EDITS MAY OCCUR, números estúpidos e formatação no Reddit, bem como mais informações e detalhes
Eu tenho visto e respondido a tantos posts neste sub, recentemente, perguntando sobre “cantar no tom” que eu pensei em quebrar o que isso significa, e como melhorá-lo junto com outras “habilidades musicais auxiliares”. Estou a abordar este artigo de uma perspectiva teórica e académica, mas a sua técnica também pode ter impacto no seu tom, por isso certifique-se que junta este conselho com uma base sólida de técnica vocal para dar a si mesmo a melhor hipótese de sucesso.
Primeiro de tudo, o que significa “on/off pitch” e “in/out of/off key” mesmo?
No contexto de cantar, uma nota/pitch é uma dada nota (basicamente uma frequência vibracional) que um cantor está a tentar alcançar. Um instrumento com um botão, chave ou traste pode dedilhar essa nota e obter precisamente essa afinação, porque é assim que o instrumento é concebido. No entanto, a voz humana é flexível, como um elástico, e é capaz de cantar tons ou frequências que deslizam entre a colecção padronizada de notas/pontos que compõem a tonalidade da música ocidental. Outros instrumentos que podem deslizar entre os campos incluem o trombone e o violino. Isto significa que uma voz humana é capaz de cantar quase uma nota, seja ligeiramente abaixo de uma determinada tonalidade (chamamos a isto “cantar plano”), ou ligeiramente acima de uma determinada tonalidade (chamamos a isto “cantar agudo”), mas NÃO DISPONIBILIZAMOS A SUA PRÓXIMA NOTA no nosso sistema de tonalidade. O resultado de cantar um tom um pouco acima ou abaixo, é que soa descaído, preguiçoso, dissonante (um termo musical para um som musical abrasivo ou pouco atraente) ou simplesmente “errado”. Os cantores acabam por aprender o que cada tom individual sente para criar no seu corpo, o que lhes permite cantar com a mesma precisão de um trompete ou o que quer que seja.
Com respeito ao nosso sistema de notação e teoria, as notas num instrumento ou página também podem ser chamadas de “agudas” ou “lisas”, mas isso refere-se aos símbolos ♯ e ♭, que se referem a baixar um tom escrito por um semitom.
In/out of/off key é um pouco mais complicado. Na tonalidade ocidental, temos 12 arremessos distintos, cada um separado do seguinte por uma distância musical chamada “semitom”. Aqui está um artigo sobre esses 12 passos, dispostos de uma forma ascendente em uma “escala cromática”. Você não precisa saber muito sobre uma escala cromática, mas o título do artigo ilustra muito bem esses 12 lances, relacionados por semitons: https://en.wikipedia.org/wiki/Chromatic_scale Estes 12 passos repetem-se vezes sem conta, mas a frequências mais altas. Como se você tocasse cada nota branca e preta em ordem num piano começando em Dó, depois de 12 notas você chegaria a outro Dó, mas em freqüências mais altas. Poderíamos chamar a isto um “registo superior” do piano.
A tecla é basicamente uma colecção de 7 desses tons relacionados uns com os outros de uma forma muito específica, cada um desempenhando uma função na tecla que, quando usada numa peça de música, resulta numa sensação de “casa” dentro da tecla. Notas de fora da chave soam “erradas”, como se não pertencessem, porque não executam uma função no quadro mais amplo da chave. Cada tecla na música tem uma escala maior correspondente, que é 7 notas que sobem numa ordem específica. Se você iniciar uma escala maior em Dó, você usará uma coleção diferente de tons do que se você iniciar uma escala maior em Bb, no entanto, elas serão estruturadas da mesma forma. Aqui está um artigo sobre como as escalas principais são estruturadas e como elas se relacionam com as chaves: https://en.wikipedia.org/wiki/Major_scale Note que estes 7 passos também repetem o seu padrão repetidamente, mas em registos mais altos ou mais baixos. Se são as mesmas notas, apenas mais altas num piano, ainda são as mesmas notas de dentro de uma tecla.
