Alai

Italialainen taide koostuu maailman kuuluisimmista taideteoksista ja arkkitehtuurista, ja se on ollut pitkään maailmanhistorian keskipisteenä. Kansanomaisen ”saappaan” kulttuurinen kehitys ja vaihto on pysynyt johdonmukaisena läpi vuosisatojen, mikä on johtanut monumentaalisten ja näyttävien teosten jatkuvaan tuotantoon kaikilla kulttuurin ja taiteen aloilla. Klassisista ajoista ja muinaisista ihmisistä, jotka olivat muodostaneet ensimmäisen sivilisaation Apenniinien niemimaalla, suuresta Rooman valtakunnasta länsimaailman johtavana kulttuurisena, poliittisena ja uskonnollisena keskuksena, renessanssin ja barokin loistaviin kausiin, joita ilman emme yksinkertaisesti voi kuvitella taidetta, ja viime vuosisadan ratkaiseviin italialaisiin avantgardistisiin liikkeisiin, italialainen taide edustaa yhtä ihmiskunnan suurimmista aarteista. Sen taiteilijat, museot, galleriat ja suuntaukset ovat aina olleet läheisessä yhteydessä älyllisiin ja uskonnollisiin virtauksiin, heijastaneet aikansa käsityksiä ja muodostaneet poikkeuksellisen, ehtymättömän perinnön. Maa, jossa itse elämää pidetään taiteena, Italia osallistuu edelleen oman ja koko maailman kulttuurin moninaisuuteen ja rikastuttamiseen, juhlien perinteidensä runsautta ja merkitystä.

Alkujuuret – roomalainen ja etruskien taide

Italian taidehistoriassa keskeisessä asemassa on aina ollut Rooma, alkaen 900-luvulta eaa. ja etruskien taide. Kun pääkaupunki alkoi rakentaa imperiumia Apenniinien niemimaalle, niiden pronssiluvut, terrakottareliefit, maalaukset ja freskot olivat vahvasti esillä, ja ne asettivat tyylille ja tekniikalle tiukat standardit, joita seurattiin tulevina vuosisatoina. Etruskien freskoja, joita löydettiin hautojen seinistä, pidetään edelleen tärkeimpinä esimerkkeinä roomalaisuutta edeltävistä figuratiivisista maalauksista, jotka tutkijat tuntevat. Ne tehtiin tuoreesta kipsistä ja luonnonväreistä, jotka olivat peräisin useimmiten kivistä ja mineraaleista ja jotka levitettiin eläinkarvoista tehdyillä siveltimillä. Näissä teoksissa kuvattiin enimmäkseen arkielämän maisemia ja perinteisiä mytologisia kohtauksia. Neljännen vuosisadan puolivälissä alettiin käyttää kuuluisaa chiaroscuro-tekniikkaa, jolla kuvattiin tilavuutta ja syvyyttä.

Etruskit vaikuttivat myöhemmin suuresti myös roomalaiseen arkkitehtuuriin, joka oli yksi 1. vuosisadalla jKr. syntyneen suuren imperiumin selkärangoista. Sivilisaation myötä tulivat kulttuuri ja taide, ja Roomasta tuli maailman kehittynein kaupunki. Taideteoksista tuli rikkauden ja yltäkylläisyyden symboli, ja seinämaalaukset koristivat taloja ja veistoksia asennettiin kodin ja puutarhan joka nurkkaan. Roomalaiset koristivat lattiat myös mosaiikeilla, jotka yleensä esittivät tapahtumia kreikkalaisesta ja roomalaisesta mytologiasta sekä historiallisia arkikohtauksia. Itäisen taiteen ja uskonnon, erityisesti Bysantin valtakunnan ja sen pääkaupungin Konstantinopolin, vaikutuksesta roomalaiseen taiteeseen alettiin sisällyttää kristillisiä motiiveja, ja se tehosti seinämaalausten, mosaiikkikatto- ja lattiatöiden sekä hautaveistosten tuotantoa.

