Alai

A világ leghíresebb művészeti és építészeti alkotásaiból álló olasz művészet régóta a világtörténelem középpontjában áll. A népi “csizma” kulturális fejlődése és cseréje évszázadokon át következetes maradt, ami a kultúra és a művészet minden területén monumentális és látványos alkotások folyamatos létrejöttét eredményezte. A klasszikus időktől és az ókori emberektől kezdve, akik az Appennini-félszigeten az első civilizációt alkották, a nagy Római Birodalomtól, mint a nyugati világ vezető kulturális, politikai és vallási központjától kezdve a reneszánsz és a barokk dicsőséges korszakaiig, amelyek nélkül egyszerűen nem tudjuk elképzelni a művészetet, valamint az elmúlt évszázad meghatározó olasz avantgárd mozgalmaitól kezdve az olasz művészet az emberiség egyik legnagyobb kincsét képviseli. Művészei, múzeumai, galériái és irányzatai mindig is szoros kapcsolatban álltak a szellemi és vallási áramlatokkal, tükrözve koruk felfogását, és kialakítva egy kivételes, kimeríthetetlen örökséget. Egy olyan ország, ahol magát az életet is művészetnek tekintik, Olaszország továbbra is hozzájárul saját és a világ kultúrájának sokszínűségéhez és gazdagodásához, ünnepelve hagyományainak bőségét és jelentőségét.

A legelején – Római és etruszk művészet

Az itáliai művészettörténetben mindig is központi szerepet játszott Róma, kezdve a Kr. e. 9. századtól és az etruszk művészetekkel. Mire a főváros elkezdte építeni birodalmát az Appennini-félszigeten, bronzfiguráik, terrakotta domborműveik, festményeik és freskóik már erősen jelen voltak, szigorú mércét állítva a stílus és a technika terén, amelyet a következő évszázadokban követni kellett. A sírfalakon található etruszk freskókat a mai napig a római kor előtti figurális festészet legjelentősebb példáinak tartják, amelyeket a tudósok ismernek. Ezek friss vakolatból és természetes, többnyire kövekből és ásványokból származó színekből készültek, és állati szőrből készült ecsettel vitték fel őket. Ezek a művek többnyire a mindennapi élet tájképeit és hagyományos mitológiai jeleneteket ábrázoltak. A 4. század közepén kezdték alkalmazni a híres chiaroscuro technikát, a térfogat és a mélység ábrázolására.

Az etruszkok nagy hatással voltak a későbbi római építészetre is, amely a Kr. u. 1. századra kialakuló nagy birodalom egyik gerincét alkotta. A civilizációval együtt jött a kultúra és a művészetek, Róma pedig a világ legfejlettebb városává vált. A műalkotások a gazdagság és a bőség jelképévé váltak, falfestmények díszítették a házakat, és szobrokat helyeztek el a házak és a kert minden sarkában. A rómaiak a padlót is mozaikokkal díszítették, amelyek általában a görög és római mitológia eseményeit, történelmi hétköznapi jeleneteket ábrázoltak. A keleti művészet és vallás, különösen a bizánci birodalom és a főváros, Konstantinápoly hatására a római művészet keresztény motívumokat kezdett beépíteni, és fokozta a falfestmények, a mozaikos mennyezet- és padlómunkák, valamint a síremlékszobrászat termelését.

A tendencia a középkorban is folytatódott, az itáliai bizánci művészet rendkívül formális és kifinomult díszítéssé fejlődött, egységesített kalligráfiával és az arany és a színek csodálatra méltó használatával. Az itáliai művészet ekkorra már meglehetősen regionális volt, külső európai és keleti áramlatok hatásaival. Egy másik fontos stílus a gótika volt, amely a középkorból a reneszánszba való átmenetet jelentette. Az egyházon belüli vallási viták során a ferences szerzetesrendek vissza akarták téríteni a katolikus egyházat az alapokhoz, és a gótikus építészetet először Észak-Európában, majd dél felé, Itália felé vezették be.