Então, uma melodia para uma canção é escrita usando uma colecção específica de tons que têm um papel e função específicos dentro do centro tonal da tecla em que a canção é escrita. Uma melodia, digamos “Twinkle Twinkle”, é feita de tons muito específicos em uma determinada chave. Os tons são relacionados entre si de uma forma matemática e musical, e qualquer que seja a nota que se comece, é preciso manter essas relações musicais/matemáticas. Você pode cantar “Twinkle Twinkle” em qualquer tecla (ou começar em qualquer tom), mas você deve fazer as relações musicais consistentes com cada tecla, e você não pode ter certeza que só porque você está subindo quando a melodia sobe, que você está subindo para a NOTA CORRETA. Deixe-me visualizar um exemplo para você usando números:
Sabemos que a melodia de Twinkle Twinkle vai SAME, SAME, UP, SAME, UP, SAME, DOWN. Vamos usar estes números (que na verdade significam algo na música), e você verá que existe “espaço musical” entre os campos de destino (neste caso, os números no meio).
1 – 1 – 5 – 5 – 5 – 6 – 6 – 6 – 5
Agora, se você acabar cantando algo como 1 – 1 – 5 – 5 – 7 – 7 – 7 – 4, não é mais Twinkle Twinkle e você chegou às notas melódicas erradas, mesmo que você tenha subido quando as notas melódicas deveriam subir… você não subiu para as notas certas. Você exagerou. Então agora você está cantando notas erradas – notas que ainda podem pertencer à chave, mas não são as notas melódicas corretas, ou você pode estar cantando uma das muitas notas que estão fora da chave (lembre-se que as chaves são compostas de 7 notas de um possível 12) ou mesmo fora do reino da tonalidade ocidental.
Se alguém disser que você está cantando fora da tecla, basicamente significa que você está cantando cada nota um pouco afiada ou lisa (muitas vezes uma combinação de ambas), de modo que você está “quase certo” mas errado o suficiente para que haja uma dissonância musical, ou você está simplesmente direto cantando notas erradas (que podem ser notas dentro da tecla mas erradas para aquele momento particular na melodia, notas fora da tecla, ou uma daquelas notas “no meio” que mencionei no início).
Isto ocorre frequentemente quando o ouvido musical do cantor não está suficientemente desenvolvido para ter absorvido alguns dos padrões e convenções que compõem a maior parte da música, e a sua recordação musical não é suficientemente boa para que eles possam ouvir uma melodia e depois se lembrem de todos aqueles tons-alvo tal como foram tocados ou cantados, eles podem apenas lembrar-se que a melodia vai para cima aqui e para baixo ali. Este afastamento dos lançamentos prescritos, combinado com a incapacidade de um novo cantor em controlar tecnicamente a sua voz ao ponto de acabarem por cantar o tom que pretendem sem deslizar até ele, flutuando ou desviando-se, resulta em cantar fora do tom. É improvável que um cantor seja apenas afiado ou plano – é mais provável que seja uma combinação de afiado, plano e, na maioria das vezes, apenas WRONG.
Então como se mantém “no tom”/”na tecla”?
Desenvolvendo uma combinação de habilidades práticas e conhecimentos teóricos, incluindo correspondência básica de tom, habilidades de audição crítica, recordação musical, canto de padrões musicais, combinado com a aprendizagem da teoria musical e terminologia para fornecer um contexto para aquilo em que você está trabalhando. Muitos músicos aprendem simultaneamente Solfege, que é um sistema de perfuração de relações musicais por rote, usando o sistema de sílabas “Do Re Mi Fa Sol La Ti Do”, que é útil para a sua capacidade de ser aplicado a qualquer chave uma vez que o processo de memorização básica esteja completo.
Onde você começa? Comece com “on pitch” antes de passar para “in key”.
OPCIONAL arranje um amigo piano-savy para testar você em algum simples “esta nota é mais alta ou mais baixa que a última? “Isto são duas notas ou uma?” “Estas duas notas estão próximas ou muito afastadas?” para que os seus ouvidos funcionem.
1. Sente-se ao piano. GUARDA A APLICAÇÃO DE PITCH. A aplicação só te pode dizer a que altura estás mais perto, mas não adivinha o teu INTENDED PITCH. O aplicativo não pode adivinhar o contexto musical no qual você está cantando. O aplicativo irá mostrar-lhe em detalhes exagerados cada pequena flutuação e deslize de sua voz. DESLIGUE O APP, e ligue os seus ouvidos 🙂
a) Toque uma nota, digamos, Dó médio, ou qualquer nota que seja confortável para cantarolar ou cantar em “Daah”. Toca-a e ouve-a. Ouça a nota na sua mente. Visualize. Imagine cantar essa nota na sua própria voz (chamada “audiation”). Quando você inspira para cantar, inspire como se estivesse inalando para cantar aquela nota em particular. Depois cante. E quando você cantar, segure a nota! Preste atenção onde sua nota está sentada, em comparação com a nota que você tocou. Elas são muito diferentes, ou apenas ligeiramente diferentes?
