EDITS MAY OCCUR, stupid numbers and formatting on Reddit as well as more info and detail
I have seen and responded to so many posts on this sub recently asking about „singing on pitch” that I thought I would break down what that means, and how to improve it along with other „auxiliary music skills”. Podchodzę do tego artykułu z teoretycznej, akademickiej perspektywy, ale twoja technika może również wpłynąć na twoją wysokość dźwięku, więc upewnij się, że sparujesz tę poradę z solidnym fundamentem techniki wokalnej, aby dać sobie najlepszą szansę na sukces.
Przede wszystkim, co „on/off pitch” i „in/out of/off key” nawet oznacza?
W kontekście śpiewu, nuta/dźwięk to dana nuta (w zasadzie częstotliwość wibracji), którą piosenkarz próbuje osiągnąć. Instrument z przyciskiem, kluczem lub struną może palcować tę nutę i uzyskać dokładnie tę wysokość, ponieważ tak właśnie został zaprojektowany. Jednak ludzki głos jest elastyczny, jak gumka recepturka, i jest w stanie śpiewać dźwięki lub częstotliwości, które przesuwają się pomiędzy standardowym zbiorem nut/dźwięków, które tworzą zachodnią tonalność muzyki. Inne instrumenty, które mogą przesuwać się pomiędzy dźwiękami to puzon i skrzypce. Oznacza to, że ludzki głos jest w stanie zaśpiewać prawie każdą nutę, albo nieco poniżej danej wysokości dźwięku (nazywamy to „śpiewaniem płaskim”), albo nieco powyżej danej wysokości dźwięku (nazywamy to „śpiewaniem ostrym”), ale NIE NA tyle, by być NAJNOWSZĄ DOSTĘPNĄ nutą w naszym systemie tonalności. Rezultatem śpiewania wysokości dźwięku nieco powyżej lub poniżej, jest to, że brzmi on zwiotczały, leniwy, dysonansowy (termin muzyczny określający ścierny lub nieatrakcyjny dźwięk muzyczny) lub po prostu „źle”. Śpiewacy w końcu nauczyć się, co każdy indywidualny skok czuje się jak tworzyć w swoim ciele, które pozwala im śpiewać z taką samą dokładnością jak trąbka lub cokolwiek innego.
W odniesieniu do naszego systemu notacji i teorii, nuty na instrumencie lub stronie mogą być również nazywane „ostrymi” lub „płaskimi”, ale to odnosi się do tych symboli ♯ i ♭, które odnoszą się do obniżenia pisanej wysokości dźwięku o półton.
W/w z/ poza kluczem jest trochę bardziej skomplikowane. W zachodniej tonalności, mamy 12 różnych dźwięków, każdy oddzielony od następnego przez muzyczną odległość zwaną „półtonem”. Tutaj jest artykuł o tych 12 dźwiękach, ułożonych w sposób wznoszący w „skalę chromatyczną”. Nie musisz wiedzieć wiele o skali chromatycznej, ale nagłówek artykułu ładnie ilustruje te 12 dźwięków, powiązanych półtonami: https://en.wikipedia.org/wiki/Chromatic_scale Te 12 dźwięków następnie powtarza się w kółko, ale na wyższych częstotliwościach. Jak gdybyś grał każdą białą i czarną nutę w kolejności na fortepianie zaczynając od C, po 12 nutach dotarłbyś z powrotem do innego C, ale wyżej. Możemy to nazwać „wyższym rejestrem” fortepianu.