Renaissance Art in Italy

A reneszánsz az olasz művészet történetének minden bizonnyal leghíresebb korszaka, a reneszánsz a 13. század vége és a 16. század vége közötti időszakot jelölte. Festőkkel és szobrászokkal kezdődött, akik műveiknek spirituális minőséget akartak adni, és mély vallási jelentéstartalmat akartak felidézni. Ugyanakkor valósághűen akarták ábrázolni az embereket és a természetet. Ez tükröződött a reneszánsz építészetben is, ahol az építészek hatalmas katedrálisokat terveztek, hogy Isten nagyságát hangsúlyozzák és az emberi szellemet megalázzák. A reneszánsz Itália művészei gyakran csak egyes udvarokhoz kötődtek, és csak egyes városokhoz voltak hűek, műalkotásaik mégis egész Itáliát megmutatták, művészi és filozófiai eszméket terjesztve. A reneszánsz szülőhelye minden bizonnyal a toszkánai Firenze városa, amely még ma is őrzi a négy korszak legfontosabb alkotásait, és a világ leghíresebb múzeumainak és galériáinak ad otthont.

A protorenaissance (1300-1400), a kora reneszánsz (1400-1475), a magas reneszánsz (1475-1525) és a manierizmus (1525-1600) valójában az egyes korszakokat kiemelő művészek között oszlott meg. A kezdeteket a híres festő, Giotto fémjelzi, aki a Római Birodalom bukása óta az első művész volt, aki a természetet valósághűen ábrázolta. Csodálatos freskói, amelyek tele vannak az öröm, a düh, a kétségbeesés, a szégyen, a rosszindulat és a szerelem érzelmeivel, ma is megtalálhatók Assisi, Firenze, Padova és Róma templomaiban. Giotto és a 15. század végének és a 16. század elejének művészetét uraló három mester között ott van Taddeo Gaddi, Orcagna, Altichiero, Masaccio, Donatello, Paolo Uccello, Andrea Mantegna és még sokan mások.

Az olasz reneszánsz művészet alkotásai – Művészettörténet Olaszországban

Michelangelo, Raffaello és da Vinci magas reneszánsz művei

A 15. század végétől a 16. század elejéig tartó magas reneszánsz korszak az egész művészettörténet egyik legfontosabb időszaka, az olasz művészet legfényesebb pillanata volt, minden bizonnyal három ember, Michelangelo, Raffaello és Leonardo da Vinci zsenialitásának köszönhetően. Michelangelo, akit a történelem legnagyobb szobrászának kiáltottak ki, mestere volt az emberi alakok ábrázolásának, a fizikai és szellemi erő elsöprő benyomását keltve. A vatikáni Sixtus-kápolna mennyezetén 1508 és 1512 között festett figyelemre méltó freskója az egyik legnagyobb reneszánsz műalkotás. Másrészt Raffaello művészete költőibb volt, mivel értett a perspektíva megteremtéséhez és a finom színhasználathoz. Számos Szűz Máriát ábrázoló festményéről ismert, és számos művét a klasszikus görög és római előképek befolyásolták.

A Sixtus-kápolna freskói mellett Leonardo da Vinci Az utolsó vacsora és a Mona Lisa portréja is felkerült az olasz reneszánsz művészet leghíresebb alkotásainak listájára, és ezzel vitathatatlanul kora legnagyobb elméjévé vált, és azon túl is. A tanulás és az intellektuális kíváncsiság reneszánsz szellemének szimbóluma, da Vinci nagyon sokféle területen volt nagy tehetség, aki a dolgok szemlélésével tanult. A fényről, az anatómiáról, a tájról és az emberi arckifejezésekről írt tanulmányait a világon máig egyetlen más művész sem érte el.

Introducing Italian Modern and Contemporary Art

A reneszánsz és az újkor között az olasz művészet stílusa a 17. és a 19. század között a manierizmus eleganciáján, Caravaggio és Bernini viharos chiaroscuro barokkján, Tiepolo, Canaletto és Bellotto rokokó irányzatain, valamint Canova és Hayez neoklasszikus alkotásain keresztül fejlődött. A 20. század beköszöntével Olaszország és művészei is bekapcsolódtak az avantgárd mozgalmak koncepciójába, elődeik gazdag örökségére támaszkodva. A festészet és a szobrászat jelentős fejlődésével Olaszország a design fellegvárává is vált, különösen az évezred vége felé, amely befolyásos tervezőket hozott létre fantáziadús és ötletes funkcionális munkáival.

