Alai

De Italiaanse kunst, die enkele van ’s werelds beroemdste kunstwerken en architectonische werken omvat, heeft lange tijd centraal gestaan in de wereldgeschiedenis. De culturele vooruitgang en uitwisseling van de volkse “laars” is door de eeuwen heen consequent gebleven, wat heeft geleid tot een voortdurende produktie van monumentale en spectaculaire werken op alle gebieden van cultuur en kunst. Van de klassieke tijden en de oude volkeren die de eerste beschaving op het Apennijnse schiereiland hadden gevormd, het grote Romeinse Rijk als het belangrijkste culturele, politieke en religieuze centrum van de westerse wereld, tot de glorieuze perioden van de Renaissance en de Barok, zonder welke wij ons kunst gewoonweg niet kunnen voorstellen, en de cruciale Italiaanse avant-garde bewegingen van de afgelopen eeuw, vertegenwoordigt de Italiaanse kunst een van de grootste schatten van de mensheid. Haar kunstenaars, musea, galeries en stromingen zijn altijd nauw verbonden geweest met de intellectuele en religieuze stromingen, weerspiegelen de opvattingen van hun tijd en geven vorm aan een uitzonderlijke, onuitputtelijke erfenis. Als land waar het leven zelf als kunst wordt beschouwd, blijft Italië bijdragen aan de diversiteit en verrijking van zijn eigen cultuur en die van de wereld, en viert het de overvloed en betekenis van zijn traditie.

Het prille begin – Romeinse en Etruskische kunst

De centrale rol in de Italiaanse kunstgeschiedenis is altijd gespeeld door Rome, te beginnen met de 9e eeuw v.Chr. en de Etruskische kunsten. Tegen de tijd dat de hoofdstad het keizerrijk op het Apennijnse schiereiland begon op te bouwen, waren hun bronzen figuren, terracotta reliëfs, schilderijen en fresco’s sterk aanwezig, waarmee zij een strenge norm in stijl en techniek stelden die in de eeuwen daarna navolging zou vinden. De Etruskische fresco’s, gevonden op grafmuren, worden nog steeds beschouwd als de belangrijkste voorbeelden van pre-Romeinse figuratieve schilderingen die bij de geleerden bekend zijn. Deze werden gemaakt van vers gips en natuurlijke kleuren, meestal afkomstig van stenen en mineralen en aangebracht met penselen van dierlijk haar. Deze werken beeldden meestal alledaagse taferelen en traditionele mythologische scènes uit. In het midden van de 4e eeuw begon men de beroemde techniek van het clair-obscur te gebruiken, om volume en diepte af te beelden.

De Etrusken hadden later ook een grote invloed op de Romeinse architectuur, die een van de ruggengraat vormde van het grote rijk dat in de 1e eeuw n. Chr. tot stand kwam. Met de beschaving kwamen cultuur en kunst, waarbij Rome de meest geavanceerde stad ter wereld werd. Kunstwerken werden het symbool van rijkdom en overvloed, met muurschilderingen die de huizen versierden en beeldhouwwerken die in elke hoek van het huis en de tuin werden geplaatst. De Romeinen versierden ook vloeren met mozaïeken, die gewoonlijk gebeurtenissen uit de Griekse en Romeinse mythologie of historische alledaagse scènes toonden. Onder invloed van Oosterse kunst en religie, met name het Byzantijnse rijk en de hoofdstad Constantinopel, werden in de Romeinse kunst christelijke motieven verwerkt en werd de productie van muurschilderingen, mozaïekplafond- en vloerwerk, alsmede funeraire beeldhouwkunst verbeterd.

De trend zette zich voort in de Middeleeuwen, waarbij de Byzantijnse kunst in Italië zich ontwikkelde tot een zeer formele en verfijnde decoratie met gestandaardiseerde kalligrafie en een bewonderenswaardig gebruik van goud en kleur. De kunst in Italië was op dat moment vrij regionaal, met invloeden van externe Europese en Oosterse stromingen. Een andere belangrijke stijl was de gotiek, die de overgang markeerde van de middeleeuwen naar de renaissance. Tijdens de godsdiensttwisten binnen de kerk wilden de franciscaanse monnikenordes de katholieke kerk terugbrengen naar de basis, en introduceerden zij de gotische architectuur eerst in Noord-Europa en vervolgens zuidwaarts, richting Italië.