Se for muito diferente, ouça atentamente para determinar se está a cantar mais alto ou mais baixo do que a nota de objectivo. Depois, deslize por aí/tente algumas notas diferentes, mas enquanto “procura”, preste atenção se está a aproximar-se ou a afastar-se, não se limite a andar por aí aleatoriamente e espere pelo melhor. Se você for capaz de corrigir para corresponder à nota que está tocando, preste atenção em como essa nova nota correta soa contra a que está tocando, e como se sente no seu corpo ao cantar. Pare de tocar/cantar e tente novamente, desta vez, tentando recriar essa sensação no seu corpo na primeira tentativa para uma melhor precisão.
Se soar apenas um pouco estranho, você pode estar apenas um pouco afiado ou plano para a nota que você está apontando. Dois arremessos que estão muito próximos na frequência irão criar vibrações concorrentes no ar, resultando numa série perceptível de pulsos no ar. Dois arremessos próximos que estão desligados por uma porcentagem maior criarão pulsos rápidos. Quanto mais próximos os dois campos se aproximam, mais lentos se tornam os pulsos. Eventualmente, os dois lançamentos serão combinados de uma forma que é difícil separar as duas vozes (você e piano, ou flauta e trompete) uma da outra e elas soarão como uma só voz. Apenas este passo, questionando-se a si próprio sobre a correspondência do tom de voz usando diferentes tons no piano, pode levar semanas ou meses. Seja paciente! Preste atenção ao que está a acontecer e concentre-se nesses sentimentos no seu corpo. Mantenha-se atento ao seu progresso. Note se você tende a apontar sempre muito baixo, ou muito alto. Não se preocupe muito com o tom da sua voz, apenas tente cantar a um volume razoável e registre-se para que você não se canse. Comece no seu alcance natural de fala.
Este é o fim do básico, de uma combinação de tom único, mas há muito mais para melhorar o seu ouvido e musicalidade geral. Se você estiver interessado em descobrir mais como os músicos praticam e afiam suas habilidades auriculares, leia em…
2. Uma vez que você possa combinar com sucesso qualquer tom dentro de sua faixa confortável sem deslizar para cima ou para baixo, você precisará aprender um pouco sobre notação e intervalos para que você possa continuar a tocar progressivamente coisas mais duras no piano, a fim de orientar sua prática. VOCÊ NÃO IRÁ LONGE NO CANTO OU NO TREINO DE OUVIDO SEM ALGUM CONHECIMENTO FUNCIONAL DE PIANO. Você precisa ser capaz de tocar e ouvir EXEMPLOS DE MÚSICA DE CONCRETO. Leia em notação, acidentalmente, estrutura da escala maior, hierarquia de graus da escala maior, semitons e intervalos. Pratique contorná-los no piano.
a) Avance para os intervalos de execução: duas notas sucessivas no piano, tanto ascendentes como descendentes, e depois cantar de volta os dois tons (mais tarde, passe para tocar as duas notas simultaneamente e tentar cantar as notas de volta individualmente). Use o mesmo cuidado que você usou no primeiro exemplo de combinação de tom. No início, você pode escolher suas notas arbitrariamente desde que elas estejam dentro do seu alcance, mas logo você também deve estar perfurando o nome de cada intervalo musical. Se conseguir contar a quantidade de semitons entre duas notas e comparar com uma referência escrita em algum lugar, você pode perfurar os intervalos. Aqui está um artigo: https://en.wikipedia.org/wiki/Interval_(music) . Então se você pode cantar duas notas, “Daaa daaa”, verifique qual é o intervalo, e cante-o novamente usando o nome do intervalo como suas sílabas. “Daaaa daaa, Major 3rd”.