Suuntaus jatkui keskiajalla, ja Italiassa bysanttilainen taide kehittyi erittäin muodolliseksi ja hienostuneeksi sisustukseksi, johon kuului standardisoitua kalligrafiaa ja jossa kullan ja värien käyttö oli ihailtavaa. Taide Italiassa oli tuohon mennessä varsin alueellista, ja siihen vaikutti ulkoisia eurooppalaisia ja itäisiä virtauksia. Toinen tärkeä tyyli oli goottilainen tyyli, joka merkitsi siirtymistä keskiajalta renessanssiin. Kirkon sisäisten uskontokiistojen aikana fransiskaanimunkkien sääntökunnat halusivat palauttaa katolisen kirkon takaisin perusasioihin ja toivat goottilaista arkkitehtuuria ensin Pohjois-Eurooppaan ja sitten etelään, kohti Italiaa.

Renessanssitaide Italiassa

Italian taiteen historian varmasti tunnetuin ajanjakso, renessanssi merkitsi 1200-luvun lopun ja 1500-luvun lopun välistä ajanjaksoa. Se alkoi maalareista ja kuvanveistäjistä, jotka halusivat antaa teoksilleen hengellisen laadun ja herättää syviä uskonnollisia merkityksiä. Samalla he halusivat kuvata ihmisiä ja luontoa realistisesti. Tämä heijastui myös renessanssiarkkitehtuuriin, jossa arkkitehdit suunnittelivat valtavia katedraaleja korostaakseen Jumalan suuruutta ja nöyryyttääkseen ihmishenkeä. Renessanssin ajan Italian taiteilijat olivat usein sidoksissa tiettyihin hoveihin ja lojaaleja vain tietyille kaupungeille, mutta heidän taideteoksensa esittivät kuitenkin koko Italiaa ja levittivät taiteellisia ja filosofisia ajatuksia. Renessanssin synnyinkaupunki on varmasti Toscanassa sijaitseva Firenzen kaupunki, jossa vielä nykyäänkin säilytetään neljän kauden tärkeimpiä teoksia ja jossa sijaitsevat maailman tunnetuimmat museot ja galleriat.

Tosiasiassa protorenessanssi (1300-1400), varhaisrenessanssi (1400-1475), korkea renessanssi (1475-1525) ja maneerismin (1525-1600) jakaantuivat taiteilijoiden kesken, jotka korostivat kutakin niistä. Alkuja merkitsi kuuluisa taidemaalari Giotto, joka oli ensimmäinen taiteilija, joka kuvasi luontoa realistisesti Rooman valtakunnan kaatumisen jälkeen. Hänen upeita freskojaan, jotka ovat täynnä ilon, raivon, epätoivon, häpeän, pahansuopuuden ja rakkauden tunteita, voi yhä nähdä Assisin, Firenzen, Padovan ja Rooman kirkoissa. Giotton ja 1400-luvun lopun ja 1500-luvun alun taidetta hallitsevien kolmen mestarin välissä ovat Taddeo Gaddi, Orcagna, Altichiero, Masaccio, Donatello, Paolo Uccello, Andrea Mantegna ja monet muut.

Italian renessanssitaiteen teokset – Italian taidehistoria

Michelangelon, Rafaelin ja da Vincin korkean renessanssin teokset

Korkean renessanssin kausi 1400-luvun lopusta 1500-luvun alkupuolelle oli koko taidehistorian tärkeimpiä aikakausia ja italialaisen taiteen kirkkain hetki, mikä johtui varmasti kolmen miehen, Michelangelon, Rafaelin ja Leonardo da Vincin, loistavuudesta. Historian suurimmaksi kuvanveistäjäksi julistautunut Michelangelo oli mestari ihmishahmojen kuvaamisessa ja antoi fyysisen ja henkisen voiman ylivoimaisen vaikutelman. Hänen merkittävä freskonsa Vatikaanin Sikstuksen kappelin kattoon, joka maalattiin vuosina 1508-1512, on yksi renessanssin suurimmista taideteoksista. Toisaalta Rafaelin taide oli runollisempaa, sillä hän oli taitava luomaan perspektiiviä ja käyttämään herkkiä värejä. Hänet tunnetaan monista Neitsyt Mariaa esittävistä maalauksista, ja monet hänen teoksistaan ovat saaneet vaikutteita klassisista kreikkalaisista ja roomalaisista malleista.

