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世界で最も有名な芸術作品や建築物からなるイタリア美術は、長い間、世界史の中心的存在であり続けました。 何世紀もの間、文化の進歩と民衆の「ブーツ」の交流は一貫しており、その結果、文化や芸術のあらゆる領域で記念碑的で壮大な作品が継続的に生み出されてきました。 アペニン半島で最初の文明を形成した古典時代と古代人、西欧世界の文化、政治、宗教の中心であった偉大なローマ帝国、そしてルネッサンスとバロックの輝かしい時代、さらに前世紀の重要な前衛運動まで、イタリア美術は人類の最高の宝物の一つとなっています。 その芸術家、美術館、ギャラリー、傾向は、常に知的、宗教的潮流と密接に結びつき、その時代の観念を反映し、例外的で無尽蔵な遺産を形成してきました。 生活そのものが芸術とされる国、イタリアは、その伝統の豊かさと意義をたたえ、自国と世界の文化の多様性と豊かさに貢献し続けています。

The Very Beginnings – Roman and Etruscan Art

イタリア美術史の中心は常にローマで、その始まりは前9世紀のエトルリア芸術であったと言われています。 首都がアペニン半島に帝国を築き始める頃には、彼らのブロンズ像、テラコッタのレリーフ、絵画、フレスコ画が多く存在し、今後数世紀に渡って続くスタイルと技術の厳格な基準を打ち立てたのである。 エトルリアのフレスコ画は、墓の壁に描かれたもので、現在でもローマ時代以前の具象画の中で最も重要なものとして研究者に知られている。 このフレスコ画は、新鮮な石膏と、主に石や鉱物に由来する自然の色彩を、動物の毛で作った筆で塗ったものである。 これらの作品は、日常生活の風景や伝統的な神話の場面を描いたものがほとんどである。 4世紀半ばには、ボリューム感や奥行きを表現するキアロスクーロという有名な技法が使われるようになった

エトルリア人は、その後のローマ建築にも大きな影響を与え、紀元1世紀までに誕生した大帝国の骨格のひとつとなった。 文明とともに文化や芸術も発達し、ローマは世界一の先進都市となった。 芸術作品は富と豊かさの象徴となり、壁絵が家を飾り、彫刻が家の隅々や庭に設置されました。 ローマ人は床にもモザイク画を施し、ギリシャ・ローマ神話の出来事や歴史的な日常風景を表現するのが常だった。 東洋の芸術や宗教、特にビザンティン帝国と首都コンスタンティノープルの影響を受け、ローマ美術はキリスト教のモチーフを取り入れ、壁画、モザイク天井画、床画、葬祭用彫刻の制作を強化するようになった。 この時点では、イタリアの美術はかなり地域的なものであり、ヨーロッパや東洋の外来の流れの影響を受けている。 もうひとつの重要なスタイルは、中世からルネサンスへの移行を示すゴシック様式である。 教会内の宗教論争の中で、カトリック教会を基本に戻そうとしたフランシスコ会修道士たちは、まず北欧に、そして南下してイタリアにゴシック建築を導入した。

イタリアのルネサンス美術

イタリア美術史上最も有名なルネサンス期は、13世紀後半から16世紀後半にかけての時期であることは確かである。 ルネサンス期の美術は、宗教的な意味合いや精神性を作品に反映させようとした画家や彫刻家たちによって始められた。 ルネサンス期は、13世紀後半から16世紀後半にかけてのイタリア美術の歴史である。 これはルネサンス建築にも反映され、建築家は神の壮大さを強調し、人間の精神を謙虚にするために巨大な聖堂を設計した。 ルネサンス期のイタリアの芸術家は、特定の宮廷に属し、特定の町にのみ忠誠を誓うことが多かったが、彼らの芸術作品はイタリア全体を示し、芸術的、哲学的な思想を広めたのである。

