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Composto por algumas das obras de arte e arquitectura mais famosas do mundo, a arte italiana tem sido durante muito tempo o foco central da história mundial. O avanço cultural e o intercâmbio da “bota” popular tem permanecido consistente ao longo dos séculos, resultando na produção contínua de obras monumentais e espetaculares em todas as esferas da cultura e das artes. Desde os tempos clássicos e os povos antigos que tinham formado a primeira civilização na península dos Apeninos, o grande Império Romano como o principal centro cultural, político e religioso do mundo ocidental, até aos períodos gloriosos do Renascimento e do Barroco, sem os quais não podemos simplesmente imaginar a arte, e os cruciais movimentos vanguardistas italianos do século passado, a arte italiana representa um dos maiores tesouros da humanidade. Seus artistas, museus, galerias e tendências sempre estiveram intimamente ligados às correntes intelectuais e religiosas, refletindo as noções do seu tempo e dando forma a um legado excepcional e inesgotável. Terra onde a própria vida é considerada uma forma de arte, a Itália continua a contribuir para a diversidade e o enriquecimento da própria e da cultura do mundo, celebrando a abundância e o significado da sua tradição.

The Very Beginnings – Roman and Etruscan Art

O papel central na história da arte italiana sempre foi desempenhado por Roma, a partir do século IX a.C. e das artes etruscas. Quando a capital começou a construir o império na península dos Apeninos, suas figuras de bronze, relevos em terracota, pinturas e afrescos estavam fortemente presentes, estabelecendo um rigoroso padrão de estilo e técnica que deveria ser seguido nos séculos vindouros. Os afrescos etruscos, encontrados nas paredes das sepulturas, são ainda considerados os mais importantes exemplos de pinturas figurativas pré-romanas conhecidas pelos estudiosos. Estas eram feitas de gesso fresco e cores naturais, na sua maioria provenientes de pedras e minerais e aplicadas com pincéis feitos de pêlos de animais. Estes trabalhos retratam principalmente cenários da vida quotidiana e cenas mitológicas tradicionais. Em meados do século IV, a famosa técnica do chiaroscuro começou a ser usada, para retratar volume e profundidade.

O etrusco também teve grande influência na arquitetura romana mais tarde, que foi uma das espinhas dorsais do grande império que veio a ser no século I dC. Com a civilização veio a cultura e as artes, com Roma se tornando a cidade mais avançada do mundo. As obras de arte tornaram-se o símbolo de riqueza e abundância, com pinturas murais decorando as casas e esculturas sendo instaladas em todos os cantos da casa e do jardim. Os romanos também decoraram pisos com mosaicos, que geralmente mostravam eventos da mitologia grega e romana, cenas históricas do cotidiano. Influenciada pela arte e religião oriental, particularmente o império bizantino e a capital Constantinopla, a arte romana começou a incorporar motivos cristãos e melhorou a produção de pintura de parede, teto de mosaico e trabalho de piso, bem como escultura funerária.

A tendência continuou na Idade Média, com a arte bizantina na Itália evoluindo para uma decoração altamente formal e refinada com caligrafia padronizada e um uso admirável de ouro e cor. A arte na Itália por essa altura era bastante regional, com impactos das correntes externas europeias e orientais. Outro estilo importante foi o gótico, que marcou a transição do período medieval para o período renascentista. Durante as disputas religiosas dentro da igreja, as ordens franciscanas de monges quiseram trazer a Igreja Católica de volta ao básico, introduzindo a arquitetura gótica primeiro ao norte da Europa e depois ao sul, em direção à Itália.

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Arte Renascentista na Itália

Certeza o período mais famoso da história da arte italiana, o Renascimento marcou o período entre o final do século XIII e o final do século XVI. Começou com pintores e escultores que queriam dar às suas obras uma qualidade espiritual e evocar um profundo significado religioso. Ao mesmo tempo, eles queriam retratar as pessoas e a natureza de forma realista. Isso também se refletiu na arquitetura renascentista, onde arquitetos desenharam enormes catedrais para enfatizar a grandeza de Deus e para humilhar o espírito humano. Os artistas da Itália renascentista estavam frequentemente ligados a cortes particulares e eram leais apenas a cidades particulares, mas as suas obras de arte mostravam toda a Itália, disseminando ideias artísticas e filosóficas. O lugar de nascimento da Renascença certamente é a cidade de Florença na Toscana, que ainda hoje abriga algumas das obras mais importantes dos quatro períodos e abriga os museus e galerias mais famosos do mundo.

