Alai

Constituită din unele dintre cele mai faimoase opere de artă și arhitectură din lume, arta italiană a fost mult timp punctul central al istoriei mondiale. Progresul cultural și schimbul de „cizmă” populară a rămas consecvent de-a lungul secolelor, ceea ce a dus la o producție continuă de lucrări monumentale și spectaculoase în toate sferele culturii și artelor. De la vremurile clasice și popoarele antice care au format prima civilizație din peninsula Apenină, marele Imperiu Roman ca principal centru cultural, politic și religios al lumii occidentale, la perioadele glorioase ale Renașterii și Barocului, fără de care pur și simplu nu ne putem imagina arta, și la mișcările de avangardă italiene cruciale din ultimul secol, arta italiană reprezintă una dintre cele mai mari comori ale umanității. Artiștii, muzeele, galeriile și tendințele sale au fost întotdeauna strâns aliate cu curentele intelectuale și religioase, reflectând noțiunile timpului lor și modelând o moștenire excepțională și inepuizabilă. O țară în care viața însăși este considerată o formă de artă, Italia continuă să contribuie la diversitatea și îmbogățirea culturii proprii și a culturii lumii, sărbătorind abundența și semnificația tradiției sale.

Principiile – Arta romană și etruscă

Rolul central în istoria artei italiene a fost întotdeauna jucat de Roma, începând cu secolul al IX-lea î.Hr. și de arta etruscă. În momentul în care capitala a început să construiască imperiul în peninsula Apenină, figurile lor din bronz, reliefurile din teracotă, picturile și frescele erau puternic prezente, stabilind un standard riguros în ceea ce privește stilul și tehnica, care avea să fie urmat în secolele următoare. Frescele etrusce, găsite pe pereții mormintelor, sunt încă considerate cele mai importante exemple de picturi figurative preromane cunoscute de cercetători. Acestea erau realizate din tencuială proaspătă și culori naturale, provenind în principal din pietre și minerale și aplicate cu ajutorul unor pensule din păr de animal. Aceste lucrări înfățișau mai ales peisaje din viața de zi cu zi și scene mitologice tradiționale. La mijlocul secolului al IV-lea, a început să fie folosită faimoasa tehnică a clar-obscurului, pentru a descrie volumul și profunzimea.

Etruscii au avut, de asemenea, o mare influență asupra arhitecturii romane de mai târziu, care a fost una dintre pietrele de temelie ale marelui imperiu care a luat ființă până în secolul I d.Hr. Odată cu civilizația au venit și cultura și artele, Roma devenind cel mai avansat oraș din lume. Operele de artă au devenit simbolul bogăției și al abundenței, picturile murale decorând casele și sculpturile fiind instalate în fiecare colț al casei și al grădinii. Romanii decorau și ei podelele cu mozaicuri, care de obicei înfățișau evenimente din mitologia greacă și romană, scene istorice cotidiene. Influențată de arta și religia orientală, în special de Imperiul Bizantin și de capitala Constantinopol, arta romană a început să încorporeze motive creștine și a îmbunătățit producția de pictură murală, de mozaicuri pentru tavane și podele, precum și de sculpturi funerare.

Tendința a continuat și în Evul Mediu, arta bizantină din Italia evoluând spre o decorație foarte formală și rafinată, cu caligrafie standardizată și o utilizare admirabilă a aurului și a culorilor. Arta din Italia până în acel moment era destul de regională, cu impact al curentelor externe europene și orientale. Un alt stil important a fost cel gotic, care a marcat tranziția de la perioada medievală la cea renascentistă. În timpul disputelor religioase din cadrul bisericii, ordinele de călugări franciscani au vrut să readucă Biserica Catolică la origini, introducând arhitectura gotică mai întâi în nordul Europei și apoi spre sud, spre Italia.