Sikstuksen kappelin freskojen ohella Italian renessanssitaiteen tunnetuimpien teosten listalla ovat Leonardo da Vincin Viimeinen ehtoollinen ja Mona Lisan muotokuva, jotka nostavat hänet kiistatta aikansa ja sen jälkeenkin suurimmaksi mieleksi. Oppimisen ja älyllisen uteliaisuuden renessanssin hengen symboli, da Vinci oli suuri lahjakkuus monilla eri aloilla, ja hän oppi katselemalla asioita. Hänen tutkimuksiaan valosta, anatomiasta, maisemasta ja ihmisen ilmeistä ei edelleenkään tavoita kukaan muu taiteilija maailmassa.

Italialaisen modernin ja nykytaiteen esittely

Renessanssin ja modernin ajan välillä italialainen taide kehittyi tyylillisesti 1700-luvun ja 1800-luvun välisenä aikana maneerismin eleganssin, Caravaggion ja Berninin myrskyisän chiaroscuro-barokin, Tiepolon, Canaletton ja Bellotton rokokoo-suuntausten sekä Canovan ja Hayezin uusklassisten teosten kautta. 1900-luvulle tultaessa Italia ja sen taiteilijat liittyivät myös avantgardistisiin liikkeisiin tukeutuen edeltäjiensä rikkaaseen perintöön. Maalaustaiteen ja kuvanveiston merkittävän kehityksen myötä Italiasta tuli myös muotoilun keskus, erityisesti vuosituhannen loppupuolella, joka tuotti vaikutusvaltaisia muotoilijoita mielikuvituksellisine ja nerokkaine toiminnallisine teoksineen.

Futurismi – Futurismo

Vuosien 1909 ja 1916 välillä Italia liittyi eurooppalaisiin liikkeisiin, jotka pyrkivät katkaisemaan siteet menneisyyteen kaikilla elämänalueilla. Se alkoi italialaisen kirjailijan Filippo Tommaso Marinettin laatimasta futuristisesta manifestista, jossa ilmaistiin voiman, nopeuden ja jännityksen futuristinen ihannointi ja kaiken vanhan, erityisesti poliittisen ja taiteellisen perinteen, paheksuminen. Heidän taideteoksissaan juhlittiin teknologian voittokulkua ja koneiden aikakautta luonnon yli, ja niissä esiteltiin usein autoja, lentokoneita ja teollisuuskaupunkeja. Futurismin taiteilijoiden tyylille oli ominaista päällekkäiset värikatkelmat ja moninaiset kuvakokonaisuudet, jotka tihkuvat energiaa ja herättävät modernin ajan kiihkeän ilmapiirin. Teokset kattoivat erilaisia medioita, kuten maalausta, kuvanveistoa, graafista ja teollista muotoilua, keramiikkaa, elokuvaa ja teatteria, muotia ja tekstiilejä, kirjallisuutta, musiikkia, arkkitehtuuria ja jopa gastronomiaa, ja ne saivat vaikutteita divisioonalaisuudesta ja kubismista. Futuristien ajatuksia kuvataiteessa sovelsi Milanossa toimiva nuorten taidemaalareiden ryhmä, johon kuuluivat Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla ja Gino Severini. Boccioni työskenteli myös veistosten parissa ja loi tunnetusti vuonna 1913 Unique Forms of Continuity in Space -teoksen, joka oli symboli hahmoista, jotka liikkuvat avaruudessa suurella nopeudella.

Metafyysinen taide – Pittura Metafisica

Metafyysinen taide, italialaisittain pittura metafisica, määritteli Carlo Carràn ja Giorgio de Chiricon Ferrarassa tekemien töiden myötä italialaisille idealisoiduille italialaiskaupungeille tyypillisiä unenomaisia ruutumaalauksia. Näissä teoksissa luvut ja esineet näyttävät jähmettyneiltä ajassa, ne löytyvät oudoista, epäloogisista yhteyksistä, epätodellisista valoista ja väreistä, luonnottomasta perspektiivistä. Näitä teoksia kuvataan ”maalauksiksi, joita ei voi nähdä”, ja ne on tunnustettava tiedostamattoman mielen tuotteiksi, jotka ovat logiikan tai fyysisen todellisuuden ulkopuolella – tästä nimi ”metafyysinen”. De Chiricon ja Carràn perustama koulukunta, vaikka se olikin lyhytikäinen, antoi merkittävää pontta myös dadan ja surrealismin kaltaisten liikkeiden kehitykselle.

