EDITS MAY OCCUR, stupid numbers and formatting on Reddit as well as more info and details
最近このサブで「音程をとって歌う」ことについて尋ねる投稿をたくさん見たり答えたりしたので、その意味と、他の「音楽の補助スキル」と一緒にそれを改善する方法について説明しようと思ったのです。
まず最初に、「オン/オフピッチ」や「イン/アウト/オフキー」とはどういう意味なのでしょうか？
歌の文脈では、音符/ピッチは、歌手が達成しようとする与えられた音（基本的に振動周波数）です。 ボタン、キー、フレットがある楽器は、その音を指で押さえて、正確にその音程を得ることができます。 しかし、人間の声は輪ゴムのように柔軟で、西洋音楽の調性を構成する標準的な音や音程の集合の間をスライドする音程や周波数を歌うことができる。 音程をスライドさせることができる楽器には、他にトロンボーンやバイオリンがある。 つまり、人間の声は、ある音程より少し下の音（これを「フラットに歌う」と呼ぶ）、あるいは少し上の音（これを「シャープに歌う」と呼ぶ）を歌うことができるが、調性システムで利用可能な次の音になるには十分でないということである。 このように、少し上や下の音程を歌うと、音質が悪くなったり、ダラダラしたり、不協和音（音楽用語で、不快な音、魅力のない音）を発したり、単に「間違っている」ように聞こえたりするのです。 歌手はやがて、個々のピッチがどのような感覚で体の中に作り出されるのかを学び、それによってトランペットなどと同じ精度で歌えるようになるのです。
私たちの記譜法や理論体系では、楽器やページの音を「シャープ」「フラット」と呼ぶこともありますが、それは「♯」「♭」という記号を指していて、書かれている音程を半音下げることを指しています。 西洋の調性では、12の異なる音程があり、それぞれは「半音」と呼ばれる音楽的距離で次の音程と隔てられています。 この12個の音程を昇順に並べた「半音階」についての記事をご紹介します。 半音階について詳しく知る必要はありませんが、記事の見出しは、半音で関連付けられた12個の音程をうまく表現しています。 https://en.wikipedia.org/wiki/Chromatic_scale この12音が、より高い周波数で、何度も繰り返されるのです。 例えば、ピアノでCから始まる白と黒の音を順番に弾いていくと、12音後にまたCに戻るが、より高い音になる。
キーは基本的に、非常に特殊な方法で互いに関連する7つの音程の集まりで、それぞれがキーの中で機能を果たし、楽曲の中で使用すると、キーの中で「ホーム」な感覚を得ることができるのです。 調の外から来た音は、調の全体像の中で機能を果たさないため、「間違っている」、「所属していない」ように聞こえます。 音楽の各キーには、対応するメジャースケールがあり、7つの音が特定の順序で上昇します。 Cでメジャースケールを始める場合、Bbで始める場合とは異なる音程の集まりを使いますが、同じように構成されます。 メジャー・スケールがどのように構成され、キーとどのように関連しているかについては、こちらの記事をご覧ください。 https://en.wikipedia.org/wiki/Major_scale これらの7つの音は、高音域や低音域でも何度もパターンを繰り返すことに注意してください。 同じ音でも、ピアノの音域が高いだけで、キーの中では同じ音なのです。