実際、ルネサンス期（1300-1400）、初期ルネサンス期（1400-1475）、中期ルネサンス期（1475-1525）、マニエリスム期（1525-1600）は、それぞれの時代に光を当てた芸術家が分担していたのである。 ローマ帝国滅亡後、初めて自然を写実的に描いた画家として有名なジョットがマークした始まり。 喜び、怒り、絶望、恥、恨み、愛などの感情が込められた彼の見事なフレスコ画は、今でもアッシジ、フィレンツェ、パドヴァ、ローマなどの教会で見ることができる。 ジョットと15世紀後半から16世紀初頭の芸術を支配するようになった3人の巨匠の間には、タデオ・ガッディ、オルカーニャ、アルティチエーロ、マサッチョ、ドナテッロ、パオロ・ウッチェロ、アンドレア・マンテーニャなど、多くの人物がいるのである。

イタリア・ルネサンス期の作品-イタリア美術史

ミケランジェロ、ラファエロ、ダヴィンチのハイ・ルネサンス作品

15世紀末から16世紀初めのハイ・ルネサンス期は、美術史全体において最も重要な時代の一つで、イタリア美術が最も輝いている時期であるのは、確かにミケランジェロ、ラファエロ、レオナルド・ダヴィンチという3人の才能によるだろう。 史上最高の彫刻家と称されるミケランジェロは、圧倒的な肉体的・精神的パワーを感じさせる人物像を得意とした。 1508年から1512年にかけて描かれたバチカン市国のシスティーナ礼拝堂の天井画は、ルネサンス期の最高傑作のひとつに数えられている。 一方、ラファエロは、遠近法や繊細な色使いを得意とし、より詩的な芸術を展開した。

イタリア・ルネサンス美術の代表的な作品としては、システィーナ礼拝堂のフレスコ画のほか、レオナルド・ダ・ヴィンチの「最後の晩餐」や「モナリザ」があり、彼は当時、そしてその後も最高の頭脳集団であったことは疑いようがありません。 ルネサンス期の学問と知的好奇心の象徴であるダ・ヴィンチは、実に多様な分野で優れた才能を発揮し、物事を見て学びました。 光、解剖学、風景、人間の表情に関する彼の研究は、世界中のどの芸術家にも到達できないまま続いている。

Introducing Italian Modern and Contemporary Art

ルネサンスから近代にかけてのイタリア美術は、17世紀から19世紀にかけて、マニエリスムの優雅さ、カラヴァッジョやベルニーニの嵐のようなキアロスクーロ・バロック、ティエポロ、カナレット、ベロットなどのロココ調、そしてカノーヴァやヘイスの新古典主義作品とスタイルを発展させながら、進化してきました。 20世紀に入ると、イタリアとその芸術家たちは、先人たちが残した豊かな遺産をもとに、前衛芸術運動の構想に参加するようになりました。 絵画や彫刻の大きな発展とともに、イタリアはデザインの分野でも注目されるようになり、特にミレニアムの終わりには、想像力に富んだ独創的な機能的作品で影響力のあるデザイナーを輩出しました。 Image via gdapress.it

Futurism – Futurismo

1909年から1916年にかけて、イタリアは生活のあらゆる分野で過去とのつながりを断つことを目的としたヨーロッパの運動に参加しました。 イタリアの作家フィリッポ・トマソ・マリネッティが考案した「未来派宣言」に始まり、未来派は力、スピード、興奮を賛美し、古いもの、特に政治や芸術の伝統を否定することを表明している。 彼らの作品は、自然に対する技術の勝利と機械時代を称え、しばしば自動車、飛行機、工業都市を描いている。 未来派芸術家の作風は、重なり合う色彩の断片と複数のイメージによって特徴づけられ、エネルギーに満ちあふれ、現代の熱狂的な雰囲気を呼び起こすものであった。 絵画、彫刻、グラフィックデザイン、工業デザイン、陶芸、映画・演劇、ファッション・テキスタイル、文学、音楽、建築、さらには美食など、さまざまなメディアにわたっており、ディビジョニズムやキュビスムからインスピレーションを得ている。 未来派の思想を視覚芸術に応用したのは、ミラノを拠点とするウンベルト・ボッチョーニ、カルロ・カラ、ルイジ・ルッソロ、ジャコモ・バッラ、ジーノ・セヴェリーニなどの若い画家たちであった。 ボッチョーニは彫刻も手がけ、1913年に制作した《空間の連続体のユニークな形態》は、空間を高速で移動する人物の象徴として有名です。