De fato, o Proto-Renascimento (1300-1400), o Renascimento Primitivo (1400-1475), o Alto Renascimento (1475-1525), e o Maneirismo (1525-1600) foram divididos entre os artistas que destacaram cada um deles. Os inícios foram marcados pelo famoso pintor Giotto, que foi o primeiro artista a retratar a natureza de forma realista desde a queda do Império Romano. Seus magníficos afrescos, cheios de emoções de alegria, raiva, desespero, vergonha, despeito e amor, ainda podem ser encontrados dentro das igrejas de Assis, Florença, Pádua e Roma. Entre Giotto e os três mestres que vieram a dominar as artes do final do século XV e início do XVI, temos Taddeo Gaddi, Orcagna, Altichiero, Masaccio, Donatello, Paolo Uccello, Andrea Mantegna e muitos outros.

Obras de Arte Renascentista Italiana – História da Arte na Itália

As Obras do Alto Renascimento de Michelangelo, Rafael e da Vinci

O período do Alto Renascimento, do final do século XV e início do século XVI, foi um dos momentos mais importantes de toda a história da arte e o momento mais brilhante do italiano, certamente devido ao brilho de três homens que são Michelangelo, Rafael e Leonardo da Vinci. Miguel Ângelo, proclamado o maior escultor da história, foi um mestre em retratar a figura humana, dando uma impressão esmagadora de poder físico e espiritual. Seu notável afresco no teto da Capela Sistina do Vaticano, pintado de 1508 a 1512, conta como uma das maiores obras de arte da Renascença. Por outro lado, a arte de Rafael era mais poética, pois ele era hábil em criar perspectiva e no uso de cores delicadas. Ele é conhecido pelas muitas pinturas da Virgem Maria e muitas de suas obras foram influenciadas por modelos clássicos gregos e romanos.

Joining The Sistine Chapel frescoes na lista das obras mais famosas da arte renascentista italiana são A Última Ceia de Leonardo da Vinci e o retrato de Mona Lisa, colocando-o como indiscutivelmente a maior mente de seu tempo e mais além. Símbolo do espírito renascentista de aprendizagem e curiosidade intelectual, da Vinci foi um grande talento em tantas áreas tão diversas que aprendeu olhando para as coisas. Seus estudos de luz, anatomia, paisagem e expressões humanas continuam a não ser alcançados por nenhum outro artista no mundo.

Introdução da Arte Moderna e Contemporânea Italiana

Entre a Renascença e os tempos modernos, a arte italiana evoluiu em estilo, através da elegância do Maneirismo, do tempestuoso chiaroscuro barroco de Caravaggio e Bernini, das tendências rococóns de Tiepolo, Canaletto e Bellotto, assim como das obras neoclássicas de Canova e Hayez, entre os séculos XVII e XIX. Com a chegada do século XX, a Itália e seus artistas juntaram-se também à concepção dos movimentos vanguardistas, confiando no rico legado de seus antecessores. Com grandes desenvolvimentos na pintura e na escultura, a Itália também passou a ser o ponto de encontro do design, particularmente no final do milênio, que produziu designers influentes com suas obras imaginativas e engenhosas e funcionais.

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Futurismo – Futurismo

Entre 1909 e 1916, a Itália juntou-se aos movimentos europeus que visavam romper os laços com o passado em todas as esferas da vida. Começou com o Manifesto Futurista, concebido pelo escritor italiano Filippo Tommaso Marinetti, que expressava a glorificação futurista do poder, da velocidade e da excitação, e a desaprovação de tudo o que é antigo, particularmente da tradição política e artística. Suas obras celebraram o triunfo tecnológico e a era da máquina sobre a natureza, mostrando muitas vezes o carro, o avião, a cidade industrial. O estilo dos artistas do Futurismo caracterizou-se pela sobreposição de fragmentos de cores e de múltiplas imagens, orvindo em energia e evocando a atmosfera frenética dos tempos modernos. Os trabalhos abrangeram uma variedade de meios, incluindo pintura, escultura, design gráfico e industrial, cerâmica, cinema e teatro, moda e têxteis, literatura, música, arquitetura e até mesmo gastronomia, desenho sinpiração do Divisionismo e do Cubismo. Aplicando as ideias futuristas nas artes visuais foi um grupo de jovens pintores baseados em Milão, que incluía Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla, e Gino Severini. Boccioni também trabalhou com esculturas, criando as famosas Formas Exclusivas de Continuidade no Espaço de 1913, que se apresentavam como o símbolo de figuras que se moviam pelo espaço com grande velocidade.