Klucz jest w zasadzie zbiorem 7 z tych dźwięków związanych ze sobą w bardzo specyficzny sposób, z których każdy pełni funkcję w kluczu, który, gdy jest używany w utworze muzycznym, powoduje uczucie „domu” w kluczu. Nuty spoza tonacji brzmią „źle”, jakby nie pasowały, ponieważ nie spełniają swojej funkcji w szerszym obrazie tonacji. Każda tonacja w muzyce ma odpowiadającą jej skalę durową, która składa się z 7 nut wznoszących się w określonej kolejności. Jeśli zaczniesz skalę majorową od C, użyjesz innego zbioru dźwięków niż jeśli zaczniesz skalę majorową od Bb, jednak będą one zbudowane w ten sam sposób. Tutaj jest artykuł o tym jak skale durowe są zbudowane i jak odnoszą się do kluczy: https://en.wikipedia.org/wiki/Major_scale Zauważ, że te 7 dźwięków również powtarza swój wzór w kółko, ale w wyższych lub niższych rejestrach. Jeśli są to te same nuty, tylko wyżej na fortepianie, są to wciąż te same nuty w obrębie klucza.
Więc, melodia do piosenki jest napisana przy użyciu określonej kolekcji dźwięków, które mają określoną rolę i funkcję w centrum tonalnym klucza piosenka jest napisana w. Melodia, powiedzmy „Twinkle Twinkle”, składa się z bardzo konkretnych dźwięków w danym kluczu. Te dźwięki są powiązane ze sobą w matematyczny i muzyczny sposób, i niezależnie od tego, od której nuty zaczynasz, musisz podtrzymać te muzyczne/matematyczne relacje. Możesz śpiewać „Twinkle Twinkle” w dowolnej tonacji (lub zaczynając od dowolnej wysokości dźwięku), ale musisz sprawić, aby muzyczne relacje były spójne dla każdej tonacji i nie możesz być pewien, że tylko dlatego, że idziesz w górę, kiedy melodia idzie w górę, że idziesz w górę do właściwej nuty. Pozwól mi wizualizować przykład dla Ciebie za pomocą liczb:
Wiemy, że melodia do Twinkle Twinkle idzie SAME, SAME, UP, SAME, UP, SAME, DOWN. Użyjemy tych liczb (które faktycznie coś znaczą w muzyce), i zobaczysz, że istnieje „muzyczna przestrzeń” pomiędzy docelowymi dźwiękami (w tym przypadku, liczbami pomiędzy).
1 – 1 – 5 – 5 – 6 – 6 – 5
Teraz, jeśli skończysz śpiewać coś w stylu 1 – 1 – 5 – 5 – 7 – 7 – 4, to już nie jest Twinkle Twinkle i dotarłeś do niewłaściwych nut melodii, mimo że poszedłeś w górę, kiedy nuty melodii miały iść w górę… nie poszedłeś w górę do właściwych nut. Przesadziłeś. Więc teraz śpiewasz złe nuty – nuty, które mogą nadal należeć do tonacji, ale nie są właściwymi nutami melodii, lub możesz śpiewać jedną z wielu nut, które leżą poza tonacją (pamiętaj, że klawisze składają się z 7 nut z możliwych 12) lub nawet poza sferą zachodniej tonalności.
Jeśli ktoś mówi, że śpiewasz poza kluczem, to w zasadzie ma na myśli, że albo śpiewasz każdą nutę trochę ostro lub płasko (często kombinacja obu), tak, że jesteś „prawie w prawo”, ale wystarczająco źle, że jest dysonans muzyczny, lub po prostu śpiewasz złe nuty (które mogą być nutami w kluczu, ale źle dla tego konkretnego momentu w melodii, nutami poza kluczem, lub jedną z tych „pomiędzy” nutami, o których wspomniałem na początku).
To często występuje, gdy piosenkarz ucho muzyczne nie jest wystarczająco rozwinięty, aby wchłonąć niektóre z wzorców i konwencji, które sprawiają, że większość muzyki, a ich muzyczne przypomnienie nie jest na tyle dobre, że mogą usłyszeć melodię, a następnie zapamiętać wszystkie te docelowe dźwięki, tak jak były one odtwarzane lub śpiewane, mogą po prostu pamiętać, że melodia idzie w górę tu i tam w dół. To odbieganie od zalecanych dźwięków, w połączeniu z niezdolnością nowego śpiewaka do technicznej kontroli głosu do punktu, w którym kończy się śpiewać wysokość, którą zamierzają bez przesuwania się do niego, wahania lub błądzenia, powoduje śpiewanie off pitch. Jest mało prawdopodobne, że piosenkarz jest tylko ostry lub płaski – jest to bardziej prawdopodobne, kombinacja ostry, płaski, a najczęściej, po prostu WRONG.