b) Uma vez que você pode cantar duas notas em sucessão, incluindo duas notas que foram tocadas simultaneamente no piano, comece a perfurar o reconhecimento de intervalos diferentes. Nesta fase, um amigo piano-savy é útil porque pode tocar exemplos para você identificar, mas você mesmo deve ser capaz de encontrar e tocar todos os intervalos começando em qualquer nota no piano também. Os músicos usam todos os tipos de truques para identificação de intervalos – um 4º Perfeito lembra-lhes a abertura para uma determinada música, ou um 3º Maior é a primeira e terceira notas numa escala maior, ou um 3º Menor descendente é a campainha da sua infância, ou o que quer que seja. Nesta fase, você deve começar com apenas 2 intervalos contrastantes, tocados em todo o piano, para que seu ouvido não fique sobrecarregado. Comece por identificar entre um 3º Maior e um 4º Perfeito apenas, por exemplo. Depois acrescente um 3º Menor, etc. etc. etc. Construa sobre o que você sabe e apenas progrida um pequeno passo, o primeiro está completamente ao seu alcance.
c) Uma vez que você possa IDENTIFICAR, VOLTAR e LEMBRAR intervalos na sua memória musical, avance para cantar intervalos específicos acima e abaixo, usando apenas uma nota como referência, usando os truques e exercícios que você memorizou antes. Novamente, comece com apenas dois para contrastar, e construa a partir daí. Como em, você toca uma nota no piano e decide cantar “Perfect 5th up”, “Minor 3rd down”, etc. Compare-se sempre com o piano, ou inscreva um amigo para lhe fazer um teste.
WHY ARE INTERVALS TÃO IMPORTANTE? Porque eles são um dos blocos de construção da melodia! E apenas música em geral. Se você for capaz de alcançar estes pequenos conceitos musicais com sucesso, então você será capaz de cantar no contexto de uma música com mais precisão e compreensão, porque você estará “amarrado a algo”, não sem objetivo, cantando/flutuando “por cima da música”. Outros blocos de construção incluem escalas ou porções de escalas, das quais há muitas variedades e alterações, bem como acordes, que podem ser cantados de baixo para cima uma nota de cada vez, que também têm muitos tipos e qualidades. O que me leva a…
3. REPETIR TUDO SOBRE TUDO, MAS COM TIPOS DE ESCALA E PORCÓRDIGOS. No mínimo, escalas menores/maiores e tríades menores/maiores. Aprenda que notas pertencem em que tríades maiores/menores. Estes são outros blocos de construção de música 🙂
4. Se você quiser, leia no Solfege, que é um método de aprendizagem da altura e da visão, usando sílabas que são atribuídas a uma escala, aprendidas por rote, e podem ser aplicadas a qualquer chave. É um tópico demasiado profundo para entrar aqui, e há algum debate sobre qual método do Solfege é mais eficaz, por isso pode entrar nele aqui: https://en.wikipedia.org/wiki/Solf%C3%A8ge Eu aprendi na escola mas preferi usar a teoria e o meu ouvido para aprender música, por isso pensei que a aula era uma pequena perda de tempo. Mas muitos dos meus colegas acharam-na muito útil e ainda a usam até hoje.
O QUE “IN KEY” REALY MEANS AND IMPLIES
O TL;DR de “in key” significa essencialmente que você está ficando dentro dos campos predeterminados de uma peça de música, como decidido pelas construções da teoria musical & estilo. Ok, ótimo. Então, como você sabe qual é a chave que deve ser?
Faça uma rápida análise teórica da melodia e da harmonia da canção.
Numa melodia (que é essencialmente notas derivadas de uma determinada escala), as suas pistas estarão onde se encontram os passos inteiros e os meios passos. Consulte o artigo sobre as escalas principais: https://en.wikipedia.org/wiki/Major_scale e escreva todas as notas da sua melodia, e coloque-as em ordem de escala. Lembre-se que uma escala maior tem dois meios passos – entre o 3º e 4º grau da escala, e entre o 7º e o oitavo grau da escala. Se a sua melodia faz uso completo de toda a escala maior, então você deve ser capaz de colocar dois e dois juntos para determinar uma chave provável. Isto é mais complicado com muita música pop, pois os vocais são frequentemente melodias pentatónicas muito simples (pentatónica é uma escala simplificada que salta algumas notas e não inclui semitons https://en.wikipedia.org/wiki/Pentatonic_scale ), portanto essas notas podem pertencer a muitas teclas. Neste caso, precisamos olhar para a harmonia subjacente da música.
Para fazer isso, você precisa de alguém que lhe diga os acordes, encontre-os escritos em algum lugar, ou transcreva-os você mesmo. Você também precisa entender o conceito de tríades construídas em escalas, e como elas funcionam dentro da teoria da música. Você também pode precisar de conhecimento teórico suficiente para ser capaz de preencher os espaços em branco em alguns casos.
