikanischen Folklore wider, indem sie Poesie, Mythologie und einheimische Musikstile in ein westlich-klassisches Gerüst einbindet, das ihr ganz eigen ist. Sie schreibt anspruchsvolle idiomatische Stücke für Solo-Instrumentalisten, Vokalisten, Kammerensembles und Orchester.
Hier sind die Informationen über Gabrielas Eltern und Hintergrund absolut relevant, denn sie sagt uns sofort, was im Mittelpunkt ihrer Musik steht: Identität. Sie ist „so etwas wie eine musikalische Anthropologin“ und erklärt ihre wichtigsten Einflüsse und wie sich diese in ihrer Arbeit niedergeschlagen haben. Ich bekomme ein lebhaftes Gefühl für ihre Musik und bin wieder einmal gezwungen, ihr zuzuhören.
Fragen, die Ihnen helfen sollen, eine konkretere und anschaulichere Beschreibung Ihrer Musik zu erstellen. Probieren Sie eine oder mehrere davon aus und schauen Sie, was Ihre Antworten ergeben.
Wie haben Zuhörer Ihre Musik beschrieben? Was haben die Leute nach Ihren Auftritten oder über Ihre Aufnahmen gesagt? Nicht das allgemeine „Es war fantastisch“, sondern eher die neugierigen Kommentare darüber, was Ihre Musik bei ihnen zum Nachdenken oder Sehen anregte. Nicht, was andere Komponisten oder Lehrer gesagt haben, sondern Zuhörer und Interpreten. Diese geben Ihnen vielleicht direktere Hinweise darauf, wie Zivilisten Ihre Musik erleben.
Wovon sind Sie fasziniert oder besessen? Gibt es Themen, Ideen, Arten von Klanglandschaften oder Bereiche, die Sie in Ihrer Musik erforschen? Geben Sie den Lesern ein Gefühl für Ihren Fokus.
Was würden Sie sagen, war der Kern Ihrer Arbeit? Was wollt ihr erreichen? Haben Sie ein Gefühl für eine Mission?
Wie würden Sie Ihre Musik einer Lieblingstante, einem Nicht-Musiker, beschreiben? Tipp: Sie würden nicht von oben herab reden und keinen Fachjargon verwenden. Und natürlich würde sie es besonders schätzen, zu erfahren, was Sie an Ihrer Arbeit fasziniert.
Wenn die Beschreibung Ihrer Arbeit als Ganzes zu entmutigend ist, konzentrieren Sie sich stattdessen auf ein bestimmtes Projekt und beschreiben Sie seine besonderen Merkmale: die Instrumentierung, die Form oder den Anlass oder das Ensemble, für das es geschrieben wurde. Ein bestimmtes Projekt kann dem Leser als Einstieg dienen, um eine Verbindung zu Ihrer Musik herzustellen.
An welchen Projekten arbeiten Sie? Geben Sie uns einen Grund, sich für Ihren Newsletter anzumelden und sich auf Ihre nächsten Projekte zu freuen (und zu ihnen beizutragen).
Wenn Sie zusätzliche Hilfe benötigen, sollten Sie einen Coach, Mentor, Publizisten oder Journalisten hinzuziehen und mit ihm zusammenarbeiten. Sie können auch Fans und Freunde bitten, Ihnen eine Ein-Satz-Beschreibung der Werke zu schicken, die Sie online haben. Vielleicht erhalten Sie überraschend aussagekräftige und hilfreiche Ergebnisse.
Vermeiden Sie Klischees
Sie sind ein eigenständiges Individuum und Ihre Musik spiegelt Ihre einzigartige Perspektive wider. Deshalb sollte Ihre Biografie nicht die gleichen abgedroschenen Wörter und Phrasen enthalten, die man in den Biografien unzähliger anderer Musiker findet.
Die Verwendung von Klischees beginnt mit dem unschuldigen Wunsch, etwas Authentisches zu vermitteln. Aber auf der Suche nach den passenden Worten greifen wir zum ersten und einfachsten, was uns in den Sinn kommt. Du kannst es besser. Graben Sie tiefer.
Zu vermeiden
(fügen Sie der Liste nach Bedarf weitere Klischees hinzu #clichésRus)…
Leidenschaftlich / Passion
Grenzensprengend
Genre-defying
Eklektisch
Einzigartig (wer ist das nicht?)
Unverwechselbare Stimme
Ihrer/ihrer Generation
Aufstrebend
Aufstrebend
Interaktion
Nebeneinander
Visuell
Strebt danach
Renommiert
Hoch angesehen
Hoch (irgendetwas)
Schnell etabliert sie/er sich als eine gefragte . …
Glücklicherweise
Kritisch anerkannt
Hat studiert unter (klingt unterwürfig: benutze „mit“)
Unter der Obhut von (zu geheimnisvoll)
Engagiert oder gewidmet, oder Verfechter von … die Musik unserer Zeit
Einer der wichtigsten …
Der nächste …
Denken Sie daran, dass diese Wörter oder Sätze nicht veraltet und überstrapaziert waren – sie hatten eine Bedeutung und konnten effektiv verwendet werden. Aber als alle anderen anfingen, sie zu verwenden, wurden sie zu einer allgemeinen Floskel und klingen jetzt nur noch wie „Biosprache“.
Folgen Sie nicht der Herde: Die Sprache, die Sie verwenden, sollte frisch und einprägsam sein, um das widerzuspiegeln, was Sie ausmacht.
Effektive Bios, die Interesse wecken, Klischees vermeiden und Lust machen, auf „Play“ zu klicken, sind nicht leicht zu finden. Beim Schreiben dieser Artikelserie habe ich stundenlang nach guten Beispielen gesucht.
Anstatt entmutigt zu sein, hat mich das zum Nachdenken gebracht: Was wäre, wenn Musiker sich dieser Herausforderung stellen und ihre Biografien verbessern würden – man denke nur an all die neuen Zuhörer und Fans, die wir gewinnen könnten!
Wollen Sie den Rest? Bleiben Sie dran für die letzte Folge von „Schlüssel zum Schreiben einer besseren Biografie“
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