Więc jak utrzymać się „na wysokości”/”w kluczu”?
Poprzez rozwijanie kombinacji praktycznych umiejętności i wiedzy teoretycznej, włączając w to podstawowe dopasowanie wysokości dźwięku, umiejętności krytycznego słuchania, przypominanie sobie muzyki, śpiewanie muzycznych wzorców, w połączeniu z nauką teorii muzyki i terminologii, aby zapewnić kontekst dla tego nad czym pracujesz. Wielu muzyków jednocześnie uczy się Solfege, który jest systemem wiercenia relacji muzycznych na pamięć, używając systemu sylab „Do Re Mi Fa Sol La Ti Do”, który jest przydatny ze względu na jego zdolność do zastosowania w każdym kluczu, gdy podstawowy proces zapamiętywania jest zakończony.
Gdzie zacząć? Zacznij od „na boisku”, zanim przejdziesz do „w kluczu”.
OPCJONALNIE dostać piano-savvy przyjaciela, aby przetestować cię na niektórych prostych „czy ta nuta jest wyższa lub niższa niż ostatnia?” „Czy to są dwie nuty czy jedna?” „Czy te dwie nuty są blisko siebie czy daleko od siebie?”, aby twoje uszy zaczęły pracować.
1. Usiądź przy fortepianie. ODŁÓŻ APLIKACJĘ PITCH. Aplikacja może tylko powiedzieć ci, do jakiej wysokości dźwięku jesteś najbliżej, ale nie może odgadnąć twojej INTENDED PITCH. Aplikacja nie może odgadnąć kontekstu muzycznego, w którym śpiewasz. Aplikacja pokaże Ci z przesadną szczegółowością każdą małą fluktuację i poślizg Twojego głosu. WYŁĄCZ aplikację, a włącz słuch 🙂
a) Zagraj nutę, powiedzmy, Middle C, lub jakąkolwiek nutę, która jest wygodna do nucenia lub śpiewania na „Daah”. Zagraj ją i posłuchaj jej. Usłysz tę nutę w swoim umyśle. Wizualizuj. Wyobraź sobie, że śpiewasz tę nutę swoim własnym głosem (to się nazywa „słuchanie”). Kiedy robisz wdech, aby śpiewać, rób to tak, jakbyś robił wdech, aby zaśpiewać tę właśnie nutę. Następnie zaśpiewaj. I kiedy śpiewasz, UTRZYMAJ NUTĘ! Zwróć uwagę na to, gdzie Twoja nuta jest w porównaniu z nutą, którą grałeś. Czy są one szalenie różne, czy tylko nieznacznie się różnią?
Jeśli to jest szalenie różne, słuchaj uważnie, aby określić, czy śpiewasz wyżej lub niżej niż nuta docelowa. Następnie SLOWLY przesuwaj się wokół / spróbuj kilku różnych nut, ale podczas „poszukiwania”, zwróć uwagę na to, czy zbliżasz się lub oddalasz, nie tylko chodź dookoła losowo i miej nadzieję na najlepsze. Jeśli jesteś w stanie poprawić, aby dopasować nutę, którą grasz, zwróć uwagę na to, jak ta nowa, poprawna nuta brzmi na tle tej, którą grasz, i jak to się czuje w twoim ciele podczas śpiewania. Przestań grać/śpiewać i spróbuj ponownie, tym razem próbując odtworzyć to uczucie w swoim ciele przy pierwszej próbie dla lepszej dokładności.