つまり、曲のメロディは、その曲が書かれたキーの音色の中心で、特定の役割と機能を持つ音程の集まりを使って書かれているのです。 例えば「きらきら星」のようなメロディーは、与えられた調の中で非常に特殊な音程でできています。 この音程には、数学的、音楽的な関係があり、どの音から始めても、その音楽的、数学的な関係を維持しなければなりません。 きらきら星」はどの調でも（どの音から始めても）歌えますが、音楽的な関係はどの調でも一貫していなければならず、メロディーが上がるときに自分が上がっているからといって、それが正しい音に上がっているとは限りません。 7707>
Twinkle Twinkleのメロディーは、SAME, SAME, UP, SAME, UP, SAME, DOWNと進むことが分かっています。 この数字（音楽では実際に意味を持ちます）を使って、目標とする音程（この場合、間にある数字）の間に「音楽的空間」があることが分かるでしょう。
1 – 1 – 5 – 5 – 6 – 6 – 5
ここで、1 – 1 – 5 – 5 – 7 – 7 – 4のように歌ってしまったら、それはもはやTwinkle Twinkleではなく、メロディ音が上がるはずの時に上がってしまったのに、間違ったメロディ音に着いてしまった・・・正しい音まで上がらないのです。 上がりすぎてしまったのです。 つまり、あなたは間違った音を歌っているのです。その音はまだキーに属しているかもしれませんが、正しいメロディ音ではありませんし、キーの外にある多くの音（キーは12音中7音で構成されていることを思い出してください）の一つ、あるいは西洋調性の領域外にある音を歌っているかもしれないのです。
誰かがあなたが調子を外して歌っていると言う場合、基本的には、それぞれの音を少しシャープまたはフラットにして（多くの場合、その両方の組み合わせ）、「ほぼ正しい」けれど音楽的な不協和音が生じるほど間違って歌っているか、あるいは単にまっすぐ間違った音（調は合っているがメロディの特定の瞬間には間違っている音、調以外の音、あるいは冒頭に述べた「中間」の音のうちの1つを指しています）歌っていることを意味しています。
これは、歌手の音楽的な耳が、ほとんどの音楽を構成するパターンや慣習のいくつかを吸収するほど発達しておらず、音楽的な記憶力が十分でないために、メロディを聞いて、演奏または歌われたとおりにすべての目標音程を覚えておらず、メロディはこことここを上がって行くとだけ覚えているかもしれないときによく起こります。 このように決められた音程から外れてしまうことと、新人歌手の場合、自分の意図した音程にずれたり、揺れたり、迷ったりせずに歌えるように、技術的に声をコントロールすることができないため、音程を外して歌うことになるのです。 シャープやフラットだけでなく、シャープ、フラット、そして多くの場合、単に間違っていることもあります。
では、どのようにして「音程を合わせる」/「キーを合わせる」のでしょうか？
基本的なピッチ合わせ、重要なリスニングスキル、音楽のリコール、音楽パターンの歌唱、そして取り組んでいることのコンテキストを提供する音楽理論や用語の学習など、実践的スキルと理論的知識の組み合わせを開発することによって、です。 多くの音楽家が同時にソルフェージュを学んでいますが、これは「ド・レ・ミ・ファ・ソル・ラ・ティ・ドゥ」という音節のシステムを使って、音楽の関係を暗記するもので、基本の暗記作業が終わればどの調にも適用できる点で便利です
どこから始めるか？
オプションは、いくつかの簡単なテストにピアノに精通した友人を取得する “このノートは、最後の1つよりも高いか低いですか？” “キーに移動する前に “ピッチ上 “から始めます。 “これは2つのノートまたは1つですか？” 「この2つの音は近いのか離れているのか?