Metaphysical Art – Pittura Metafisica

フェラーラのカルロ・カッラーとジョルジョ・デ・キリコの作品により、形而上学的芸術、イタリア語のpittura metafisicaは、理想化したイタリアの都市で典型的に見られる広場の夢幻画を定義するようになりました。 これらの作品では、人物や物体は、奇妙で非論理的な文脈、非現実的な光や色、不自然な遠近法の中で発見され、時間が止まったように見える。 見ることのできない絵画」と形容されるこれらの作品は、論理や物理的現実を超えた無意識の産物として認識され、それゆえ「形而上学的」と呼ばれるようになった。 デ・キリコとカッラが設立した一派は、短命に終わりましたが、ダダやシュルレアリスムなどの運動にも大きな刺激を与えました。

Novecento Italiano

1922年にミラノで結成されたノヴェチェント・イタリアーノは、ヨーロッパの前衛運動を否定し、ムッソリーニのファシズムのレトリックに基づいてイタリア美術を刷新しようと作られた運動であった。 批評家マルゲリータ・サルファッティが発起人となり、アンセルモ・ブッチ、レオナルド・デュドルヴィル、アキーレ・フニ、ジャン・エミリオ・マレルバ、ピエロ・マルシグ、ウバルド・オッピ、マリオ・シローニら7人の芸術家が実践し、特に1400年代のクワトロチェントと1500年代のチンクエチェントという過去の偉大なイタリア具象芸術へと回帰する取り組みが行われたのである。 ノヴェチェント（1900年代を意味する）の芸術家たちはファシスト政権を支持し、彼らの作品は国家宣伝部と関連づけられ、古典的な手法で大判の歴史画の伝統を復活させることを目指したのである。 1923年、ムッソリーニを講演者のひとりに迎えたミラノの展覧会で正式にスタートし、1943年まで続いた。 Image via settemuse.it

Spatialism – Spazialismo

Lucio Fontanaによる切り裂いたり穴を開けた絵画で知られるSpatialism（イタリア語でmovimento spaziale）は、戦後の1947年から54年の間に最も目立った運動であった。 具体美術、ダダ、タキズムなどの要素を取り入れ、色彩、音、空間、運動、時間などを総合的に表現する新しい芸術として構想された。 1946年にブエノスアイレスで発表されたフォンタナの『マニフェスト・ビアンコ』（白い宣言）を皮切りに、5つのマニフェストを発表し、ネオンやテレビなどの最新技術を使って、現実空間に色と形を映し出す芸術と科学の融合を目指した運動であった。 1947年の「黒い空間環境」や、1950年代から60年代にかけて制作された剃刀で切り刻んだキャンバスなど、フォンタナの作品は環境芸術に影響を与え、ジェスチャーアートやパフォーマンスが創造の重要な要素であるという考えを初めて推進したのである。 Image via looklateral.com

Arte Povera

著名なイタリアの美術評論家ジェルマノ・チェラントは、1960年代にArte Poveraという言葉を作り、コンセプチュアル、ミニマリズム、パフォーマンスアートの側面を組み合わせた過激なスタンスのアートワークを説明しました。 個人の私的な表現である美術に倫理的な存在意義があるのか、既成の制度の価値観に疑問を投げかけ、ついには攻撃し始めたのです。 セラントは、ジョヴァンニ・アンセルモ、アリギエロ・ボエッティ、ピエル・パオロ・カルゾラーリ、ヤニス・クネリス、マリオ・メルツ、マリサ・メルツ、ピノ・パスカリ、ジュゼッペ・ペノーネ、ミケランジェロ・ピストレットなどの運動の中心人物とともに、慣習、構造、市場の力から自由になる革命的芸術という概念を推進したのである。 アルテ・ポーヴェラとは「貧しい芸術」という意味で、土や新聞紙など価値のない、あるいはありふれた素材を用いて、芸術の商業化を覆そうとしたことに由来している