Jeśli to tylko brzmi trochę dziwnie, możesz być po prostu trochę ostry lub płaski do notatki, do której dążysz. Dwa dźwięki, które są bardzo blisko w częstotliwości będą tworzyć konkurencyjne wibracje w powietrzu, co spowoduje odczuwalną serię impulsów w powietrzu. Dwa bliskie dźwięki, które różnią się o większy procent, stworzą szybkie impulsy. Im bardziej zbliżają się one do siebie, tym wolniejsze stają się impulsy. W końcu oba dźwięki zostaną dopasowane w taki sposób, że trudno będzie oddzielić dwa głosy (Ciebie i fortepian, lub flet i trąbkę) od siebie i będą brzmiały jak jeden głos. Tylko ten krok, sprawdzenie siebie w kwestii dopasowywania wysokości dźwięku przy użyciu różnych dźwięków na fortepianie, może zająć Ci tygodnie lub miesiące. Bądź cierpliwy! Zwróć uwagę na to, co się dzieje i skup się na tych odczuciach w swoim ciele. Śledź swoje postępy. Zauważ, czy zawsze celujesz za nisko, czy za wysoko. Nie przejmuj się zbytnio barwą głosu, po prostu staraj się śpiewać z rozsądną głośnością i rejestrem, aby się nie zmęczyć. Zacznij w swoim naturalnym zakresie mówienia.
To jest koniec podstawowego, pojedynczego pitch-matching, ale jest o wiele więcej do poprawy twojego ucha i ogólnej muzykalności. Jeśli jesteś zainteresowany dowiedzeniem się więcej o tym, jak muzycy ćwiczą i wyostrzają swoje umiejętności słuchowe, czytaj dalej…
2. Kiedy już będziesz mógł z powodzeniem dopasować dowolną wysokość dźwięku w swoim wygodnym zakresie bez przesuwania się w górę lub w dół, będziesz musiał nauczyć się trochę o notacji i interwałach, abyś mógł kontynuować granie coraz trudniejszych rzeczy na pianinie w celu kierowania swoją praktyką. NIE ZAJDZIESZ DALEKO W ŚPIEWIE LUB KSZTAŁCENIU SŁUCHU BEZ PEWNEJ FUNKCJONALNEJ ZNAJOMOŚCI FORTEPIANU. Musisz być w stanie grać i słyszeć KONKRETNE PRZYKŁADY MUZYCZNE. Zapoznaj się z notacją, accidentals, strukturą skali durowej, hierarchią stopni skali durowej, półtonami i interwałami. Ćwicz obchodzenie ich na fortepianie.
a) Przejdź do grania interwałów: dwie nuty po kolei na fortepianie, zarówno wznoszące się, jak i opadające, a następnie śpiewanie z powrotem obu dźwięków (później przejdź do grania obu nut jednocześnie i próbowania śpiewania nut z powrotem indywidualnie). Zachowaj tę samą ostrożność, którą zachowałeś w pierwszym przykładzie dopasowywania wysokości dźwięku. Na początku możesz wybierać nuty arbitralnie tak długo, jak długo są one w twoim zakresie, ale wkrótce powinieneś także wyuczyć się nazwy każdego interwału muzycznego. Jeśli potrafisz policzyć, ile półtonów dzieli dwie nuty i sprawdzić, czy są gdzieś zapisane, możesz ćwiczyć swoje interwały. Oto artykuł: https://en.wikipedia.org/wiki/Interval_(music) . Więc jeśli potrafisz zaśpiewać dwie nuty, „Daaa daaa”, sprawdź jaki to interwał i zaśpiewaj go ponownie używając nazwy interwału jako sylaby. „Daaa daaa, Major 3rd”.
