Alai

Składające się z niektórych z najbardziej znanych na świecie dzieł sztuki i architektury, sztuka włoska od dawna jest w centrum uwagi historii świata. Awans kulturalny i wymiana popularnego „buta” pozostała spójna przez wieki, co skutkuje ciągłą produkcją monumentalnych i spektakularnych dzieł we wszystkich sferach kultury i sztuki. Od czasów klasycznych i starożytnych ludzi, którzy stworzyli pierwszą cywilizację na Półwyspie Apenińskim, poprzez wielkie Imperium Rzymskie jako wiodące centrum kulturalne, polityczne i religijne świata zachodniego, aż do wspaniałych okresów renesansu i baroku, bez których po prostu nie wyobrażamy sobie sztuki, oraz kluczowych włoskich ruchów awangardowych minionego stulecia, sztuka włoska stanowi jeden z największych skarbów ludzkości. Jej artyści, muzea, galerie i tendencje zawsze były ściśle związane z prądami intelektualnymi i religijnymi, odzwierciedlając pojęcia swoich czasów i kształtując wyjątkową, niewyczerpaną spuściznę. Kraj, w którym samo życie jest uważane za formę sztuki, Włochy nadal przyczyniają się do różnorodności i wzbogacenia własnej i światowej kultury, celebrując obfitość i znaczenie swojej tradycji.

Same początki – sztuka rzymska i etruska

Główną rolę w historii sztuki włoskiej zawsze odgrywał Rzym, począwszy od IX w. p.n.e. i sztuki etruskiej. Do czasu, gdy stolica rozpoczęła budowę imperium na Półwyspie Apenińskim, ich figury z brązu, terakotowe reliefy, obrazy i freski były silnie obecne, wyznaczając rygorystyczny standard w stylu i technice, który miał być przestrzegany w nadchodzących stuleciach. Etruskie freski, znalezione na ścianach grobowców, są nadal uważane za najważniejsze przykłady przedrzymskich malowideł figuratywnych znanych naukowcom. Były one wykonane ze świeżego tynku i naturalnych kolorów, pochodzących głównie z kamieni i minerałów i nakładane pędzlami wykonanymi z sierści zwierzęcej. Dzieła te przedstawiały głównie scenerię życia codziennego i tradycyjne sceny mitologiczne. W połowie 4 wieku, słynna technika światłocienia zaczęła być używana, aby przedstawić objętość i głębię.

Etrusków również miał wielki wpływ na architekturę rzymską później, który był jednym z kręgosłupów wielkiego imperium, który przyszedł do być przez 1 wieku naszej ery. Wraz z cywilizacją przyszła kultura i sztuka, a Rzym stał się najbardziej rozwiniętym miastem na świecie. Dzieła sztuki stały się symbolem bogactwa i obfitości, z malowidłami ściennymi zdobiącymi domy i rzeźbami instalowanymi w każdym zakątku domu i ogrodu. Rzymianie dekorowali również podłogi mozaikami, które zazwyczaj przedstawiały wydarzenia z mitologii greckiej i rzymskiej, historyczne sceny z życia codziennego. Pod wpływem sztuki i religii Wschodu, zwłaszcza Cesarstwa Bizantyjskiego i stolicy Konstantynopola, sztuka rzymska zaczęła włączać motywy chrześcijańskie i wzmocniła produkcję malarstwa ściennego, mozaiki sufitowej i podłogowej, a także rzeźby funeralnej.

Tendencja ta utrzymywała się w średniowieczu, a sztuka bizantyjska we Włoszech ewoluowała w kierunku wysoce formalnej i wyrafinowanej dekoracji z ujednoliconą kaligrafią i godnym podziwu wykorzystaniem złota i koloru. Sztuka we Włoszech do tego momentu była dość regionalna, z wpływami zewnętrznych prądów europejskich i wschodnich. Innym ważnym stylem był gotyk, który wyznaczył przejście od średniowiecza do renesansu. Podczas sporów religijnych w kościele, zakony franciszkańskie chciały przywrócić Kościół katolicki do podstaw, wprowadzając architekturę gotycką najpierw do północnej Europy, a następnie na południe, w kierunku Włoch.