1. ピアノの前に座る。 ピッチアプリをしまう。 アプリは、あなたが最も近い音程を教えてくれるだけで、あなたの意図した音程を推測することはできません。 アプリは、あなたが歌っている音楽的文脈を推測することはできません。 アプリは、あなたの声の小さな揺らぎや滑りを、誇張して詳細に表示します。 アプリをオフにして、あなたの耳をオンにしてください 🙂
a) ある音、たとえばミドルCなど、「ダー」とハミングしたり歌ったりするのに心地よい音を出してみてください。 それを演奏して、聴いてください。 心の中でその音を聴いてください。 視覚化する。 その音を自分の声で歌うことを想像してください（「オーディエーション」といいます）。 歌うために息を吸うとき、その特定の音を歌うために息を吸うようなイメージで吸い込みます。 そして、歌います。 そして、歌ったら、その音をキープしてください！あなたの音が、あなたが演奏した音と比較して、どこに位置しているかに注意してください。 大きく違っていますか、それともほんの少しずれていますか？
大きく異なる場合は、よく聞いて、目標の音よりも高く歌っているのか、低く歌っているのかを判断します。 しかし、「サーチ」している間、近づいているのか遠ざかっているのかに注意を払い、ただランダムに回ってベストを尽くさないようにしましょう。 もし、今弾いている音に合うように修正できたら、この新しい正しい音が今弾いている音に対してどのように聞こえるか、また、歌うときにどのように体に感じるかに注意を払います。 演奏や歌を止めて、もう一度トライしてください。今度は、より正確にするために、1回目のトライで体の感覚を再現することを試みます。
少し変に聞こえるだけなら、目指している音に対して、少しシャープかフラットになっているだけかもしれません。 周波数が非常に近い2つの音は、空気中に競合する振動を生み出し、結果として空気中に知覚可能な一連のパルスを発生させることになります。 より大きな割合でずれている2つの音は、速いパルスを発生させます。 2つのピッチが一致するほど、パルスは遅くなります。 最終的には、2つの声（あなたとピアノ、あるいはフルートとトランペット）を分離するのが困難なほど、2つのピッチが一致し、1つの声として聞こえるようになるのです。 ピアノの異なる音程を使ってピッチマッチングのクイズをする、このステップだけでも、数週間から数ヶ月かかるかもしれません。 気長に待ちましょう。 何が起こっているのかに注意を払い、自分の体の中の感覚に集中してください。 自分の進歩を記録する。 いつも目標が低すぎたり、高すぎたりする傾向がないか注意してください。 声のトーンはあまり気にせず、適度な音量と音域で疲れないように歌ってみてください。 自分の自然な音域から始めてみてください。
以上で基本的な一音合わせは終わりですが、耳や音楽性全般の向上には、まだまだ多くのことがあります。 もしあなたが、ミュージシャンが練習して聴覚のスキルを磨く方法をもっと知りたいなら、読んでみてください…
2. 自分の快適な範囲内のどんな音程でも、上下に滑らずにうまく合わせられるようになったら、あなたの練習を導くために、ピアノで徐々に難しいものを演奏し続けられるように、楽譜と音程について少し学ぶ必要が出てくるでしょう。 歌やイヤー・トレーニングは、機能的なピアノの知識がなければ、うまくいきません。 具体的な音楽の例を演奏し、聴くことができるようになる必要があります。 記譜法、臨時記号、長音階の構造、長音階の度数階層、半音、音程について読み込んでください。
a) 音程の演奏に進みます：ピアノで2つの音を続けて、上昇と下降の両方を行い、両方の音程を歌い返します（後で、両方の音を同時に演奏して、それぞれの音を歌い返すことに進みます）。 最初の音程合わせの例で使ったのと同じ注意を払うこと。 最初は、自分の音域内であれば、任意に音を選んで構いませんが、すぐに各音程の名前も覚えるようにしましょう。 2つの音が半音ずつ何回離れているかを数えて、どこかに書いてある資料と照らし合わせることができれば、音程を覚えることができるのです。 ここに記事があります。 https://en.wikipedia.org/wiki/Interval_(music) . そこで、2つの音を「ダァダァ」と歌えるようになったら、その音程が何であるかを確認し、その音程名を音節としてもう一度歌ってみましょう。 「ダァダァ、メジャー3rd」