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Metaphysical Art – Pittura Metafisica

Com o trabalho de Carlo Carrà e Giorgio de Chirico em Ferrara, a arte metafísica, em italiano pittura metafisica, veio a definir uma pintura onírica de praças típicas de cidades italianas idealizadas. Nessas obras, figuras e objetos parecem congelados no tempo, encontrados em contextos estranhos e ilógicos, as luzes e cores irreais, a perspectiva não natural. Descrito como “pinturas que não podem ser vistas”, estas obras devem ser reconhecidas como produtos da mente inconsciente, além da lógica ou da realidade física – daí o nome “metafísico”. A escola estabelecida de Chirico e Carrà, embora de curta duração, deu um impulso significativo para o desenvolvimento de movimentos como Dada e Surrealismo também.

Novecento Italiano

Fundado em Milão em 1922, o Novecento Italiano foi um movimento criado para renovar a arte italiana, rejeitando os movimentos europeus de vanguarda e baseou-se na retórica do fascismo de Mussolini. Fundado pela crítica Margherita Sarfatti e praticado por sete artistas, entre os quais Anselmo Bucci, Leonardo Dudreville, Achille Funi, Gian Emilio Malerba, Piero Marussig, Ubaldo Oppi e Mario Sironi, a iniciativa voltou à grande arte representativa italiana do passado, em particular o Quattrocento (os anos 1400) e o Cinquecento (os anos 1500). Os artistas do Novecento (ou seja, dos anos 1900) apoiaram o regime fascista e o seu trabalho tornou-se associado ao departamento de propaganda do Estado, com o objectivo de reavivar a tradição da pintura histórica de grande formato, à maneira clássica. O movimento foi lançado oficialmente em 1923 numa exposição em Milão, com Mussolini como um dos oradores, e durou todo o período 1943.

Spatialism – Spazialismo

Marcado pelas pinturas cortadas e perfuradas por Lucio Fontana, Spatialism, ou movimento spaziale em italiano, foi o movimento mais proeminente do período pós-guerra entre 1947 e 1954. Concebido como o novo tipo de arte, pretendia sintetizar cor, som, espaço, movimento e tempo em obras de arte, combinando elementos da arte Concreta, Dada e Tachisme. Antecipado pelo Manifesto Bianco (Manifesto Branco) de Fontana, publicado em Buenos Aires em 1946 e seguido por mais cinco manifestos, o movimento procurou unir arte e ciência para projetar cor e forma no espaço real, através do uso de técnicas atualizadas, como a iluminação de néon e a televisão. As obras de Fontana, como o Ambiente Espacial Negro de 1947 e as telas cortadas com uma lâmina de barbear criadas ao longo dos anos 50 e 60, vieram a influenciar a arte ambiental e foram as primeiras a promover a ideia da arte gestual e da performance como partes cruciais da criação.

Arte Povera

O estimado crítico de arte italiano Germano Celant cunhou o termo Arte Povera durante os anos 60, descrevendo obras de arte que combinavam aspectos de Arte Conceptual, Minimalista e Performance para tomar uma posição radical. Os artistas começaram a questionar e eventualmente a atacar os valores das instituições estabelecidas, perguntando-se se a arte como expressão privada de um indivíduo ainda tinha uma razão ética para existir. Celant, juntamente com figuras-chave que ajudaram a moldar o movimento, como Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Jannis Kounellis, Mario Merz e Marisa Merz, Pino Pascali, Giuseppe Penone e Michelangelo Pistoletto, promoveram a noção de uma arte revolucionária, livre de convenções, do poder da estrutura e do mercado. O nome “arte povera”, que significa “arte empobrecida”, deriva do uso de materiais sem valor ou comuns como a terra ou o jornal, na esperança de subverter a comercialização da arte.

Anti Design

Parte dos principais movimentos da arte italiana que moldaram a cultura do país no século XX, um papel importante foi desempenhado também pelo design, que se tornou conhecido e cresceu até ao nível da sofisticação e da classe. Enquanto no início do século, os designers lutaram para encontrar um equilíbrio entre a elegância clássica e a criatividade moderna, dando vida a peças semelhantes ao estilo Art Deco francês, o campo evoluiu para o principal jogador na cena internacional durante os anos 60 e 70, principalmente em mobiliário e design de interiores. No entanto, entre os anos 1966 e 1980, houve o Anti-Design, que enfatizou cores marcantes, distorção de escala, ironia e kitsch. O movimento foi uma reação contra a estética perfeccionista do Modernismo, que começou com Ettore Sottsass Jr. Juntamente com grupos de Design Radical como Archigram e Superstudio, eles expressaram idéias através da produção de protótipos de móveis, peças de exposição e publicação de manifestos que são considerados revolucionários ainda hoje. Eles abraçaram a singularidade sobre a produção em massa e seus designs foram feitos para serem funcionais, ao invés de bonitos.