Novecento Italiano

Miljoonassa vuonna 1922 perustettu Novecento Italiano oli liike, joka luotiin uudistamaan italialaista taidetta hylkäämällä eurooppalaiset avantgardistiset liikkeet, ja se perustui Mussolinin fasismin retoriikkaan. Kriitikko Margherita Sarfatin perustama ja seitsemän taiteilijan, muun muassa Anselmo Buccin, Leonardo Dudrevillen, Achille Funin, Gian Emilio Malerban, Piero Marussigin, Ubaldo Opin ja Mario Sironin, harjoittama aloite palasi menneisyyden suureen italialaiseen esittävään taiteeseen, erityisesti Quattrocenton (1400-luku) ja Cinquecenton (1500-luku) taiteeseen. Novecenton (eli 1900-luvun) taiteilijat tukivat fasistihallintoa, ja heidän työnsä liitettiin valtion propagandaosastoon, jonka tavoitteena oli herättää henkiin suurikokoisen historiamaalauksen perinne klassiseen tapaan. Liike käynnistyi virallisesti vuonna 1923 Milanossa järjestetyssä näyttelyssä, jossa Mussolini oli yksi puhujista, ja se kesti aina vuoteen 1943 asti.

Spatialismi – Spazialismo

Lucio Fontanan viilleltyjen ja lävistettyjen maalausten leimaama spatialismi eli italialaisittain movimento spaziale oli sodanjälkeisen ajan merkittävin liike vuosina 1947-1954. Uudenlaiseksi taiteeksi ajateltuna se pyrki syntetisoimaan värin, äänen, tilan, liikkeen ja ajan taideteoksiksi ja yhdisteli betonitaiteen, dadan ja tachismin elementtejä. Fontanan Buenos Airesissa vuonna 1946 julkaisema Manifesto Bianco (Valkoinen manifesti), jota seurasi vielä viisi muuta manifestia, ennakoi liikettä, joka pyrki yhdistämään taiteen ja tieteen projisoimalla värejä ja muotoja todelliseen tilaan käyttämällä nykyaikaisia tekniikoita, kuten neonvaloa ja televisiota. Fontanan teokset, kuten vuoden 1947 Black Spatial Environment ja 1950- ja 60-luvuilla syntyneet partaterällä viilletyt kankaat, tulivat vaikuttamaan ympäristötaiteeseen ja edistivät ensimmäisenä ajatusta eletaiteesta ja performanssista keskeisenä osana luomista.

Arte Povera

Arvostettu italialainen taidekriitikko Germano Celant keksi 1960-luvulla termin Arte Povera kuvaamaan taideteoksia, jotka yhdistivät konseptitaiteen, minimalismin ja performanssitaiteen piirteitä radikaaliksi kannanotoksi. Taiteilijat alkoivat kyseenalaistaa ja lopulta hyökätä vakiintuneiden instituutioiden arvoja vastaan ja kysyivät, oliko taiteella yksilön yksityisenä ilmaisuna vielä eettistä syytä olla olemassa. Celant edisti yhdessä liikkeen muotoutumiseen vaikuttaneiden avainhenkilöiden, kuten Giovanni Anselmon, Alighiero Boettin, Pier Paolo Calzolarin, Jannis Kounellisin, Mario Merzin ja Marisa Merzin, Pino Pascalin, Giuseppe Penonen ja Michelangelo Pistoletton kanssa vallankumouksellisen taiteen ajatusta, joka oli vapaata konventioista, rakenteiden vallasta ja markkinoista. Nimi ”arte povera”, joka tarkoittaa ”köyhtynyttä taidetta”, juontaa juurensa arvottomien tai tavallisten materiaalien, kuten mullan tai sanomalehden, käytöstä siinä toivossa, että taiteen kaupallistuminen saataisiin kumottua.