Futurizmus – Futurismo

1909 és 1916 között Olaszország csatlakozott azokhoz az európai mozgalmakhoz, amelyek célja az élet minden területén a múlttal való szakítás volt. Ez a Filippo Tommaso Marinetti olasz író által megfogalmazott Futurista kiáltvánnyal kezdődött, amely a hatalom, a sebesség és az izgalom futurista dicsőítését, valamint minden régi, különösen a politikai és művészeti hagyományok elvetését fejezte ki. Műveik a technika diadalát és a gépkorszakot ünnepelték a természet felett, gyakran ábrázolva az autót, a repülőgépet, az ipari várost. A futurizmus művészeinek stílusát az egymást átfedő színfoszlányok és a többszörös képi megjelenítés jellemezte, amelyek áradtak az energiától, és a modern kor frenetikus hangulatát idézték. A művek a legkülönbözőbb médiumokra terjedtek ki, beleértve a festészetet, szobrászatot, grafikai és ipari formatervezést, kerámiát, filmet és színházat, divatot és textíliát, irodalmat, zenét, építészetet és még a gasztronómiát is, a divizionizmusból és a kubizmusból merítve ihletet. A futurista eszméket a képzőművészetben egy fiatal milánói festőkből álló csoport alkalmazta, amelynek tagjai Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla és Gino Severini voltak. Boccioni szobrokkal is foglalkozott, híres alkotása az 1913-as Egyedi folytonossági formák a térben, amely a térben nagy sebességgel mozgó alakok szimbólumaként állt.

Metafizikai művészet – Pittura Metafisica

Carlo Carrà és Giorgio de Chirico munkásságával Ferrarában a metafizikai művészet, olaszul pittura metafisica, az idealizált olasz városokra jellemző terek álomszerű festészetét kezdte meghatározni. Ezeken a műveken az alakok és tárgyak mintha megdermedtek volna az időben, furcsa, logikátlan összefüggésekben találhatók, a valótlan fények és színek, a természetellenes perspektíva. A “nem látható festményekként” jellemzett művek a tudattalan elme termékeiként ismerhetők fel, túl a logikán és a fizikai valóságon – innen a “metafizikus” elnevezés. A de Chirico és Carrà által létrehozott iskola, bár rövid életű volt, jelentős lendületet adott olyan mozgalmak fejlődésének is, mint a dada és a szürrealizmus.

Novecento Italiano

A 1922-ben Milánóban alapított Novecento Italiano az európai avantgárd mozgalmak elutasításával az olasz művészet megújítására létrehozott mozgalom volt, amely a Mussolini-féle fasizmus retorikájára épült. A Margherita Sarfatti kritikus által alapított és hét művész, köztük Anselmo Bucci, Leonardo Dudreville, Achille Funi, Gian Emilio Malerba, Piero Marussig, Ubaldo Oppi és Mario Sironi által gyakorolt kezdeményezés visszatért a múlt nagy olasz ábrázoló művészetéhez, különösen a Quattrocento (az 1400-as évek) és a Cinquecento (az 1500-as évek) művészetéhez. A Novecento (azaz az 1900-as évek) művészei támogatták a fasiszta rendszert, és munkásságuk az állami propagandaosztályhoz kapcsolódott, azzal a céllal, hogy a nagy formátumú, klasszikus módon készült történeti festészet hagyományát újjáélesszék. A mozgalom hivatalosan 1923-ban indult egy milánói kiállításon, amelynek egyik előadója Mussolini volt, és egészen 1943-ig tartott.

Spatializmus – Spazialismo

A Lucio Fontana vágott és áttört festményei által fémjelzett spatializmus, vagy olaszul movimento spaziale, a háború utáni időszak legjelentősebb mozgalma volt 1947 és 1954 között. Az új típusú művészetként felfogott mozgalom a szín, a hang, a tér, a mozgás és az idő szintetizálását tűzte ki célul műalkotásokban, ötvözve a konkrét művészet, a dadaizmus és a tachizmus elemeit. Fontana 1946-ban Buenos Airesben kiadott Manifesto Bianco (Fehér kiáltvány) című művének előzménye, amelyet további öt kiáltvány követett, a mozgalom a művészet és a tudomány egyesítésére törekedett, hogy színt és formát vetítsen a valós térbe olyan korszerű technikák alkalmazásával, mint a neonvilágítás és a televízió. Fontana művei, mint például az 1947-es Fekete térbeli környezet és az 1950-es és 60-as évek során készült, borotvapengével vágott vásznak, hatással voltak a környezetművészetre, és elsőként hirdették a gesztikus művészet és a performansz mint az alkotás alapvető részeinek gondolatát.