b) Kiedy już potrafisz zaśpiewać dwie nuty po kolei, w tym dwie nuty, które były grane jednocześnie na pianinie, zacznij wiercić rozpoznawanie różnych interwałów. Na tym etapie pomocny jest przyjaciel znający się na pianinie, ponieważ może on zagrać dla Ciebie przykłady do zidentyfikowania, ale powinieneś być w stanie znaleźć i zagrać wszystkie interwały zaczynające się od dowolnej nuty na pianinie. Muzycy stosują różnego rodzaju sztuczki do identyfikacji interwałów – Perfect 4th przypomina im początek danej piosenki, Major 3rd to pierwsza i trzecia nuta w skali majorowej, a Minor 3rd schodząca to dzwonek do drzwi z dzieciństwa, czy cokolwiek innego. Na tym etapie powinieneś zacząć od skontrastowania tylko 2 interwałów, granych na całym fortepianie, aby Twoje ucho nie było przytłoczone. Zacznij na przykład od identyfikacji tylko pomiędzy 3-cią wielką i 4-tą doskonałą. Następnie dodaj 3. małą, itd. itd. itd. Buduj na tym, co wiesz i postępuj tylko wtedy, gdy pierwszy mały krok jest całkowicie w twoim zasięgu.
c) Gdy możesz IDENTYFIKACJI, SING BACK i RECALL interwałów w pamięci muzycznej, postęp na śpiewanie z powrotem konkretnych interwałów powyżej i poniżej, przy użyciu tylko jednej nuty jako odniesienie, przy użyciu sztuczek i ćwiczeń zapamiętanych wcześniej. Ponownie, zacznij od tylko dwóch do kontrastu, i budować stamtąd. Jak w, grasz notatkę na fortepianie i zdecydować się śpiewać „Perfect 5th w górę”, „Minor 3rd w dół”, itp. Sprawdź się przeciwko fortepianu za każdym razem, lub zaciągnąć kumpla do quiz you.
WHY ARE INTERWAŁY SO IMPORTANT? Ponieważ są one jednym z elementów konstrukcyjnych melodii! I po prostu muzyka w ogóle. Jeśli jesteś w stanie osiągnąć te małe koncepcje muzyczne z sukcesem, wtedy będziesz w stanie śpiewać w kontekście piosenki z większą dokładnością i zrozumieniem, ponieważ będziesz „przywiązany do czegoś”, a nie bez celu śpiewać / unosić się „nad muzyką”. Innymi elementami składowymi są skale lub części skal, których jest wiele odmian i zmian, jak również akordy, które mogą być śpiewane od dołu do góry po jednej nucie na raz, które również mają wiele rodzajów i jakości. Co prowadzi mnie do…
3. POWTÓRZ WSZYSTKO POWYŻEJ, ALE Z RODZAJAMI SKALI I CHÓRÓW. Przynajmniej skale moll/major i triady moll/major. Naucz się, które nuty należą do jakich trójdźwięków dur/moll. To są kolejne elementy składowe muzyki 🙂
4. Jeśli chcesz, poczytaj o Solfege, która jest metodą uczenia się wysokości dźwięku i sight-sing, używając sylab, które są przypisane do skali, uczone na pamięć, i mogą być zastosowane do każdej tonacji. Jest to zbyt głęboki temat, by go tutaj poruszać, a ponadto toczy się debata na temat tego, która metoda Solfege jest najbardziej efektywna, więc możesz się w nią zagłębić tutaj: https://en.wikipedia.org/wiki/Solf%C3%A8ge Uczyłem się go w szkole, ale wolałem używać teorii i mojego ucha do nauki muzyki, więc myślałem, że klasa była trochę stratą czasu. Ale wielu moich rówieśników uznało ją za naprawdę przydatną i nadal jej używają do dziś.
WHAT „IN KEY” REALLY MEANS AND IMPLIES
The TL;DR of „in key” essentially means that you are staying within the predetermined pitches of a piece of music, as decided by the constructs of music theory & style. Ok, świetnie. Więc skąd wiesz, jaka powinna być tonacja?
Zrób szybką teoretyczną analizę melodii i harmonii piosenki.