Renaissance kunst in Italië

De Renaissance, ongetwijfeld de beroemdste periode in de geschiedenis van de Italiaanse kunst, markeerde de periode tussen het einde van de 13e en het einde van de 16e eeuw. Het begon met schilders en beeldhouwers die hun werken een spirituele kwaliteit wilden geven en een diepe religieuze betekenis wilden oproepen. Tegelijkertijd wilden zij de mensen en de natuur realistisch afbeelden. Dit weerspiegelde zich ook in de architectuur van de Renaissance, waar architecten reusachtige kathedralen ontwierpen om de grootsheid van God te benadrukken en de menselijke geest te vernederen. De kunstenaars van Renaissance-Italië waren vaak verbonden aan bepaalde hoven en waren slechts trouw aan bepaalde steden, maar toch toonden hun kunstwerken heel Italië en verspreidden zij artistieke en filosofische ideeën. De geboorteplaats van de Renaissance is zeker de stad Florence in Toscane, die zelfs vandaag nog enkele van de belangrijkste werken uit de vier perioden herbergt en waar zich de beroemdste musea en galerijen ter wereld bevinden.

In feite werden de Proto-Renaissance (1300-1400), de Vroege Renaissance (1400-1475), de Hoge Renaissance (1475-1525), en het Maniërisme (1525-1600) verdeeld tussen de kunstenaars die elk van deze perioden belichtten. Het begin werd gemarkeerd door de beroemde schilder Giotto, die de eerste kunstenaar was die de natuur realistisch afbeeldde sinds de val van het Romeinse Rijk. Zijn prachtige fresco’s, gevuld met emoties van vreugde, woede, wanhoop, schaamte, wrok en liefde, zijn nog steeds te vinden in kerken in Assisi, Florence, Padua, en Rome. Tussen Giotto en de drie meesters die de kunst van het einde van de 15e en het begin van de 16e eeuw gingen domineren, hebben we Taddeo Gaddi, Orcagna, Altichiero, Masaccio, Donatello, Paolo Uccello, Andrea Mantegna en vele anderen.

Kunstwerken van de Italiaanse Renaissance – Geschiedenis van de kunst in Italië

De werken van Michelangelo, Rafaël en da Vinci uit de Hoog-Renaissance

De periode van de Hoog-Renaissance, van het einde van de 15e tot het begin van de 16e eeuw, was een van de belangrijkste tijden in de hele geschiedenis van de kunst en het helderste moment van de Italiaanse, zeker dankzij de genialiteit van drie mannen: Michelangelo, Rafaël en Leonardo da Vinci. Michelangelo, uitgeroepen tot de grootste beeldhouwer uit de geschiedenis, was een meester in het uitbeelden van de menselijke figuur, waarbij hij een overweldigende indruk gaf van fysieke en spirituele kracht. Zijn opmerkelijke fresco op het plafond van de Sixtijnse Kapel in het Vaticaan, geschilderd van 1508 tot 1512, geldt als een van de grootste kunstwerken uit de Renaissance. Aan de andere kant was Rafaëls kunst meer poëtisch, omdat hij bedreven was in het creëren van perspectief en het gebruik van delicate kleuren. Hij is bekend om de vele schilderijen van de Maagd Maria en veel van zijn werken werden beïnvloed door klassieke Griekse en Romeinse modellen.

Na de fresco’s van de Sixtijnse Kapel op de lijst van de beroemdste werken van de Italiaanse renaissancekunst staan Leonardo da Vinci’s Het Laatste Avondmaal en het portret van Mona Lisa, waarmee hij onbetwist de grootste geest van zijn tijd en daarna wordt. Als symbool van de Renaissance geest van leren en intellectuele nieuwsgierigheid, was da Vinci een groot talent op zo veel verschillende gebieden die leerde door naar dingen te kijken. Zijn studies van licht, anatomie, landschap en menselijke uitdrukkingen zijn nog steeds ongeëvenaard door enig andere kunstenaar in de wereld.

Inleiding tot de Italiaanse moderne en hedendaagse kunst

Tussen de renaissance en de moderne tijd evolueerde de Italiaanse kunst in stijl, via de elegantie van het maniërisme, de stormachtige clair-obscur barok van Caravaggio en Bernini, de rococo-tendensen van Tiepolo, Canaletto en Bellotto, en de neoklassieke werken van Canova en Hayez, tussen de 17e en de 19e eeuw. Met de komst van de 20e eeuw sloten Italië en zijn kunstenaars zich ook aan bij het concept van de avant-garde bewegingen, steunend op de rijke erfenis van hun voorgangers. Met belangrijke ontwikkelingen in de schilder- en beeldhouwkunst werd Italië ook de hotspot voor design, vooral tegen het einde van het millennium, dat invloedrijke ontwerpers voortbracht met hun fantasierijke en ingenieuze functionele werken.