Arte Povera

A nagyra becsült olasz műkritikus, Germano Celant alkotta meg az Arte Povera kifejezést az 1960-as években, olyan műalkotások leírására, amelyek a konceptuális, minimalista és performansz művészet aspektusait ötvözve radikális álláspontot képviselnek. A művészek megkérdőjelezték és végül támadni kezdték a bevett intézmények értékeit, és feltették a kérdést, hogy a művészetnek mint az egyén privát kifejezésének van-e még etikai létjogosultsága. Celant, valamint a mozgalom formálását segítő olyan kulcsfigurák, mint Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Jannis Kounellis, Mario Merz és Marisa Merz, Pino Pascali, Giuseppe Penone és Michelangelo Pistoletto, a forradalmi, a konvencióktól, a struktúrák hatalmától és a piactól mentes művészet fogalmát hirdették. Az “arte povera” elnevezés, amely “elszegényedett művészetet” jelent, az értéktelen vagy közönséges anyagok, például föld vagy újságpapír használatából ered, abban a reményben, hogy felforgatják a művészet kommercializálódását.

Anti Design

A 20. században az ország kultúráját alakító olasz művészet fő irányzatai mellett jelentős szerepet játszott a design is, amely közismertté vált, és a kifinomultság és az előkelőség magaslataira emelkedett. Míg a század elején a tervezők a klasszikus elegancia és a modern kreativitás közötti egyensúly megtalálásán fáradoztak, a francia art deco stílushoz hasonló darabokat keltve életre, addig az 1960-as és 70-es években a terület a nemzetközi színtér főszereplőjévé nőtte ki magát, főként a bútorok és a belsőépítészet terén. Az 1966 és 1980 közötti időszakban azonban megjelent az Anti-Design, amely a feltűnő színeket, a léptéktorzítást, az iróniát és a giccset hangsúlyozta. A mozgalom a modernizmus perfekcionista esztétikájával szembeni reakció volt, amely Ettore Sottsass Jr. révén indult. A Radical Design csoportokkal, például az Archigrammal és a Superstudióval együtt olyan bútorprototípusok, kiállítási darabok készítésével és manifesztumok közzétételével fejezték ki elképzeléseiket, amelyek még ma is forradalminak számítanak. A tömegtermeléssel szemben az egyediséget fogadták el, és terveik inkább funkcionálisak, mint szépek voltak.

Transavangarde – Transavanguardia

A neoexpresszionizmus olasz változata, a Transavangarde, más néven Transavanguardia, egy mozgalom, amely az 1970-es évek végén és az 1980-as években söpört végig Olaszországon és Nyugat-Európa többi részén. A szó szerinti jelentése “az avantgárdon túl”, a kifejezést egy másik neves olasz kritikus, Achille Bonito Oliva alkotta meg, és a konceptualitás elutasítását és az érzelemhez való visszatérést szimbolizálta, különösen a festészetben és a szobrászatban. A művészek, mint Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Sandro Chia és Mimmo Paladino, újraélesztették a szimbolizmust és a figuratív festészetet, valamint a mozgalom fénykorában újra felfedezett mitikus képeket.