Sztuka renesansowa we Włoszech

Z pewnością najsłynniejszy okres w historii sztuki włoskiej, renesans oznaczał okres między późnym XIII a późnym XVI wiekiem. Zaczęło się od malarzy i rzeźbiarzy, którzy chcieli nadać swoim dziełom duchową jakość i wywołać głębokie religijne znaczenia. Jednocześnie chcieli oni realistycznie portretować ludzi i przyrodę. Znalazło to również odzwierciedlenie w renesansowej architekturze, gdzie architekci projektowali ogromne katedry, aby podkreślić wielkość Boga i pokorę ludzkiego ducha. Artyści renesansowych Włoch często byli przywiązani do poszczególnych dworów i wierni tylko poszczególnym miastom, jednak ich dzieła ukazywały całe Włochy, szerząc idee artystyczne i filozoficzne. Miejscem narodzin renesansu z pewnością jest miasto Florencja w Toskanii, w którym do dziś przechowywane są jedne z najważniejszych dzieł czterech okresów i znajdują się najsłynniejsze muzea i galerie na świecie.

W rzeczywistości proto-renesans (1300-1400), wczesny renesans (1400-1475), wysoki renesans (1475-1525) i manieryzm (1525-1600) zostały podzielone między artystów, którzy podkreślili każdy z nich. Początki wyznaczył słynny malarz Giotto, który był pierwszym artystą, który od upadku Cesarstwa Rzymskiego realistycznie przedstawiał naturę. Jego wspaniałe freski, przepełnione emocjami radości, gniewu, rozpaczy, wstydu, przekory i miłości, do dziś można znaleźć w kościołach w Asyżu, Florencji, Padwie i Rzymie. Pomiędzy Giottem a trzema mistrzami, którzy zdominowali sztukę końca XV i początku XVI wieku, mamy Taddeo Gaddiego, Orcagna, Altichiero, Masaccio, Donatello, Paolo Uccello, Andrea Mantegna i wielu innych.

Dzieła Sztuki Włoskiego Renesansu – Historia Sztuki we Włoszech

Wysokie dzieła renesansowe Michała Anioła, Rafaela i da Vinci

Okres Wysokiego Renesansu, od końca XV i początku XVI wieku, był jednym z najważniejszych okresów w całej historii sztuki i najjaśniejszym momentem włoskiego, z pewnością dzięki błyskotliwości trzech mężczyzn, którymi są Michał Anioł, Rafael i Leonardo da Vinci. Michał Anioł, okrzyknięty największym rzeźbiarzem w historii, był mistrzem w portretowaniu postaci ludzkiej, dając przytłaczające wrażenie siły fizycznej i duchowej. Jego niezwykły fresk na suficie Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie, namalowany w latach 1508-1512, zaliczany jest do najwspanialszych dzieł sztuki renesansu. Z drugiej strony, sztuka Rafaela była bardziej poetycka, ponieważ potrafił on tworzyć perspektywę i używać delikatnego koloru. Jest znany z wielu obrazów Matki Boskiej, a wiele z jego dzieł powstało pod wpływem klasycznych greckich i rzymskich wzorców.

Dołączając do fresków z Kaplicy Sykstyńskiej na liście najsłynniejszych dzieł włoskiego renesansu są Ostatnia Wieczerza Leonarda da Vinci i portret Mona Lisy, stawiając go jako bezdyskusyjnie największy umysł swoich czasów i nie tylko. Będąc symbolem renesansowego ducha nauki i intelektualnej ciekawości, da Vinci był wielkim talentem w tak wielu różnych dziedzinach, który uczył się, patrząc na rzeczy. Jego studia nad światłem, anatomią, krajobrazem i ludzką ekspresją pozostają nieosiągalne dla żadnego innego artysty na świecie.

Wprowadzenie do włoskiej sztuki nowoczesnej i współczesnej

Między renesansem a czasami współczesnymi, włoska sztuka ewoluowała w stylu, poprzez elegancję manieryzmu, burzliwy światłocieniowy barok Caravaggia i Berniniego, rokokowe tendencje Tiepolo, Canaletto i Bellotto, jak również neoklasyczne dzieła Canovy i Hayeza, między XVII a XIX wiekiem. Z nadejściem 20 wieku, Włochy i jego artystów dołączył do koncepcji ruchów awangardowych, jak również, opierając się na bogatej spuścizny swoich poprzedników. Z głównych osiągnięć w malarstwie i rzeźbie, Włochy również stał się hotspot dla projektowania, zwłaszcza pod koniec tysiąclecia, które produkowane wpływowych projektantów z ich pomysłowe i pomysłowe funkcjonalne works.