W melodii (która jest zasadniczo nutami pochodzącymi z danej skali), twoje wskazówki będą tam, gdzie leżą całe kroki i półkroki. Odwołaj się do artykułu o skalach durowych: https://en.wikipedia.org/wiki/Major_scale i wypisz wszystkie nuty swojej melodii, i ułóż je w kolejności skali. Pamiętaj, że skala durowa ma dwa półkroki – pomiędzy 3 i 4 stopniem skali, oraz pomiędzy 7 i oktawą stopnia skali. Jeśli Twoja melodia w pełni wykorzystuje całą skalę durową, to powinieneś być w stanie połączyć dwa i dwa razem, aby określić prawdopodobną tonację. Jest to trudniejsze w przypadku muzyki pop, ponieważ wokale są często bardzo prostymi melodiami pentatonicznymi (pentatonika jest uproszczoną skalą, która przeskakuje niektóre nuty i nie zawiera półtonów https://en.wikipedia.org/wiki/Pentatonic_scale ), dlatego te nuty mogą należeć do wielu kluczy. W tym przypadku, musimy spojrzeć na harmonii piosenki.
Aby to zrobić, albo trzeba kogoś, aby powiedzieć ci akordy, znaleźć je napisane gdzieś, lub przepisać je samemu. Musisz także zrozumieć koncepcję triad zbudowanych na skalach, i jak one funkcjonują w teorii muzyki. Możesz również potrzebować wystarczającej wiedzy teoretycznej, aby być w stanie wypełnić puste miejsca w niektórych przypadkach.
Użyjmy przykładu progresji akordów do Every Little Thing She Does is Magic – The Police. Oto pierwszy tekst:
„Though I’ve tried before to tell her of the feelings I have for her in my heart”.
Nuty na to idą:
C – D – Eb – D – Eb – D – Eb – G / C – D – Eb – D – Eb – G / C – Eb – D – Bb
Możesz pomyśleć, że to jest c-moll, ponieważ nakreśla stopnie skali 1, 2, 3, i 5 skali c-moll.
Tutaj są akordy pod tą melodią:
Abmaj – Bbmaj – Cmin – Bbmaj/D / Abmaj – Bbmaj – Cmin – Bbmaj/D / Ebmaj – Ebmaj – Ebmaj
Na pierwszy rzut oka możesz pomyśleć, że jest to w Ab-dur, ponieważ zaczyna się na Ab, ale szybko zorientowałbyś się, że gdyby to było Ab-dur, akord Bb powinien być mollowy, a nie durowy, zgodnie z konstrukcją akordów diatonicznych durowych.
Jak tylko pojawi się refren, nie ma mowy o pomyłce – Bbmaj – Ebmaj – Bbmaj – Eb maj itd.
Niepodważalnie tonacja Eb-dur. Dlaczego? Teoria i historia muzyki mówi nam, że kiedy progresja porusza się w kadencji jak ta, jeden akord durowy prowadzący do innego akordu durowego o 5 poniżej, i brzmi to jak punkt dojścia, to musi to być kadencja 5-1, gdzie Bb jest 5 akordem Eb-dur, a Eb jest 1 akordem Eb-dur.
Dlaczego ci to mówię? To jest dużo do uchwycenia, jeśli jesteś na etapie, gdzie masz problemy z utrzymaniem się na klucz w piosence. Ale włączam to, aby być dokładnym i zilustrować metody, których muzycy używają, aby płynnie „mówić muzyką”.
Jeśli nie ma wokół ciebie nikogo, kto mógłby ci powiedzieć jakie są akordy lub tonacja, nie możesz sam tego rozgryźć, ponieważ nie znasz tak dużo teorii, a twoje ucho nie jest jeszcze tak rozwinięte, cóż… masz trochę pecha, na razie :), ale nadal możesz pracować nad rozwojem swojej muzykalności i umiejętności czytania i pisania, a także ćwiczyć podstawy umiejętności słuchowych.