Anti Design

Italialaisen taiteen pääsuuntausten lisäksi, jotka muokkasivat maan kulttuuria 1900-luvulla, merkittävässä roolissa oli myös muotoilu, joka tuli tunnetuksi ja nousi hienostuneisuuden ja luokan korkeuksiin. Kun vuosisadan alussa suunnittelijat kamppailivat löytääkseen tasapainon klassisen eleganssin ja modernin luovuuden välille ja herättivät henkiin ranskalaisen art deco -tyylin kaltaisia kappaleita, ala kehittyi 1960- ja 70-luvuilla kansainvälisen näyttämön tärkeimmäksi toimijaksi lähinnä huonekalujen ja sisustuksen alalla. Vuosien 1966 ja 1980 välillä vallitsi kuitenkin anti-design, joka korosti silmiinpistäviä värejä, mittakaavan vääristymistä, ironiaa ja kitschiä. Liike oli vastareaktio modernismin perfektionistista estetiikkaa vastaan, joka sai alkunsa Ettore Sottsass Jr:sta. Yhdessä Radical Design -ryhmien, kuten Archigram ja Superstudio, kanssa he ilmaisivat ajatuksiaan tuottamalla huonekalujen prototyyppejä, näyttelyesineitä ja julkaisemalla manifesteja, joita pidetään vallankumouksellisina tänäkin päivänä. He pitivät ainutlaatuisuutta massatuotannon sijaan, ja heidän muotoilunsa oli tarkoitettu pikemminkin toimivaksi kuin kauniiksi.

Transavangarde – Transavanguardia

Transavangarde, joka tunnetaan myös nimellä Transavanguardia, on italialainen versio uusekspressionismista ja liikehdintä, joka pyyhkäisi läpi Italiassa ja muualla läntisessä Euroopassa 1970-luvun lopulla ja 1980-luvulla. Kirjaimellisesti ”avantgarden tuolla puolen” tarkoittava termi on toisen tunnetun italialaisen kriitikon, Achille Bonito Olivan, keksimä, ja se symboloi käsitteellisyyden hylkäämistä ja paluuta tunteeseen, erityisesti maalaustaiteessa ja kuvanveistossa. Taiteilijat, kuten Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Sandro Chia ja Mimmo Paladino, elvyttivät symboliikkaa ja figuratiivista maalaustaidetta sekä myyttistä kuvastoa, joka oli löydetty uudelleen liikkeen huippuaikoina.

Tulee uusi vuosituhat – Arte Italiana tänään

Viisisataa vuotta italialaisen taidehistorian huipentumana pidetyn renessanssikauden jälkeen maan asema kansainvälisellä näyttämöllä on vielä tänäkin päivänä hyvin merkittävä. Sen taiteilijat, kriitikot, kuraattorit ja vaikutusvaltaiset henkilöt ovat jatkuvasti läsnä, mikä osoittaa Italian päättäväisyyttä säilyttää perintönsä menettämättä kuitenkaan keskittymistään nykyhetkeen ja tulevaisuuteen. Älkäämme unohtako, että Venetsian biennaali oli maailman ensimmäinen nykytaidetta puolustava taidenäyttely, joka järjestettiin vuonna 2015 56. kerran. Eri puolilla maata sijaitsevien historiallisten museoiden ja gallerioiden, kuten Uffizin gallerian tai Pinacoteca di Breran, lisäksi Firenzen, Milanon, Rooman, Venetsian ja Torinon kaltaisissa kaupungeissa on lukuisia instituutioita ja tapahtumia, jotka ovat keskeisessä asemassa nykytaiteen tukemisessa ja edistämisessä Italiassa ja sen ulkopuolella: Milanon Palazzo Reale ja Museo del Novecento, Rooman MACRO ja MAXXI, Museo di Villa Croce Genovassa, Punta della Dogana Venetsiassa, Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina Napolissa, Castello di Rivoli Torinossa…. Viime vuosikymmenen aikana Italia on myös nähnyt taiteilijoidensa ja taideteostensa nousun kansainvälisillä taidemarkkinoilla, jotka jakautuvat 20. vuosisadan merkittäviin tekijöihin ja uusiin lahjakkuuksiin, jotka tulevat määrittelemään vuosituhannen vaihteen suuntauksia. Näiden yksilöiden suuri tukija ja kasvattaja on varmasti Artissima-taidemessut, Italian suurimmat taidemessut, jotka järjestetään nyt 23. kerran, sekä lukuisat yksityiset ja julkiset taidekokoelmat. Menneisyyden vahvasti inspiroimana italialainen taide näyttää pysäyttämättömältä, eikä meillä ole mitään syytä epäillä, etteikö sen poikkeuksellinen perintö jatkuisi pitkälle tulevaisuuteen.