Futuryzm – Futurismo

W latach 1909-1916 Włochy przyłączyły się do europejskich ruchów, których celem było zerwanie więzów z przeszłością we wszystkich sferach życia. Zaczęło się od Manifestu Futurystów, stworzonego przez włoskiego pisarza Filippo Tommaso Marinettiego, który wyrażał futurystyczną gloryfikację siły, szybkości i podniecenia oraz dezaprobatę dla wszystkiego, co stare, a zwłaszcza dla tradycji politycznej i artystycznej. Ich dzieła sławiły triumf techniki i epoki maszyn nad naturą, często ukazywały samochód, samolot, miasto przemysłowe. Styl artystów futuryzmu charakteryzowały nakładające się na siebie fragmenty barw i wielopostaciowe obrazy, kipiące energią i przywołujące frenetyczną atmosferę współczesności. Prace obejmowały różne media, w tym malarstwo, rzeźbę, grafikę i wzornictwo przemysłowe, ceramikę, film i teatr, modę i tekstylia, literaturę, muzykę, architekturę, a nawet gastronomię, czerpiąc inspirację z dywizjonizmu i kubizmu. Idee futurystyczne w sztukach wizualnych zastosowała grupa młodych malarzy z Mediolanu, do której należeli Umberto Boccioni, Carlo Carra, Luigi Russolo, Giacomo Balla i Gino Severini. Boccioni pracował również z rzeźbami, słynne tworząc 1913 Unique Forms of Continuity in Space, który stał jako symbol postaci poruszających się w przestrzeni z wielką prędkością.

Sztuka metafizyczna – Pittura Metafisica

Wraz z pracami Carlo Carry i Giorgio de Chirico w Ferrarze, sztuka metafizyczna, po włosku pittura metafisica, zaczęła określać oniryczne obrazy placów typowych dla wyidealizowanych włoskich miast. W pracach tych postaci i przedmioty wydają się zastygłe w czasie, znajdują się w dziwnych, nielogicznych kontekstach, nierzeczywistych światłach i kolorach, nienaturalnej perspektywie. Określane jako „obrazy, których nie widać”, dzieła te mają być uznane za wytwory nieświadomego umysłu, poza logiką i fizyczną rzeczywistością – stąd nazwa „metafizyczne”. Szkoła założona przez de Chirico i Carrę, choć krótkotrwała, dała znaczący impuls do rozwoju takich ruchów jak Dada i surrealizm, a także.

Novecento Italiano

Założone w Mediolanie w 1922 roku, Novecento Italiano było ruchem stworzonym w celu odnowy sztuki włoskiej poprzez odrzucenie europejskich ruchów awangardowych i opierało się na retoryce faszyzmu Mussoliniego. Założona przez krytyka Margherita Sarfatti i praktykowana przez siedmiu artystów, w tym Anselmo Bucci, Leonardo Dudreville, Achille Funi, Gian Emilio Malerba, Piero Marussig, Ubaldo Oppi i Mario Sironi, inicjatywa powróciła do wielkiej włoskiej sztuki reprezentacyjnej z przeszłości, w szczególności Quattrocento (1400) i Cinquecento (1500). Artyści Novecento (czyli lat 1900) poparli reżim faszystowski, a ich twórczość związała się z państwowym wydziałem propagandy, dążącym do wskrzeszenia tradycji wielkoformatowego malarstwa historycznego w klasycznym stylu. Ruch został oficjalnie zapoczątkowany w 1923 roku na wystawie w Mediolanie, z Mussolinim jako jednym z prelegentów, i trwał aż do 1943 roku.