Gdy nie jesteś przy fortepianie, możesz kontynuować poszerzanie swojego słuchowego zrozumienia i słownictwa. Zacznij słuchać muzyki krytycznie. To wymaga praktyki, aby uzyskać hang of zbyt – spróbuj słuchać tylko gitara w swojej ulubionej piosenki tylko, potem tylko backing wokal, potem tylko perkusja. Spróbuj oddzielić od siebie poszczególne części/instrumenty muzyczne. Posłuchaj jeszcze raz, ale zwróć uwagę na to, jak zbudowana jest melodia – skontrastuj zwrotkę i refren. Co robi wokalista, aby te dwie części różniły się melodycznie? Spróbuj posłuchać, jaka jest forma piosenki – ile jest wersów, refrenów, gdzie jest mostek, czy jest przedchór, intro/outro/interludium? Wybierz artystę lub zespół z gęstą strukturą dźwiękową i spróbuj zidentyfikować wszystkie różne instrumenty lub dźwięki, które zostały użyte, lub przynajmniej je wyłowić (Steely Dan jest do tego dobry). Spróbuj odśpiewać wszystkie instrumenty w refrenie – wszystkie gitary, pianina, basy, pattern bębna kopiącego, wszystkie wokale podkładowe. Ten rodzaj słuchania pomoże „dostroić” Twoje ucho do bardziej krytycznego słuchania muzyki i analizy muzycznej w miarę upływu czasu. Nawet jeśli nie jesteś w stanie dopasować wysokości dźwięku każdego instrumentu lub sekcji, nawet wyśpiewanie „ogólnego kształtu” frazy jest pomocne. Za każdym razem, gdy próbujesz wybrać melodię instrumentalną z ulubionej piosenki pop na fortepianie, na przykład, jesteś cementowania coraz więcej wiedzy muzycznej.
Spędzić czas nauki o teorii muzyki, w szczególności klucze, key signatures, klucz-skala relacje, akordy, hierarchia stopni skali, interwały, czas, rytm, terminologii struktury piosenki, tak, że masz fundament muzycznego kontekstu, w którym można umieścić wszystkie swoje dalsze uczenie się. Dobrzy muzycy rozumieją jak to co grają pasuje do szerszego kontekstu muzycznego utworu, teoretycznie, słuchowo i stylistycznie.
PrzyKŁAD UŻYTKOWNIKA
Widziałem kilka Redditors post, że próbowali nagrać niektóre wokale nad „beat” (współczesny slang dla muzyki instrumentalnej, zwykle skomponowane na komputerze lub z pomocą technologii) i powiedziano im, że śpiewają w złym kluczu, lub napisali piosenkę, ale melodia wokalu nie wydają się pasować do muzyki instrumentalnej, lub weszli do studia nagraniowego i utrzymywane dryfuje z melodii. Istnieje kilka różnych podejść do tego, co zrobić w takim scenariuszu, które postaram się wam tutaj wyjaśnić.
Przykład 1 – wchodzisz do studia nagraniowego ale ciągle dryfujesz poza kluczem/tonacją. Zanim wejdziesz do studia w jakimkolwiek profesjonalnym/przedprofesjonalnym charakterze, musisz zbudować swój zestaw umiejętności obejmujący wiedzę teoretyczną, silny słuch, umiejętności uczenia się muzyki i jej utrzymywania oraz dogłębne, prawdziwe zrozumienie i wiedzę o tym, CO ŚPIEWASZ. Jeśli nie jesteś pewien, czy to wiesz, to prawdopodobnie tego nie wiesz. Musisz WIEDZIEĆ, ŻE TO WIESZ 😉 Na przykład, możesz usłyszeć, zrozumieć, zinterpretować i przełożyć na słownictwo muzyczne melodyczne i rytmiczne koncepcje tego, co masz zaśpiewać, i wykonać je dokładnie za każdym razem bez zgadywania, szukania, czy wymyślania. Pozwól mi wyjaśnić – oczywiście eksperymentuj z nagrywaniem w trakcie swojego rozwoju jako muzyk. Umiejętności studyjne są ważne. Ale jeśli jest szansa, że będziesz dryfował poza kluczem nie zdając sobie z tego sprawy, nie jesteś gotowy, aby wejść do studia jako profesjonalista lub nawet preprofesjonalista.