Vamos usar um exemplo de progressão de acordes para Cada Pequena Coisa que Ela Faz é Mágica – A Polícia. Aqui estão as primeiras letras:
“Though I’ve tried before to tell her of the feelings I have for her in my heart”.
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As notas para esta vai:
C – D – Eb – D – Eb – D – Eb – G / Dó – D – Eb – D – Eb – D – Eb – G / Dó – Eb – D – D – Bb
Você pode pensar que isto é Dó menor já que ele delineia a escala de graus 1, 2, 3, e 5 de uma escala de Dó menor.
Aqui estão os acordes sob essa melodia:
Abmaj – Bbmaj – Cmin – Bbmaj/D / Abmaj – Bbmaj – Cmin – Bbmaj/D / Ebmaj – Ebmaj – Ebmaj – Ebmaj – Ebmaj
A primeira vista, você pode pensar que está em Ab maior porque começa em Ab, mas você rapidamente perceberia que se fosse Ab maior o acorde Bb deveria ser menor, não maior, de acordo com as construções dos acordes diatônicos maiores.
Após os acertos do refrão, não há como enganar – Bbmaj – Ebmaj – Bbmaj – Eb maj etc.
Unmiscutivelmente a chave de Eb major. Porquê? A teoria e a história da música nos dizem que quando uma progressão se move numa cadência como esta, um acorde maior levando a outro acorde maior um 5º abaixo, e soa como um ponto de chegada, deve ser uma cadência 5-1, onde Bb é o 5º acorde de Eb major, e Eb é o 1º acorde de Eb major.
Por que estou dizendo isso? É muito para entender se você está em uma fase em que está tendo problemas para ficar na chave de uma canção. Mas estou incluindo-a para ser minucioso e para ilustrar os métodos que os músicos usam para “falar música” fluentemente.
Se não há ninguém à tua volta para te dizer os acordes ou a chave, não consegues perceber por ti próprio porque não conheces assim tanta teoria, e o teu ouvido ainda não está tão desenvolvido, bem… você está meio sem sorte, por enquanto 🙂 mas você ainda pode trabalhar no desenvolvimento de sua habilidade musical e de alfabetização musical, assim como praticar os fundamentos da habilidade auricular.
Quando você não está em um piano, você pode continuar a expandir sua compreensão e vocabulário auricular. Comece a ouvir a música de forma crítica. Isto requer prática para se apaixonar também – tente apenas ouvir a guitarra apenas na sua música favorita, depois apenas os vocais de apoio, depois apenas a bateria. Tente separar as partes/instrumentos musicais. Ouça novamente, mas preste atenção em como a melodia é estruturada – contraste o verso e o refrão. O que faz o cantor para tornar essas duas secções melodicamente diferentes? Tente ouvir a forma da canção – quantos versos, refrões, onde está a ponte, existe um pré-coro, uma intro/outro/interlúdio? Escolha um artista ou uma banda com uma textura sónica densa, e tente identificar todos os diferentes instrumentos ou sons utilizados, ou pelo menos escolha-os (Steely Dan é bom para isso). Tente cantar todos os instrumentos para o refrão – todas as guitarras, pianos, baixos, o padrão da bateria, todos os backing vocals. Este tipo de audição ajudará a “sintonizar” seu ouvido para uma audição musical mais crítica e análise musical ao longo do tempo. Mesmo que você não seja capaz de combinar o tom de cada instrumento ou seção, mesmo cantar a “forma geral” de uma frase é útil. Cada vez que você tenta escolher uma melodia instrumental da sua canção pop favorita ao piano, por exemplo, você está cimentando mais e mais conhecimento musical.
Passar tempo aprendendo sobre teoria musical, em particular teclas, assinaturas de teclas, relações de escala de teclas, acordes, hierarquia de graus de escala, intervalos, tempo, ritmo, terminologia da estrutura da canção, para que você tenha uma base de contexto musical na qual você possa colocar todo o seu aprendizado adicional. Os bons músicos compreendem como o que tocam FITS no contexto musical mais amplo da canção, teoricamente, auralmente e estilisticamente.
USER EXAMPLE
Eu vi vários Redditors postar que eles tentaram gravar alguns vocais sobre uma “batida” (gíria contemporânea para música instrumental, geralmente composta em um computador ou com a ajuda da tecnologia) e foi dito que eles estavam cantando na tecla errada, ou eles escreveram uma música, mas a melodia vocal não parecia combinar com a música instrumental, ou eles entraram no estúdio de gravação e continuaram à deriva da melodia. Há algumas abordagens diferentes para o que fazer num cenário como este, que vou tentar explicar-vos aqui.