Arta Renașterii în Italia

Cu siguranță cea mai faimoasă perioadă din istoria artei italiene, Renașterea a marcat perioada cuprinsă între sfârșitul secolului al XIII-lea și sfârșitul secolului al XVI-lea. A început cu pictori și sculptori care doreau să dea operelor lor o calitate spirituală și să evoce semnificații religioase profunde. În același timp, au dorit să înfățișeze oamenii și natura în mod realist. Acest lucru s-a reflectat și în arhitectura Renașterii, unde arhitecții au proiectat catedrale uriașe pentru a sublinia măreția lui Dumnezeu și pentru a umili spiritul uman. Artiștii din Italia renascentistă erau adesea atașați de anumite curți și erau loiali doar anumitor orașe, însă operele lor de artă arătau întreaga Italie, diseminând idei artistice și filosofice. Locul de naștere al Renașterii este cu siguranță orașul Florența din Toscana, care și astăzi deține unele dintre cele mai importante opere din cele patru perioade și găzduiește cele mai faimoase muzee și galerii din lume.

De fapt, Proto-Renașterea (1300-1400), Renașterea timpurie (1400-1475), Renașterea înaltă (1475-1525) și Manierismul (1525-1600) au fost împărțite între artiștii care au evidențiat fiecare dintre ele. Începuturile marcate de celebrul pictor Giotto, care a fost primul artist care a portretizat natura în mod realist de la căderea Imperiului Roman. Frescele sale magnifice, pline de emoții de bucurie, furie, disperare, rușine, dușmănie și iubire, pot fi încă găsite în interiorul bisericilor din Assisi, Florența, Padova și Roma. Între Giotto și cei trei maeștri care au ajuns să domine artele de la sfârșitul secolului al XV-lea și începutul secolului al XVI-lea, îi avem pe Taddeo Gaddi, Orcagna, Altichiero, Masaccio, Donatello, Paolo Uccello, Andrea Mantegna și mulți alții.

Opere de artă renascentistă italiană – Istoria artei în Italia

Operele din Înalta Renaștere ale lui Michelangelo, Rafael și da Vinci

Perioada Înaltei Renașteri, de la sfârșitul secolului al XV-lea și începutul secolului al XVI-lea, a fost una dintre cele mai importante perioade din întreaga istorie a artei și cel mai strălucitor moment al celei italiene, cu siguranță datorită strălucirii a trei oameni care sunt Michelangelo, Rafael și Leonardo da Vinci. Michelangelo, proclamat cel mai mare sculptor din istorie, a fost un maestru în portretizarea figurii umane, transmițând o impresie copleșitoare de putere fizică și spirituală. Remarcabila sa frescă de pe tavanul Capelei Sixtine din Vatican, pictată între 1508 și 1512, este considerată una dintre cele mai mari opere de artă renascentistă. Pe de altă parte, arta lui Rafael era mai poetică, deoarece era priceput în crearea perspectivei și în utilizarea culorilor delicate. El este cunoscut pentru numeroasele picturi ale Fecioarei Maria, iar multe dintre lucrările sale au fost influențate de modelele clasice grecești și romane.

Alături de frescele Capelei Sixtine pe lista celor mai faimoase opere de artă renascentistă italiană se află Cina cea de Taină a lui Leonardo da Vinci și portretul Mona Lisa, plasându-l pe acesta ca fiind, fără îndoială, cea mai mare minte a timpului său și nu numai. Simbol al spiritului renascentist al învățăturii și al curiozității intelectuale, da Vinci a fost un mare talent în atât de multe domenii diverse, care a învățat uitându-se la lucruri. Studiile sale despre lumină, anatomie, peisaj și expresii umane continuă să nu fie atinse de niciun alt artist din lume.

Introducerea artei moderne și contemporane italiene

Între Renaștere și epoca modernă, arta italiană a evoluat în stil, trecând prin eleganța manierismului, barocul clar-obscur furtunos al lui Caravaggio și Bernini, tendințele rococo ale lui Tiepolo, Canaletto și Bellotto, precum și operele neoclasice ale lui Canova și Hayez, între secolele XVII și XIX. Odată cu sosirea secolului XX, Italia și artiștii săi s-au alăturat și ei concepției mișcărilor de avangardă, bazându-se pe bogata moștenire a predecesorilor lor. Cu dezvoltări majore în pictură și sculptură, Italia a ajuns să fie, de asemenea, punctul fierbinte al designului, în special spre sfârșitul mileniului, care a produs designeri influenți cu lucrările lor funcționale imaginative și ingenioase.