Futurisme – Futurismo

Tussen 1909 en 1916 sloot Italië zich aan bij de Europese bewegingen die op alle terreinen van het leven de banden met het verleden wilden verbreken. Het begon met het Futuristisch Manifest, bedacht door de Italiaanse schrijver Filippo Tommaso Marinetti, waarin de Futuristische verheerlijking van kracht, snelheid en opwinding tot uitdrukking kwam, en de afkeuring van alles wat oud was, met name de politieke en artistieke traditie. Hun kunstwerken vierden de technologische triomf en het machinetijdperk over de natuur, en toonden vaak de auto, het vliegtuig, de industriële stad. De stijl van de futuristische kunstenaars werd gekenmerkt door overlappende kleurfragmenten en meervoudige beeldtaal, druipend van energie en de hectische sfeer van de moderne tijd oproepend. De werken omvatten een verscheidenheid aan media, waaronder schilderkunst, beeldhouwkunst, grafische en industriële vormgeving, keramiek, film en theater, mode en textiel, literatuur, muziek, architectuur en zelfs gastronomie, waarbij inspiratie werd geput uit het Divisionisme en het Kubisme. De futuristische ideeën werden in de beeldende kunst toegepast door een groep jonge schilders uit Milaan, waaronder Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla, en Gino Severini. Boccioni werkte ook met beeldhouwwerken, en maakte in 1913 de Unieke Vormen van Continuïteit in de Ruimte, die symbool stond voor figuren die zich met grote snelheid door de ruimte bewogen.

Metafysische kunst – Pittura Metafisica

Met het werk van Carlo Carrà en Giorgio de Chirico in Ferrara, kwam de metafysische kunst, in het Italiaans pittura metafisica, tot een definitie van een droomachtige schilderkunst van pleinen die typisch zijn voor geïdealiseerde Italiaanse steden. In deze werken lijken figuren en voorwerpen bevroren in de tijd, zich bevindend in vreemde, onlogische contexten, de onwerkelijke lichten en kleuren, het onnatuurlijke perspectief. Omschreven als “schilderijen die niet gezien kunnen worden”, zijn deze werken te herkennen als de producten van de onbewuste geest, voorbij de logica of de fysieke werkelijkheid – vandaar de naam “metafysisch”. De school die de Chirico en Carrà oprichtten, gaf, hoewel van korte duur, een belangrijke impuls aan de ontwikkeling van bewegingen als Dada en Surrealisme.

Novecento Italiano

De in 1922 in Milaan opgerichte Novecento Italiano was een beweging die de Italiaanse kunst wilde vernieuwen door de Europese avant-garde bewegingen te verwerpen en was gebaseerd op de retoriek van het Fascisme van Mussolini. Opgericht door critica Margherita Sarfatti en beoefend door zeven kunstenaars, waaronder Anselmo Bucci, Leonardo Dudreville, Achille Funi, Gian Emilio Malerba, Piero Marussig, Ubaldo Oppi en Mario Sironi, keerde het initiatief terug naar de grote Italiaanse representatieve kunst uit het verleden, in het bijzonder de Quattrocento (de jaren 1400) en Cinquecento (de jaren 1500). De kunstenaars van het Novecento (d.w.z. de jaren 1900) steunden het fascistische regime en hun werk werd geassocieerd met de staatspropaganda, met als doel de traditie van de historieschilderkunst op groot formaat op de klassieke manier te doen herleven. De beweging werd officieel gelanceerd in 1923 op een tentoonstelling in Milaan, met Mussolini als een van de sprekers, en duurde helemaal tot 1943.