Przestrzenność – Spazialismo

Znaczony przez pocięte i przebite obrazy Lucio Fontany, Przestrzenność, lub po włosku movimento spaziale, była najbardziej znaczącym ruchem okresu powojennego między 1947 a 1954 rokiem. Pomyślany jako nowy rodzaj sztuki, dążył do syntezy koloru, dźwięku, przestrzeni, ruchu i czasu w dziełach sztuki, łącząc elementy sztuki konkretnej, dadaizmu i tachizmu. Zapowiedziany przez Manifesto Bianco (Biały Manifest) Fontany, opublikowany w Buenos Aires w 1946 roku, po którym nastąpiło pięć kolejnych manifestów, ruch ten dążył do zjednoczenia sztuki i nauki w celu projekcji koloru i formy w rzeczywistą przestrzeń przy użyciu nowoczesnych technik, takich jak oświetlenie neonowe i telewizja. Prace Fontany, takie jak Czarne środowisko przestrzenne z 1947 roku i płótna cięte żyletką tworzone w latach 50. i 60. wpłynęły na sztukę środowiskową i były pierwszymi, które promowały ideę sztuki gestu i performance jako kluczowych części tworzenia.

Arte Povera

W latach 60. ceniony włoski krytyk sztuki Germano Celant ukuł termin Arte Povera, opisując dzieła sztuki, które łączyły aspekty sztuki konceptualnej, minimalistycznej i performance’u, zajmując radykalne stanowisko. Artyści zaczęli kwestionować, a w końcu atakować wartości ustalonych instytucji, pytając, czy sztuka jako prywatna ekspresja jednostki ma jeszcze etyczną rację bytu. Celant, wraz z kluczowymi postaciami, które pomogły ukształtować ten ruch, takimi jak Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Jannis Kounellis, Mario Merz i Marisa Merz, Pino Pascali, Giuseppe Penone i Michelangelo Pistoletto, promował ideę sztuki rewolucyjnej, wolnej od konwencji, władzy struktury i rynku. Nazwa „arte povera”, oznaczająca „sztukę zubożoną”, wywodziła się od użycia bezwartościowych lub pospolitych materiałów, takich jak ziemia czy gazeta, w nadziei na obalenie komercjalizacji sztuki.

Anti Design

Oprócz głównych ruchów sztuki włoskiej, które ukształtowały kulturę kraju w XX wieku, istotną rolę odegrało również wzornictwo, które stało się znane i wyrosło na wyżyny wyrafinowania i klasy. Podczas gdy na początku wieku projektanci walczyli o znalezienie równowagi między klasyczną elegancją a nowoczesną kreatywnością, dając życie dziełom podobnym do francuskiego stylu Art Deco, w latach 60. i 70. dziedzina ta ewoluowała i stała się głównym graczem na scenie międzynarodowej, głównie w dziedzinie mebli i projektowania wnętrz. Jednak między 1966 a 1980 rokiem, był Anti-Design, który podkreślał uderzające kolory, zniekształcenia skali, ironii i kiczu. Ruch ten był reakcją na perfekcjonistyczną estetykę modernizmu, zapoczątkowaną przez Ettore Sottsassa Jr. Wraz z grupami radykalnego designu, takimi jak Archigram i Superstudio, wyrażali oni swoje idee, tworząc prototypy mebli, prace wystawiennicze i publikując manifesty, które do dziś uważane są za rewolucyjne. Przedkładali unikatowość nad produkcję masową, a ich projekty miały być funkcjonalne, a nie piękne.

Transavangarde – Transavanguardia

Włoska wersja neoekspresjonizmu, Transavangarde, znana również jako Transavanguardia, to ruch, który przetoczył się przez Włochy i resztę Europy Zachodniej w późnych latach 70. i 80. Dosłownie oznacza „poza awangardą”, termin ten został ukuty przez innego znanego włoskiego krytyka, Achille Bonito Oliva, i symbolizował odrzucenie konceptualizmu i powrót do emocji, zwłaszcza w malarstwie i rzeźbie. Artyści, tacy jak Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Sandro Chia i Mimmo Paladino, ożywili symbolizm i malarstwo figuratywne, a także wyobrażenia mityczne, ponownie odkryte w szczytowym okresie ruchu.