b) ピアノで同時に弾いた2音も含めて、2音を続けて歌えるようになったら、異なる音程の認識の訓練に入ります。 この段階では、ピアノに詳しい友人が例として演奏してくれるので助かりますが、自分でもピアノで任意の音から始まるすべての音程を見つけて演奏できるようになるはずです。 音楽家は音程の識別にあらゆるトリックを使います。例えば、Perfect 4thは特定の曲のオープニングを思い出させるとか、Major 3rdはメジャースケールの第1音と第3音、Minor 3rdの下降は子供の頃のドアベル、などなどです。 この段階では、耳が疲れないように、まずは2つの音程だけをピアノのあちこちで弾いて対比させることから始めるとよいでしょう。 例えば、Major 3rdとPerfect 4thだけを識別することから始めてください。 次に、Minor 3rdを追加する、などなど。 自分の知っていることを積み重ねて、最初の小さな一歩が完全に自分の手の届くところにあるときだけ、進歩するのです。
c) 一度、音楽の記憶の中で音程を特定し、歌い戻し、思い出すことができたら、前に覚えたトリックやドリルを使って、1つの音だけを基準にして、上下の特定の音程を歌い戻すことに進みます。 ここでも、まずは2つだけ対照的に、そこから積み上げていきます。 ピアノで音を弾いて、「完全5度上げ」「短3度下げ」などを決めて歌うように。 毎回ピアノと照らし合わせるか、仲間にクイズを出してもらいましょう。
なぜインターバルは重要なのでしょうか？ というのも、メロディーの構成要素の1つだからです! そして、一般的な音楽です。 このような小さな音楽的概念を成功裏に達成することができれば、「何かに縛られて」歌うのではなく、「音楽の上を」浮遊することになるので、より正確かつ理解しながら曲の文脈の中で歌うことができるようになるのです。 その他にも、音階や音階の一部には多くの種類と変化があり、また、下から上へ一音ずつ歌うことができるコードも、多くの種類と性質があります。 そこで…
3. 上記のことを繰り返しますが、スケールの種類と和音は同じです。 少なくとも、マイナー/メジャースケールとマイナー/メジャー三和音。 どの音がどのメジャー／マイナー・トライアドに属するかを学びます。 これらは音楽のさらなる構成要素です 🙂
4. あなたが望むなら、ソルフェージュを読んでください。これは音程と視唱の学習法で、音階に割り当てられた音節を使い、暗記によって学び、どの調にも適用することができます。 ここで紹介するにはあまりに深いテーマですし、ソルフェージュのどの方法が最も効果的かという議論もありますので、ここで突っ込んでみてください。 https://en.wikipedia.org/wiki/Solf%C3%A8ge 私は学校で習いましたが、音楽を学ぶには理論と耳を使う方が好きだったので、この授業は少し時間の無駄だと思っていました。 しかし、多くの同級生が本当に便利だと感じていて、今でも使っています。
WHAT “IN KEY” REALLY MEANS AND IMPLIES
The TL;DR of “in key” essentially means that you are staying within the predetermined pitches of the piece of music, as determined by the constructs of music theory & style. なるほど、素晴らしい。 では、キーはどのようにして決まるのですか？
曲のメロディとハーモニーを簡単に理論的に分析します。
メロディ（基本的には与えられたスケールから派生した音符です）では、全音階と半音階のどこにあるかが手がかりとなります。 メジャー・スケールの記事を参照してください。 https://en.wikipedia.org/wiki/Major_scaleを参考に、メロディーの音をすべて書き出し、スケール順に並べてみてください。 メジャー・スケールには、3度から4度までと、7度から8度までという2つの半音階を持つことを忘れないでください。 もし、あなたのメロディーがメジャー・スケール全体を完全に使用しているのであれば、2つを組み合わせてキーを決定することができるはずです。 ポップスの場合、ボーカルが非常にシンプルなペンタトニック（ペンタトニックとは、いくつかの音を飛び越え、半音を含まない簡略化された音階https://en.wikipedia.org/wiki/Pentatonic_scale）であることが多いので、これらの音は多くのキーに属している可能性があります。