Futurism – Futurismo

Între 1909 și 1916, Italia s-a alăturat mișcărilor europene care urmăreau să rupă legăturile cu trecutul în toate sferele vieții. Totul a început cu Manifestul Futurist, conceput de scriitorul italian Filippo Tommaso Marinetti, care exprima glorificarea futuristă a puterii, a vitezei și a entuziasmului, precum și dezaprobarea a tot ceea ce era vechi, în special a tradiției politice și artistice. Operele lor de artă celebrau triumful tehnologic și era mașinilor asupra naturii, înfățișând adesea mașina, avionul, orașul industrial. Stilul artiștilor futurismului era caracterizat de fragmente de culori suprapuse și de imagini multiple, care debordau de energie și evocau atmosfera frenetică a timpurilor moderne. Lucrările au cuprins o varietate de medii, inclusiv pictură, sculptură, design grafic și industrial, ceramică, film și teatru, modă și textile, literatură, muzică, arhitectură și chiar gastronomie, trăgând sinpirație din divizionism și cubism. Aplicarea ideilor futuriste în artele vizuale a fost realizată de un grup de tineri pictori cu sediul la Milano, din care făceau parte Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla și Gino Severini. Boccioni a lucrat, de asemenea, cu sculpturi, creând faimosul tablou Forme unice de continuitate în spațiu din 1913, care a rămas ca simbol al figurilor care se deplasează prin spațiu cu mare viteză.

Artă metafizică – Pittura Metafisica

Cu lucrările lui Carlo Carrà și Giorgio de Chirico la Ferrara, arta metafizică, în italiană pittura metafisica, a ajuns să definească o pictură onirică a piețelor tipice orașelor italiene idealizate. În aceste lucrări, figurile și obiectele par încremenite în timp, regăsite în contexte ciudate, ilogice, lumini și culori ireale, perspectivă nefirească. Descrise ca „picturi care nu pot fi văzute”, aceste lucrări trebuie recunoscute ca produse ale minții inconștiente, dincolo de logică sau de realitatea fizică – de unde și denumirea de „metafizice”. Școala înființată de de Chirico și Carrà, deși de scurtă durată, a oferit un impuls semnificativ pentru dezvoltarea unor mișcări precum Dada și suprarealismul, de asemenea.

Novecento Italiano

Fondat la Milano în 1922, Novecento Italiano a fost o mișcare creată pentru a reînnoi arta italiană prin respingerea mișcărilor de avangardă europene și s-a bazat pe retorica fascismului lui Mussolini. Fondată de criticul Margherita Sarfatti și practicată de șapte artiști, printre care Anselmo Bucci, Leonardo Dudreville, Achille Funi, Gian Emilio Malerba, Piero Marussig, Ubaldo Oppi și Mario Sironi, inițiativa s-a întors la marea artă reprezentativă italiană din trecut, în special la Quattrocento (anii 1400) și Cinquecento (anii 1500). Artiștii din Novecento (însemnând anii 1900) au susținut regimul fascist, iar lucrările lor au fost asociate cu departamentul de propagandă de stat, urmărind să reînvie tradiția picturii istorice de format mare în manieră clasică. Mișcarea a fost lansată oficial în 1923 la o expoziție din Milano, cu Mussolini ca unul dintre vorbitori, și a durat până în 1943.

Mario Sironi – Paesaggio urbano e camion, 1920. Imagine via settemuse.it

Spatialism – Spazialismo

Marcat de picturile tăiate și găurite ale lui Lucio Fontana, Spațialismul, sau movimento spaziale în italiană, a fost cea mai proeminentă mișcare din perioada postbelică, între 1947 și 1954. Conceput ca un nou tip de artă, acesta intenționa să sintetizeze culoarea, sunetul, spațiul, mișcarea și timpul în operele de artă, combinând elemente din arta concretă, Dada și Tachisme. Anticipată de Manifesto Bianco (Manifestul alb) al lui Fontana, publicat la Buenos Aires în 1946 și urmat de alte cinci manifeste, mișcarea a căutat să unească arta și știința pentru a proiecta culoarea și forma în spațiul real prin utilizarea unor tehnici de ultimă oră, cum ar fi iluminatul cu neon și televiziunea. Lucrările lui Fontana, cum ar fi Black Spatial Environment din 1947 și pânzele tăiate cu lama de ras create de-a lungul anilor 1950 și 1960, au ajuns să influențeze arta ambientală și au fost primele care au promovat ideea de artă gestuală și performance ca părți cruciale ale creației.