Toimituksen vinkki: Naiset Italian renessanssitaiteessa: Sukupuoli, representaatio, identiteetti

Välillä c1350 ja c1650 italialaisissa kaupunkiyhteisöissä käytiin paljon keskustelua naisten¹ luonteesta, rooleista, koulutuksesta ja käyttäytymisestä. Tämä kirja täyttää aukon yhä laajenevassa kirjallisuudessa, joka käsittelee naisen elämän kaikkia näkökohtia kyseisenä ajanjaksona. Tässä kirjassa käytetään laajaa aineistoa, josta suurinta osaa ei ole aiemmin käännetty, ja se valottaa ihanteita ja todellisuutta, jotka vaikuttivat naisten elämään renessanssin ajan Italian kansalais- ja hovikulttuurin kontekstissa. Teksti on jaettu kolmeen osaan: aikalaisnäkemykset naisen luonteesta sekä eettiset ja esteettiset ihanteet, joiden katsottiin sopivan naisille; elämänkulku syntymästä kuolemaan, jota rytmittävät kihlauksen, avioliiton ja leskeksi jäämisen siirtymäriitit; naisten roolit luostarissa, hovissa, työelämässä ja kulttuurielämässä.Mary Rogers ja Paola Tinagli todistavat näiden teemojen tutkimisen kautta, että ei ollut olemassa yhtä ainoaa ”renessanssin naista”. Naisten¹ kokemusten realiteetit olivat rikkaita ja erilaisia, ja heidän äänensä puhuvat erilaisista mahdollisuuksista emotionaalisesti rikkaaseen ja yhteiskunnallisesti hyödylliseen elämään.

1. Nice, A. T., Rome, Ancient, World Book, 2011
2. Kitzinger, E., Byzantine art in the making: Main lines of stylistic development in Mediterranean art, 3rd-7th century, Faber & Faber, 1977
3. Hartt, F., A History of Italian Renaissance Art, Thames and Hudson, 1970
4. Pope-Hennessy, J. W., Italian korkean renessanssin ja barokin kuvanveisto, Phaidon Press, 1996
5. Hyland, D. K. S. Futurism, World Book, 2011
6. Formaggio D. ym, Il Novecento Italiano, 1923 – 1933 Gabriele Mazzotta, 1983
7. Parmesani, L., L’Arte del Secolo, Skira, 2003
8. Celant, G., Arte Povera: Historiat ja protagonistit, Electa, 1985

Kuvia liukusäätimessä: Michelangelo Pistoletto – Ryysyjen Venus 1967, 1974. Kuva Taten kautta. Courtesy Castello di Rivoli; Francesco Clemente – Il cerchio di Milarepa (Milarepan piiri), 1982; Lucio Fontana – L’attesa. The Broken Telephone, 1959-66. Kuva Wikipedian kautta; Mario Merz – Do houses revolve around us or do we revolve around houses?, Arte Povera 2011, Triennale, Milano; Carlo Carrà – The Red Knight (1913), via pinterest com; Giorgio de Chirico – Melancholia, 1916, kuva Wikipedian kautta; Maurizio Cattelan – The Ninth Hour, 1999, kuva Wikipedian kautta. Kaikkia kuvia käytetään vain havainnollistamistarkoituksessa.

.