Spatialisme – Spazialismo

Gemarkeerd door de doorgesneden en doorboorde schilderijen van Lucio Fontana, was het Spatialisme, of movimento spaziale in het Italiaans, de meest prominente beweging van de naoorlogse periode tussen 1947 en 1954. Het Spatialisme, dat werd opgevat als een nieuw soort kunst, wilde kleur, geluid, ruimte, beweging en tijd samenbrengen in kunstwerken en combineerde elementen van de Concrete kunst, Dada en Tachisme. Vooruitlopend op Fontana’s Manifesto Bianco (Wit Manifest) dat in 1946 in Buenos Aires werd gepubliceerd en werd gevolgd door nog vijf manifesten, trachtte de beweging kunst en wetenschap te verenigen om kleur en vorm in de reële ruimte te projecteren door het gebruik van moderne technieken zoals neonverlichting en televisie. Fontana’s werken, zoals de Black Spatial Environment uit 1947 en de met een scheermes doorgesneden doeken die in de jaren 1950 en 1960 ontstonden, beïnvloedden de omgevingskunst en waren de eersten die het idee van gesturale kunst en performance als cruciale onderdelen van de creatie propageerden.

Arte Povera

De gewaardeerde Italiaanse kunstcriticus Germano Celant bedacht de term Arte Povera in de jaren zestig en beschreef kunstwerken die aspecten van conceptuele kunst, minimalistische kunst en performancekunst combineerden om een radicale houding aan te nemen. Kunstenaars begonnen waarden van gevestigde instellingen in twijfel te trekken en uiteindelijk aan te vallen, en vroegen zich af of kunst als privé-uiting van een individu nog wel een ethisch bestaansrecht had. Celant, samen met sleutelfiguren die de beweging mee vorm gaven, zoals Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Jannis Kounellis, Mario Merz en Marisa Merz, Pino Pascali, Giuseppe Penone en Michelangelo Pistoletto, propageerde het idee van een revolutionaire kunst, vrij van conventie, de macht van de structuur en de markt. De naam “arte povera”, wat “verarmde kunst” betekent, is afgeleid van het gebruik van waardeloze of gewone materialen zoals aarde of krantenpapier, in de hoop de commercialisering van de kunst te ondermijnen.

Anti Design

Naast de belangrijkste stromingen van de Italiaanse kunst die de cultuur van het land in de 20e eeuw vorm gaven, speelde ook het design een belangrijke rol, dat bekendheid kreeg en uitgroeide tot een hoogtepunt van raffinement en klasse. Terwijl de ontwerpers aan het begin van de eeuw worstelden met het vinden van een evenwicht tussen klassieke elegantie en moderne creativiteit, waarbij zij stukken lieten ontstaan die leken op de Franse Art Deco-stijl, ontwikkelde het gebied zich in de jaren 1960 en 1970 tot de belangrijkste speler op het internationale toneel, vooral op het gebied van meubilair en binnenhuisarchitectuur. Tussen de jaren 1966 en 1980 was er echter Anti-Design, dat de nadruk legde op opvallende kleuren, schaalverdraaiing, ironie en kitsch. De beweging was een reactie tegen de perfectionistische esthetiek van het Modernisme, die begon met Ettore Sottsass Jr. Samen met Radical Design groepen zoals Archigram en Superstudio, drukten zij hun ideeën uit door de productie van meubelprototypes, tentoonstellingsstukken en de publicatie van manifesten die zelfs vandaag nog als revolutionair worden beschouwd. Ze omarmden de uniciteit boven massaproductie en hun ontwerpen waren eerder functioneel dan mooi bedoeld.

Transavangarde – Transavanguardia

De Italiaanse versie van het neo-expressionisme, Transavangarde, ook bekend als Transavanguardia, is een beweging die aan het eind van de jaren zeventig en in de jaren tachtig van de vorige eeuw door Italië en de rest van West-Europa trok. De term, die letterlijk “voorbij de avant-garde” betekent, werd bedacht door een andere bekende Italiaanse criticus, Achille Bonito Oliva, en symboliseerde de verwerping van het conceptuele en de terugkeer naar de emotie, vooral in schilder- en beeldhouwkunst. De kunstenaars, zoals Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Sandro Chia en Mimmo Paladino, lieten het symbolisme en de figuratieve schilderkunst herleven, evenals de mythische beeldtaal, herontdekt tijdens het hoogtepunt van de beweging.