Arte Povera

Stimatul critic de artă italian Germano Celant a inventat termenul Arte Povera în timpul anilor 1960, descriind lucrări de artă care combinau aspecte ale artei conceptuale, minimaliste și ale artei performative pentru a adopta o poziție radicală. Artiștii au început să pună sub semnul întrebării și, în cele din urmă, să atace valorile instituțiilor stabilite, întrebându-se dacă arta, ca expresie privată a unui individ, mai are un motiv etic de a exista. Celant, împreună cu figuri-cheie care au contribuit la modelarea mișcării, cum ar fi Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Jannis Kounellis, Mario Merz și Marisa Merz, Pino Pascali, Giuseppe Penone și Michelangelo Pistoletto, au promovat noțiunea de artă revoluționară, liberă de convenții, de puterea structurii și de piață. Numele de „arte povera”, care înseamnă „artă sărăcită”, a derivat din utilizarea unor materiale fără valoare sau comune, cum ar fi pământul sau ziarele, în speranța de a submina comercializarea artei.

Anti Design

Pe lângă principalele mișcări ale artei italiene care au modelat cultura țării în secolul al XX-lea, un rol important l-a jucat și designul, care a devenit cunoscut și a ajuns pe culmile sofisticării și clasei. Dacă la începutul secolului, designerii s-au străduit să găsească un echilibru între eleganța clasică și creativitatea modernă, dând viață unor piese asemănătoare stilului francez Art Deco, domeniul a evoluat și a devenit principalul actor pe scena internațională în anii 1960 și 1970, mai ales în materie de mobilier și design interior. Cu toate acestea, între anii 1966 și 1980, a existat Anti-Design, care a pus accentul pe culori izbitoare, distorsionarea scării, ironie și kitsch. Mișcarea a fost o reacție împotriva esteticii perfecționiste a modernismului, care a început cu Ettore Sottsass Jr. Împreună cu grupurile Radical Design, cum ar fi Archigram și Superstudio, și-au exprimat ideile prin producerea de prototipuri de mobilier, piese de expoziție și publicarea de manifeste care sunt considerate revoluționare chiar și astăzi. Ei au îmbrățișat unicitatea în detrimentul producției în masă, iar designurile lor erau menite să fie funcționale, mai degrabă decât frumoase.

Transavangarde – Transavanguardia

Versiunea italiană a neoexpresionismului, Transavangarde, cunoscută și sub numele de Transavanguardia, este o mișcare care a cuprins Italia, și restul Europei de Vest, la sfârșitul anilor 1970 și în anii 1980. Literalmente însemnând „dincolo de avangardă”, termenul a fost inventat de un alt critic italian renumit, Achille Bonito Oliva, și a simbolizat respingerea conceptualului și întoarcerea la emoție, în special în pictură și sculptură. Artiștii, precum Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Sandro Chia și Mimmo Paladino, au reînviat simbolismul și pictura figurativă, precum și imaginile mitice, redescoperite în perioada de apogeu a mișcării.