Towards the New Millenium – Arte Italiana Today

Nawet pięćset lat po okresie renesansu, który nadal uważany jest za punkt kulminacyjny włoskiej historii sztuki, miejsce tego kraju na scenie międzynarodowej jest bardzo znaczące również dzisiaj. Jego artyści, krytycy, kuratorzy i wpływowe osobistości są stale obecne, pokazując determinację Włoch do zachowania swojego dziedzictwa bez utraty koncentracji na teraźniejszości i przyszłości. Nie zapominajmy, że Biennale w Wenecji było pierwszą wystawą sztuki, która promowała sztukę współczesną na świecie, w 2015 roku obchodząc swoją 56. edycję. Oprócz historycznych muzeów i galerii rozsianych po całym kraju, takich jak Galeria Uffizi czy Pinacoteca di Brera, miasta takie jak Florencja, Mediolan, Rzym, Wenecja i Turyn są domem dla licznych instytucji i wydarzeń, które odgrywają kluczową rolę we wspieraniu i promowaniu sztuki współczesnej we Włoszech i poza ich granicami: Palazzo Reale i Museo del Novecento w Mediolanie, MACRO i MAXXI w Rzymie, Museo di Villa Croce w Genui, Punta della Dogana w Wenecji, Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina w Neapolu, Castello di Rivoli w Turynie… W ostatnim dziesięcioleciu Włochy były również świadkiem wzrostu popularności swoich artystów i dzieł sztuki na międzynarodowym rynku sztuki, podzielonym między ważne postacie XX wieku i grupę nowych talentów, która przychodzi zdefiniować tendencje tego tysiąclecia. Wielkim wkładem i opiekunem tych jednostek są z pewnością targi sztuki Artissima, największe włoskie targi, które odbywają się już po raz 23, a także liczne prywatne i publiczne kolekcje sztuki. Dzięki silnej inspiracji przeszłością, sztuka włoska wydaje się nie do zatrzymania, nie dając nam powodów do wątpliwości, że jej niezwykłe dziedzictwo nie będzie kontynuowane również w przyszłości.

Editors’ Tip: Kobiety we włoskiej sztuce renesansowej: Gender, representation, identity

Pomiędzy c1350 a c1650 rokiem we włoskich społeczeństwach miejskich toczyło się wiele debat na temat natury, ról, edukacji i zachowania kobiet¹. Niniejsza książka wypełnia lukę we wciąż rozrastającej się literaturze na temat wszystkich aspektów życia kobiet w tym okresie. Wykorzystując szeroki zakres materiałów, z których większość nie była nigdy wcześniej tłumaczona, książka ta oświetla ideały i realia kształtujące życie kobiet w kontekście kultury obywatelskiej i dworskiej w renesansowych Włoszech. Tekst podzielony jest na trzy części: współczesne poglądy na naturę kobiety oraz ideały etyczne i estetyczne uważane za odpowiednie dla niej; cykle życia od narodzin do śmierci, przerywane rytuałami przejścia przez zaręczyny, małżeństwo i wdowieństwo; role kobiet w klasztorze, na dworze, w miejscu pracy i w życiu kulturalnym. Realia doświadczeń kobiet¹s były bogate i różnorodne, a ich głosy mówią o zróżnicowanych możliwościach emocjonalnie bogatego i społecznie użytecznego życia.

1. Nice, A. T., Rome, Ancient, World Book, 2011
2. Kitzinger, E., Byzantine art in the making: main lines of stylistic development in Mediterranean art, 3rd-7th century, Faber & Faber, 1977
3. Hartt, F., A History of Italian Renaissance Art, Thames and Hudson, 1970
4. Pope-Hennessy, J. W., Italian High Renaissance and Baroque sculpture, Phaidon Press, 1996
5. Hyland, D. K. S. Futurism, World Book, 2011
6. Formaggio D. et al., Il Novecento Italiano, 1923 – 1933 Gabriele Mazzotta, 1983
7. Parmesani, L., L’Arte del Secolo, Skira, 2003
8. Celant, G., Arte Povera: Histories and Protagonists, Electa, 1985

Featured images in slider: Michelangelo Pistoletto – Venus of the Rags 1967, 1974. Image via Tate. Dzięki uprzejmości Castello di Rivoli; Francesco Clemente – Il cerchio di Milarepa (Koło Milarepy), 1982; Lucio Fontana – L’attesa. Złamany telefon, 1959-66. Obraz z Wikipedii; Mario Merz – Czy domy kręcą się wokół nas, czy my wokół domów?, Arte Povera 2011, Triennale, Mediolan; Carlo Carra – The Red Knight (1913), via pinterest com; Giorgio de Chirico – Melancholia, 1916, obraz z Wikipedii; Maurizio Cattelan – The Ninth Hour, 1999, obraz z Wikipedii. Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych.

.