Naar het nieuwe millennium – Arte Italiana Today

Zelfs vijfhonderd jaar na de Renaissance, die nog steeds als het hoogtepunt van de Italiaanse kunstgeschiedenis wordt beschouwd, is de plaats van het land op het internationale toneel ook vandaag de dag nog zeer belangrijk. De aanwezigheid van kunstenaars, critici, curatoren en invloedrijke personen getuigt van de vastberadenheid van Italië om zijn erfgoed te bewaren zonder de aandacht voor het heden en de toekomst te verliezen. Laten we niet vergeten dat de Biënnale van Venetië de eerste kunsttentoonstelling ter wereld was die opkwam voor de hedendaagse kunst en in 2015 haar 56e editie beleefde. Naast de historische musea en galeries verspreid over het hele land, zoals de Uffizi Gallery of de Pinacoteca di Brera, zijn steden als Florence, Milaan, Rome, Venetië en Turijn de thuisbasis van tal van instellingen en evenementen die een centrale rol spelen bij de ondersteuning en promotie van hedendaagse kunst in Italië en daarbuiten: Milaan’s Palazzo Reale en Museo del Novecento, Rome’s MACRO en MAXXI, Museo di Villa Croce in Genua, Punta della Dogana in Venetië, Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina in Napels, het Castello di Rivoli in Turijn… In het afgelopen decennium heeft Italië ook zijn kunstenaars en kunstwerken zien opkomen op de internationale kunstmarkt, verdeeld tussen de belangrijke figuren van de 20e eeuw en een groep nieuwe talenten die de tendensen van het millennium gaan bepalen. De kunstbeurs Artissima, de grootste van Italië, die nu al 23 jaar bestaat, en de talrijke particuliere en openbare kunstcollecties hebben zeker een grote bijdrage geleverd aan de ontwikkeling van deze individuen. Met een sterke inspiratie van het verleden lijkt de Italiaanse kunst onstuitbaar, wat ons geen reden geeft om eraan te twijfelen dat haar buitengewone erfenis niet tot ver in de toekomst zal worden voortgezet.

Tip van de redactie: Vrouwen in de Italiaanse renaissancekunst: Gender, representation, identity

Tussen ca. 1350 en ca. 1650 werd in Italiaanse stedelijke samenlevingen veel gedebatteerd over de aard, de rol, de opvoeding en het gedrag van vrouwen. Dit boek vult een leemte in de nog steeds groeiende literatuur over alle aspecten van het leven van vrouwen in deze periode. Aan de hand van een breed scala aan materiaal, waarvan het merendeel nooit eerder is vertaald, belicht dit boek de idealen en realiteiten die het leven van vrouwen binnen de context van de burgerlijke en hoofse cultuur in Italië tijdens de Renaissance bepaalden. De tekst is onderverdeeld in drie delen: hedendaagse opvattingen over de aard van de vrouw en ethische en esthetische idealen die bij haar passen; de levenscyclus van geboorte tot dood, onderbroken door de overgangsrituelen van verloving, huwelijk en weduwschap; de rol van de vrouw in het klooster, aan het hof, op het werk en in het culturele leven. Door hun onderzoek van deze thema’s tonen Mary Rogers en Paola Tinagli aan dat er niet één ‘Renaissancevrouw’ was. De ervaringen van vrouwen waren rijk en gevarieerd, en hun stemmen spreken over uiteenlopende mogelijkheden voor een emotioneel rijk en sociaal nuttig leven.

1. Nice, A. T., Rome, Ancient, World Book, 2011
2. Kitzinger, E., Byzantine art in the making: main lines of stylistic development in Mediterranean art, 3rd-7th century, Faber & Faber, 1977
3. Hartt, F., A History of Italian Renaissance Art, Thames and Hudson, 1970
4. Pope-Hennessy, J. W., Italian High Renaissance and Baroque sculpture, Phaidon Press, 1996
5. Hyland, D. K. S. Futurism, World Book, 2011
6. Formaggio D. et al., Il Novecento Italiano, 1923 – 1933 Gabriele Mazzotta, 1983
7. Parmesani, L., L’Arte del Secolo, Skira, 2003
8. Celant, G., Arte Povera: Histories and Protagonists, Electa, 1985

Featured images in slider: Michelangelo Pistoletto – Venus van de Lompen 1967, 1974. Afbeelding via Tate. Courtesy Castello di Rivoli; Francesco Clemente – Il cerchio di Milarepa (Milarepa’s Cirkel), 1982; Lucio Fontana – L’attesa. De kapotte telefoon, 1959-66. Afbeelding via Wikipedia; Mario Merz – Draaien de huizen om ons of draaien wij om de huizen?, Arte Povera 2011, Triennale, Milaan; Carlo Carrà – De Rode Ridder (1913), via pinterest com; Giorgio de Chirico – Melancholia, 1916, Afbeelding via Wikipedia; Maurizio Cattelan – Het Negende Uur, 1999, Afbeelding via Wikipedia. Alle afbeeldingen dienen slechts ter illustratie.