Cu privire la noul mileniu – Arte Italiana Today

Chiar la cinci sute de ani după perioada Renașterii, care este încă considerată punctul culminant al istoriei artei italiene, locul țării pe scena internațională este unul foarte semnificativ chiar și astăzi. Artiștii, criticii, curatorii și personalitățile sale influente sunt mereu prezenți, demonstrând determinarea Italiei de a-și păstra moștenirea fără a-și pierde atenția asupra prezentului și viitorului. Să nu uităm că Bienala de la Veneția a fost prima expoziție de artă care a susținut arta contemporană în lume, în 2015 marcând cea de-a 56-a ediție. În afară de muzeele și galeriile istorice răspândite în întreaga țară, precum Galeria Uffizi sau Pinacoteca di Brera, orașe precum Florența, Milano, Roma, Veneția și Torino găzduiesc numeroase instituții și evenimente care sunt esențiale în susținerea și promovarea artelor contemporane în Italia și nu numai: Palazzo Reale și Museo del Novecento din Milano, MACRO și MAXXI din Roma, Museo di Villa Croce din Genova, Punta della Dogana din Veneția, Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina din Napoli, Castello di Rivoli din Torino… În ultimul deceniu, Italia a asistat, de asemenea, la ascensiunea artiștilor și operelor sale pe piața internațională de artă, împărțită între figurile importante ale secolului XX și un grup de noi talente care vine să definească tendințele mileniului. Un mare contribuitor și susținător al acestor indivizi este, cu siguranță, târgul de artă Artissima, cel mai mare din Italia, aflat la cea de-a 23-a ediție, precum și numeroasele colecții de artă private și publice. Cu o puternică inspirație din trecut, arta italiană pare de neoprit și nu ne dă niciun motiv să ne îndoim că moștenirea sa extraordinară nu va fi continuată și în viitor.

Sfatul redacției: Femeile în arta Renașterii italiene: Gen, reprezentare, identitate

Între c1350 și c1650, societățile urbane italiene au cunoscut numeroase dezbateri privind natura, rolurile, educația și comportamentul femeilor¹. Această carte umple un gol în literatura de specialitate, încă în plină expansiune, despre toate aspectele vieții femeilor din această perioadă. Folosind o gamă largă de materiale, dintre care cele mai multe nu au mai fost traduse până acum, această carte luminează idealurile și realitățile care au informat viața femeilor în contextul culturii civice și curtenești din Italia Renașterii. Textul este împărțit în trei secțiuni: viziunile contemporane asupra naturii femeilor și idealurile etice și estetice considerate potrivite pentru ele; ciclurile vieții de la naștere până la moarte, punctate de riturile de trecere ale logodnei, căsătoriei și văduviei; rolurile femeilor în mănăstire, la curte, la locul de muncă și în viața culturală.Prin explorarea acestor teme, Mary Rogers și Paola Tinagli demonstrează că nu a existat o singură „femeie a Renașterii”. Realitățile experiențelor femeilor au fost bogate și variate, iar vocile lor vorbesc despre diverse posibilități pentru o viață bogată din punct de vedere emoțional și utilă din punct de vedere social.

1. Nice, A. T., Rome, Ancient, World Book, 2011
2. Kitzinger, E., Byzantine art in the making: main lines of stylistic development in Mediterranean art, 3rd-7th century, Faber & Faber, 1977
3. Hartt, F., A History of Italian Renaissance Art, Thames and Hudson, 1970
4. Pope-Hennessy, J. W., Italian High Renaissance and Baroque sculpture, Phaidon Press, 1996
5. Hyland, D. K. S. Futurism, World Book, 2011
6. Formaggio D. și colab, Il Novecento Italiano, 1923 – 1933 Gabriele Mazzotta, 1983
7. Parmesani, L., L’Arte del Secolo, Skira, 2003
8. Celant, G., Arte Povera: Istorii și protagoniști, Electa, 1985

Imagini în glisare: Michelangelo Pistoletto – Venus din zdrențe 1967, 1974. Imagine via Tate. Courtesy Castello di Rivoli; Francesco Clemente – Il cerchio di Milarepa (Cercul lui Milarepa), 1982; Lucio Fontana – L’attesa. The Broken Telephone, 1959-66. Imagine via Wikipedia; Mario Merz – Casele se învârt în jurul nostru sau noi ne învârtim în jurul caselor?, Arte Povera 2011, Triennale, Milano; Carlo Carrà – Cavalerul roșu (1913), via pinterest com; Giorgio de Chirico – Melancolie, 1916, Imagine via Wikipedia; Maurizio Cattelan – The Ninth Hour, 1999, Imagine via Wikipedia. Toate imaginile sunt folosite doar în scop ilustrativ.

.