Transavangarde – Transavanguardia

A versão italiana do Neo-Expressionismo, Transavangarde, também conhecida como Transavanguardia, é um movimento que varreu a Itália, e o resto da Europa Ocidental, no final dos anos 70 e 80. Literalmente significando “além da vanguarda”, o termo foi cunhado por outro renomado crítico italiano, Achille Bonito Oliva, e simbolizava a rejeição do conceito e o retorno à emoção, especialmente na pintura e na escultura. Os artistas, como Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Sandro Chia e Mimmo Paladino, reviveram o simbolismo e a pintura figurativa, assim como o imaginário mítico, redescoberto durante a altura do movimento.

Towards the New Millennium – Arte Italiana Today

Pois quinhentos anos após o período renascentista, que ainda é considerado o ponto alto da história da arte italiana, o lugar do país na cena internacional é ainda hoje muito significativo. Seus artistas, críticos, curadores e figuras influentes estão sempre presentes, demonstrando a determinação da Itália em preservar seu patrimônio sem perder o foco no presente e no futuro. Não esqueçamos que a Bienal de Veneza foi a primeira exposição de arte a defender a arte contemporânea no mundo, em 2015 marcando a sua 56ª edição. Além do museu histórico e das galerias espalhadas pelo país, como a Galeria Uffizi ou a Pinacoteca di Brera, cidades como Florença, Milão, Roma, Veneza e Turim são sede de numerosas instituições e eventos que são fundamentais no apoio e na promoção das artes contemporâneas na Itália e fora dela: Palazzo Reale e Museo del Novecento de Milão, MACRO e MAXXI de Roma, Museo di Villa Croce em Génova, Punta della Dogana em Veneza, Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina em Nápoles, Castello di Rivoli em Turim… Na última década, a Itália também viu a ascensão de seus artistas e obras de arte no mercado internacional de arte, divididos entre as importantes figuras do século 20 e um grupo de novos talentos que vem para definir as tendências do milênio. Uma grande contribuidora e nutridora destes indivíduos é certamente a feira de arte Artissima, a maior de Itália como está agora no seu 23º ano, assim como as numerosas colecções de arte privadas e públicas. Com uma forte inspiração do passado, a arte italiana parece imparável, não nos dando motivos para duvidar que o seu extraordinário legado não continuará bem no futuro.

Dica de Editores: Mulheres na Arte Renascentista Italiana: Gênero, representação, identidade

Entre c1350 e c1650, as sociedades urbanas italianas viram muito debate sobre a natureza, os papéis, a educação e o comportamento das mulheres. Este livro preenche uma lacuna na literatura ainda em crescimento sobre todos os aspectos da vida das mulheres neste período. Usando uma ampla gama de materiais, a maioria dos quais nunca traduzidos antes, este livro ilumina os ideais e realidades que informam as vidas das mulheres no contexto da cultura cívica e cortês na Itália Renascentista. O texto está dividido em três seções: visões contemporâneas sobre a natureza da mulher e ideais éticos e estéticos considerados adequados a ela; ciclos de vida desde o nascimento até a morte, pontuados pelos ritos de passagem do noivado, casamento e viuvez; papéis da mulher no convento, na corte, no local de trabalho e na vida cultural. As realidades das experiências das mulheres foram ricas e variadas, e suas vozes falam de diversas possibilidades para vidas emocionalmente ricas e socialmente úteis.

1. Nice, A. T., Roma, Ancient, World Book, 2011
2. Kitzinger, E., Byzantine art in the making: main lines of stylistic development in Mediterranean art, 3rd-7th century, Faber & Faber, 1977
3. Hartt, F., A History of Italian Renaissance Art, Thames and Hudson, 1970
4. Pope-Hennessy, J. W., Italian High Renaissance and Baroque sculpture, Phaidon Press, 1996
5. Hyland, D. K. S. Futurism, World Book, 2011
6. Formaggio D. et al, Il Novecento Italiano, 1923 – 1933 Gabriele Mazzotta, 1983
7. Parmesani, L., L’Arte del Secolo, Skira, 2003
8. Celant, G., Arte Povera: Historias e Protagonistas, Electa, 1985

Imagens em destaque no slider: Michelangelo Pistoletto – Vénus of the Rags 1967, 1974. Imagem via Tate. Cortesia: Castello di Rivoli; Francesco Clemente – Il cerchio di Milarepa, 1982; Lucio Fontana – L’attesa. The Broken Telephone, 1959-66. Imagem via Wikipedia; Mario Merz – As casas giram em torno de nós ou nós giram em torno de casas?, Arte Povera 2011, Trienal, Milão; Carlo Carrà – O Cavaleiro Vermelho (1913), via pinterest com; Giorgio de Chirico – Melancholia, 1916, Imagem via Wikipedia; Maurizio Cattelan – A Nona Hora, 1999, Imagem via Wikipedia. Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos.

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