Exemplo 1 – você entra no estúdio de gravação mas continua a desviar-se da tecla/pitch. Antes de entrar no estúdio em qualquer capacidade profissional/pre-profissional, você precisa construir seu conjunto de habilidades para incluir conhecimento teórico, ouvido forte, aprendizado musical e habilidades de retenção, e uma compreensão e conhecimento completo e verdadeiro do QUE VOCÊ É CANTANDO. Se você não tem certeza se você sabe, então você provavelmente não sabe. Você precisa SABER O QUE VOCÊ SABE 😉 Por exemplo, você pode ouvir, entender, interpretar e colocar no vocabulário musical os conceitos melódicos e rítmicos para o que você deveria estar cantando, e executá-los com precisão toda vez sem adivinhar, procurar, ou alinhar. Deixe-me esclarecer – por todos os meios experimente a gravação ao longo do seu crescimento como músico. As habilidades de estúdio são importantes. Mas se há uma chance de você sair da chave sem perceber, você não está pronto para entrar no estúdio como um profissional ou mesmo pré-profissional.
Exemplo 2 – alguém lhe diz que você está cantando na tecla errada para um instrumental. Você precisa desenvolver seus conhecimentos teóricos e habilidades auriculares para poder ouvir e interpretar as pistas na música que lhe dirão qual chave/tonalidade/escala você deve estar cantando, especialmente se o produtor não puder lhe dizer (o que infelizmente é bastante comum neste dia & idade da produção musical/produtora de música/beatmakers/bedroom producers).
Exemplo 3 – você escreveu alguns acordes na sua guitarra, e a melodia que você colocou na sua letra não parece combinar. Mais uma vez, isso se deve em grande parte a melhorar seu ouvido e seu conhecimento teórico. Comece por aprender quais são os acordes que você está tocando E que notas compõem todos os acordes. Depois escreva todas essas notas de múltiplos acordes em ordem de escala e veja se você pode discernir um padrão de escala maior. Depois escreva as notas que você está tentando cantar e veja se há alguma nota estranha que choca com a sua coleção de notas que você tirou dos seus acordes. Por exemplo – a sua melodia inclui um B natural, mas alguns dos seus acordes tinham um B bemol. SEMPRE ADIE PARA OS ACORDES. Talvez você tenha que mudar a sua melodia vocal.
E finalmente, um pouco sobre quem eu sou e como eu aplico essas habilidades:
Eu tenho um mestrado em performance de saxofone (jazz), e antes disso, eu estudei piano clássico no colegial. Quando criança eu tinha um bom ouvido, mas eu tinha que aprender o vocabulário e a aplicação para todas essas coisas, independentemente de tudo isso. Então, eu aprendi essas coisas primeiro sob a tutela do meu instrutor particular de piano, e mais tarde nos meus cursos de música principal na universidade como Teoria Musical, Solfege e Habilidades Auriculares (sim, eu tinha uma aula inteira só para Solfege). Mudei-me para uma grande cidade há três anos e agora ganho parte da minha vida a actuar como vocalista, saxofonista e tecladista na minha própria música original neo-soul (solo & com uma banda), em motown/R&B bandas cover, swing bands, outros projectos originais, actuações a solo em bares, casamentos, etc. www.shannonchapman.ca se estiver interessado 🙂
Tenho de aprender muita música rapidamente, e tenho de ser capaz de abordar a música de tantos ângulos.Quando estou aprendendo, cantando, ou escrevendo uma música, estou simultaneamente usando tanto conhecimento – eu forjo conexões como “Oh, esta harmonia de fundo começa um terço menor acima de onde o vocal principal parou no final da secção anterior” ou “esta melodia começa no 5º do acorde” ou “esta melodia é complicada porque são três 3rds menores diferentes seguidos” ou “a melodia sobe um 6º para a ponte” “no verso sou a harmonia superior que é um A, por isso posso ouvir isso na minha parte do piano, mas no refrão sou a harmonia inferior” etc., etc. etc. É muito conhecimento trabalhar em conjunto de uma forma em que já não tenho de trabalhar – passou a fazer parte do meu vocabulário. E como aprender qualquer língua, você precisa começar pelo básico.
É assim que você pode começar!