これを行うには、誰かにコードを教えてもらうか、どこかに書いてあるのを見つけるか、自分で書き写すかのいずれかをしなければなりません。 また、スケールの上に成り立つトライアドの概念や、それらが音楽理論の中でどのように機能するかを理解する必要があります。 7707>
例として、Every Little Thing She Does Is Magic – The Policeのコード進行を使ってみましょう。 最初の歌詞はこちらです。
「以前、彼女に心の中の想いを伝えようとしたことがあるけれども」。
C – D – Eb – D – Eb – G / C – D – Eb – D – Eb – G / C – Eb – D – Bb
これはCマイナースケールの1、2、3、5度の概要なので、Cマイナーだと思うかもしれませんね。
そのメロディーの下にあるコードがこちらです。
Abmaj – Bbmaj – Cmin – Bbmaj/D / Abmaj – Bbmaj – Cmin – Bbmaj/D / Ebmaj – Ebmaj – Ebmaj
一見するとAbから始まるのでAbメジャーと思うかもしれませんが、AbメジャーならBbコードはメジャーではなくマイナーでなければならないとすぐに分かるでしょう、ダイヤトーンのメジャーコードの構造からしてです。
サビに入ると、Bbmaj – Ebmaj – Bbmaj – Eb majなど、紛れもなくEb majorのキーになるのです。 なぜか？ 音楽理論や歴史によると、進行がこのように、あるメジャーコードが5つ下の別のメジャーコードにつながるカデンツで動き、それが到着点のように聞こえる場合、それは5-1カデンツに違いなく、BbはEb majorの5番目のコード、EbはEb majorの1番目のコードです
なぜこんな話をするのでしょうか? 曲の中でキーが定まらない段階で、把握するのは大変だからです。 でも、徹底して、ミュージシャンが流暢に「音楽を語る」ために使う方法を説明するために、これを含めているんだ。
周りにコードやキーを教えてくれる人がいなくて、理論もそんなに知らないし、耳もまだそんなに発達していないから、自分でわからないとしたら、まあ……。 7707>
ピアノの前にいないときでも、聴覚的な理解と語彙を増やし続けることができます。 音楽を批判的に聴くことを始めましょう。 好きな曲のギターだけ、次にバッキングボーカルだけ、ドラムだけ、と聴いてみてください。 音楽のパートや楽器を分けて聴いてみる。 また、メロディーの構成に注目して聴いてみてください。ヴァースとコーラスを対比させてみてください。 この2つのセクションをメロディ的に異なるものにするために、シンガーは何をしているのでしょうか？ 何節、何コーラス、ブリッジはどこか、プリコーラスはあるか、イントロ/アウトロ/間奏はあるか、などです。 濃密な音のテクスチャを持つアーティストやバンドを選び、使用されているすべての異なる楽器や音を特定するか、少なくともそれらを選んでみてください（スティーリー・ダンはこれに適しています）。 ギター、ピアノ、ベース、キックドラムのパターン、バックボーカルなど、コーラスの楽器をすべて歌い直してみてください。 このような聴き方をすることで、より批判的な音楽の聴き方や音楽分析のための耳を、時間をかけて「調律」することができるようになります。 各楽器やセクションのピッチを合わせることができなくても、フレーズの「大まかな形」を歌うことだけでも役に立ちます。 7707>
音楽理論、特にキー、調号、キースケールの関係、コード、音階の階層、音程、時間、リズム、曲の構成用語について時間をかけて学び、音楽の文脈の基礎を身につけ、その後のすべての学習をそこに置くことができるようにします。 優れたミュージシャンは、自分の演奏が、理論的、聴覚的、そして様式的に、曲の幅広い音楽的文脈にどのように適合しているかを理解しているのです。
USER EXAMPLE
何人かの Redditor が、「ビート」（コンピューターまたはテクノロジーの助けを借りて作曲した、器楽のための現代のスラング）の上にボーカルを録音しようとしたら、間違ったキーで歌っていると言われた、曲を書いたがボーカル メロが器楽と一致しない、あるいは、録音スタジオに入ってメロディからずっとずれている、と投稿するのを目にしたことがあります。 このような場合、どうすればいいのか、いくつかの異なるアプローチがありますので、ここでご説明しようと思います。