Przykład 2 – ktoś mówi ci, że śpiewasz w złym kluczu do instrumentu. Musisz rozwinąć swoją wiedzę teoretyczną i umiejętności słuchowe, aby być w stanie słuchać i interpretować wskazówki w muzyce, która powie ci, jaki klucz / tonalność / skala powinieneś śpiewać, zwłaszcza jeśli producent nie może ci powiedzieć (co jest niestety dość powszechne w dzisiejszych czasach & wieku produkcji muzycznej / beatmakers / producentówbedroom).
Przykład 3 – napisałeś kilka akordów na gitarze, a melodia, którą umieścić do tekstu nie wydaje się pasować. Ponownie, to jest w dużej mierze w dół do poprawy ucha i wiedzy teoretycznej. Zacznij od nauki, jakie są akordy, które grasz ORAZ jakie nuty składają się na wszystkie akordy. Następnie zapisz wszystkie te nuty z wielu akordów w kolejności skali i zobacz, czy możesz dostrzec wzór skali durowej. Następnie zapisz nuty, które próbujesz zaśpiewać i zobacz, czy są jakieś dziwne nuty, które kolidują z twoją kolekcją nut, które wyciągnąłeś z akordów. Na przykład – Twoja melodia zawiera B natural, ale kilka z Twoich akordów ma w sobie B flat. ZAWSZE OPIERAJ SIĘ NA AKORDACH. Być może będziesz musiał zmienić swoją melodię wokalną.
I na koniec, trochę o tym kim jestem i jak stosuję te umiejętności:
Mam tytuł magistra w wykonawstwie saksofonu (jazz), a wcześniej studiowałem klasyczny fortepian w szkole średniej. Jako dziecko miałem dobry słuch, ale musiałem nauczyć się słownictwa i zastosowania dla wszystkich tych rzeczy niezależnie. Tak więc, nauczyłem się tych rzeczy najpierw pod okiem mojego prywatnego instruktora fortepianu, a później na moich podstawowych kursach muzycznych na uniwersytecie, takich jak teoria muzyki, Solfege i Aural Skills (tak, miałem całą klasę tylko dla Solfege). Przeprowadziłem się do dużego miasta trzy lata temu i teraz zarabiam część mojego życia występując jako wokalista, saksofonista i klawiszowiec na mojej własnej oryginalnej muzyce neo-soul (solo & z zespołem), w zespołach coverowych Motown/R&B, zespołach swingowych, innych oryginalnych projektach, występach solowych w barach, na weselach itp. www.shannonchapman.ca jeśli jesteś zainteresowany 🙂
Muszę szybko uczyć się dużej ilości muzyki i muszę być w stanie podejść do muzyki pod wieloma kątami.Kiedy uczę się, śpiewam lub piszę piosenkę, używam jednocześnie tak wiele wiedzy – wyszukuję połączenia typu „Oh, ta harmonia w tle zaczyna się o tercję małą w górę od miejsca, w którym wokal prowadzący zakończył poprzednią sekcję” lub „ta melodia zaczyna się na piątej części akordu” lub „ta melodia jest trudna, bo to trzy różne tercje małe pod rząd” lub „melodia idzie o szóstą w górę na mostku” „w zwrotce jestem górną harmonią, która jest A, więc mogę to usłyszeć w mojej partii fortepianu, ale w refrenie jestem niższą harmonią” itd. etc. etc. To mnóstwo wiedzy połączonej w sposób, nad którym nie muszę już pracować – stał się częścią mojego słownictwa. I jak nauka każdego języka, musisz zacząć od podstaw.
Tak właśnie możesz zacząć!