Az új évezred felé – Arte Italiana ma

Az olasz művészettörténet csúcspontjának számító reneszánsz korszak után ötszáz évvel is, az ország helye a nemzetközi színtéren még ma is igen jelentős. Művészei, kritikusai, kurátorai és befolyásos személyiségei folyamatosan jelen vannak, ami azt bizonyítja, hogy Olaszország eltökélten törekszik örökségének megőrzésére anélkül, hogy elveszítené a jelenre és a jövőre való összpontosítását. Ne feledjük, hogy a Velencei Biennále volt az első olyan művészeti kiállítás, amely a kortárs művészetet népszerűsítette a világon, 2015-ben már 56. alkalommal rendezték meg. Az országszerte elterjedt történelmi múzeumok és galériák mellett, mint például az Uffizi Képtár vagy a Pinacoteca di Brera, olyan városok, mint Firenze, Milánó, Róma, Velence és Torino számos olyan intézménynek és eseménynek adnak otthont, amelyek kulcsfontosságúak a kortárs művészetek támogatásában és népszerűsítésében Olaszországban és azon túl: A milánói Palazzo Reale és a Museo del Novecento, a római MACRO és MAXXI, a genovai Museo di Villa Croce, a velencei Punta della Dogana, a nápolyi Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina, a torinói Castello di Rivoli… Az elmúlt évtizedben Olaszországban a művészek és műalkotások felemelkedtek a nemzetközi művészeti piacon, a 20. század jelentős alakjai és az új tehetségek egy csoportja között, akik meghatározzák az ezredforduló tendenciáit. Az Artissima művészeti vásár, amely immár 23. éve Olaszország legnagyobb művészeti vására, valamint a számos magán- és közgyűjtemény minden bizonnyal nagyban hozzájárul e művészek fejlődéséhez. A múlt erős inspirációjával az olasz művészet megállíthatatlannak tűnik, és nincs okunk kételkedni abban, hogy rendkívüli öröksége ne folytatódna a jövőben is.

Szerkesztői tipp: Nők az olasz reneszánsz művészetben: Gender, representation, identity

A c1350 és c1650 közötti időszakban az itáliai városi társadalmakban sok vita folyt a nők természetéről, szerepéről, neveléséről és viselkedéséről. Ez a könyv hiánypótló a nők életének minden aspektusával foglalkozó, még mindig burjánzó szakirodalomban ebben a korszakban. A könyv széles körű, többnyire eddig lefordítatlan anyagot felhasználva megvilágítja a nők életét meghatározó eszményeket és valóságot a reneszánsz itáliai polgári és udvari kultúra kontextusában. A szöveg három részre tagolódik: a nők természetéről alkotott korabeli nézetek, valamint a nekik megfelelőnek tartott etikai és esztétikai ideálok; a születéstől a halálig tartó életciklus, amelyet az eljegyzés, a házasság és az özvegység rítusai szakítanak meg; a nők szerepe a kolostorban, az udvarban, a munkahelyen és a kulturális életben.Mary Rogers és Paola Tinagli e témák feltárásán keresztül bizonyítja, hogy nem létezett egyetlen “reneszánsz nő”. A nők¹ tapasztalatainak valósága gazdag és változatos volt, és hangjuk az érzelmileg gazdag és társadalmilag hasznos élet változatos lehetőségeiről szól.

1. Nice, A. T., Rome, Ancient, World Book, 2011
2. Kitzinger, E., Byzantine art in the making: main lines of stylistic development in Mediterranean art, 3rd-7th century, Faber & Faber, 1977
3. Hartt, F., A History of Italian Renaissance Art, Thames and Hudson, 1970
4. Pope-Hennessy, J. W., Italian High Renaissance and Baroque sculpture, Phaidon Press, 1996
5. Hyland, D. K. S. Futurism, World Book, 2011
6. Formaggio D. et al., Il Novecento Italiano, 1923 – 1933 Gabriele Mazzotta, 1983
7. Parmesani, L., L’Arte del Secolo, Skira, 2003
8. Celant, G., Arte Povera: Histories and Protagonists, Electa, 1985

Featured images in slider: Michelangelo Pistoletto – A rongyos Vénusz 1967, 1974. A kép a Tate-en keresztül. A Castello di Rivoli jóvoltából; Francesco Clemente – Il cerchio di Milarepa (Milarepa köre), 1982; Lucio Fontana – L’attesa. The Broken Telephone, 1959-66. Kép a Wikipédián keresztül; Mario Merz – Do houses revolve around us or do we revolve around houses?, Arte Povera 2011, Triennale, Milánó; Carlo Carrà – The Red Knight (1913), via pinterest com; Giorgio de Chirico – Melancholia, 1916, Kép a Wikipédián keresztül; Maurizio Cattelan – The Ninth Hour, 1999, Kép a Wikipédián keresztül. Minden kép csak illusztrációként szolgál.

.