例 1 – レコーディング スタジオに入ったが、キーやピッチから外れてばかりいる。 プロ/プロ予備軍としてスタジオに入る前に、理論的な知識、強い耳、音楽の学習と保持のスキル、そして自分が歌っているものについての徹底した真の理解と知識など、自分のスキルセットを構築する必要があります。 もしあなたがそれを知っているかどうか確信が持てないのであれば、おそらくあなたはそれを知らないのです。 自分がそれを知っていることを知る必要があるのです 😉 例えば、あなたが歌うべきメロディとリズムのコンセプトを聞き、理解し、解釈し、音楽用語に置き換えることができ、推測や検索や手探りをせずに毎回正確に実行することができます。 音楽家として成長する過程で、ぜひ録音を試してみてください。 スタジオのスキルは重要です。 でも、気づかないうちにキーがずれてしまう可能性があるのなら、プロとして、あるいはプロになる前の段階でスタジオに入る準備ができていないのです。
例2 – 楽器のキーを間違えて歌っていると言われた。 特にプロデューサーが教えてくれない場合（音楽制作/ビートメーカー/ベッドルームプロデューサーの今日&時代には残念ながらよくあることです）、あなたは自分が歌うべきキー/調性/スケールを教えてくれる音楽の手がかりを聞き、解釈できるように理論的知識と聴覚スキルを開発する必要があります。
例 3 – あなたがギターでコードを書き、あなたの歌詞につけたメロディは一致しないようです。 この場合も、耳と理論的な知識を向上させることが大きなポイントになります。 まず、自分が弾いているコードが何なのか、そしてそのコードを構成している音は何なのかを知ることから始めましょう。 次に、複数のコードの音をすべて音階順に書き出し、メジャー・スケールのパターンが見出せるかどうか確認します。 次に、あなたが歌おうとしている音を書き出して、コードから引き出した音のコレクションと衝突する奇妙な音があるかどうかを確認します。 例えば、あなたのメロディにはBナチュラルが含まれていますが、あなたのコードのいくつかにはBフラットが含まれています。 常にコードに従いましょう。 ボーカルのメロディーを変更しなければならないかもしれません。
最後に、私がどのような人間で、これらのスキルをどのように応用しているかについて、少しお話します：
私はサックス演奏（ジャズ）の修士号を持っていますが、その前に高校でクラシックピアノを学びました。 子供の頃、耳は良かったのですが、このようなことは関係なく、語彙と応用力を身につけなければなりませんでした。 だから、まずはピアノの先生から、そして大学では音楽理論、ソルフェージュ、オーラルスキル（そう、ソルフェージュのための授業があったのです）など、音楽の基礎となる科目で学びました。 年前に大都市に引っ越し、現在はボーカリスト、サックス奏者、キーボード奏者として、自分のオリジナルのネオソウル音楽（ソロ&バンド付き）、モータウン/R&Bカバーバンド、スイングバンド、その他のオリジナルプロジェクト、バーや結婚式でのソロ演奏などで生活の一部を支えています。興味があれば www.shannonchapman.ca )
私はたくさんの音楽を早く覚えなければならないし、たくさんの角度から音楽にアプローチできなければならない。曲を学んだり、歌ったり、書いたりしているときは、同時にたくさんの知識を使っています。 このバックのハーモニーは、前のセクションの最後にリードボーカルが去ったところからマイナーサードで始まる」、「このメロディはコードの5番で始まる」、「このメロディは異なるマイナー3番が3つ並んでいるので厄介だ」、「メロディはブリッジで6番目に上がる」、「ヴァースでは私はAである上のハーモニーなので私のピアノパートでそれが聞こえる、しかしコーラスでは私は下のハーモニーだ」などなどです。 などなど。 たくさんの知識が一緒になって、もはや努力する必要もなく、自分のボキャブラリーの一部になっているのです。 そして、どんな言語も学ぶように、最初は基礎から始める必要があります。
こうして始めることができるのです！
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