Frida Kahlo, s-a născut în Coyoacán, o suburbie a Ciudad de Mexico, în 1907, fiica unui fotograf german-evreu și a unei mame indian-spaniolă. În ciuda originii sale europene, Kahlo s-a identificat toată viața cu moștenirea din Lumea Nouă, mexicană, îmbrăcându-se în haine indigene oriunde a călătorit. Rănită într-un accident de autobuz la vârsta de 15 ani, Kahlo a rămas invalidă pe viață. După numeroase operații de corectare a leziunilor spinale și interne, a devenit în cele din urmă invalidă înainte de a muri la vârsta de 47 de ani. La fel ca soțul ei, pictorul muralist Diego Rivera, Kahlo și-a menținut toată viața un angajament față de politica de stânga, iar în anii 1930 l-a însoțit pe acesta în mai multe călătorii în Statele Unite, unde a fost însărcinat să realizeze picturi murale în New York, Detroit și San Francisco. Cea mai controversată dintre acestea a fost o pictură murală pentru Rockefeller Center, care a fost anulată deoarece includea un portret al lui Lenin pe care Rivera a refuzat să îl îndepărteze. Kahlo a murit în Mexico City în 1954.
Spre deosebire de picturile murale ale lui Rivera, care erau grandioase și pline de ideologie politică, lucrările lui Kahlo erau intime, personale și în tradiția picturii de șevalet. De obicei autobiografică, ea a pictat evenimentele din viața ei cu elemente și situații simbolice, creând o realitate onirică, înfricoșător de reală, dar fantastică și magică. Unul dintre tablouri, Broken Column (1944), o arată pe artistă într-un peisaj pustiu din deșert, cu carnea tăiată pentru a dezvălui o coloană clasică crăpată în locul coloanei vertebrale, o înregistrare dureroasă a luptei sale de o viață cu consecințele psihologice și fizice ale accidentului său. O alta, The Wounded Deer (1946), o înfățișează pe Kahlo ca o căprioară cu propriul cap uman, împușcată plină de săgeți într-o pădure părăsită în mod misterios, cu un corp de apă în fundal. Ea a pictat multe autoportrete de-a lungul vieții sale.
Kahlo a încorporat elemente de artă populară mexicană în picturile sale. Conținutul tematic primează adesea în fața unei fidelități față de realism, iar scara lucrurilor reprezintă mai degrabă relații simbolice decât fizice. Temele recurente ale suferinței pământești și ale ciclului răscumpărător al naturii reflectă amestecul de catolicism spaniol și religie indiană proeminent în cultura mexicană. Culoarea lui Kahlo, deși naturalistă, este plată și dramatică.
Poetul suprarealist francez Andre Breton, care a trăit pentru o vreme în Mexic, a afirmat că Kahlo este suprarealistă. Ea s-a arătat iritată de această asociere cu artiști care trăiau la mii de kilometri distanță și care lucrau cu teorii psihanalitice ale subconștientului. Ea a afirmat: „Breton credea că sunt suprarealistă, dar nu eram. Nu am pictat niciodată vise. Mi-am pictat propria realitate”. Cu toate acestea, a expus la Julian Levy Gallery din New York, cunoscută pentru că expunea lucrări suprarealiste, și a călătorit la Paris la îndemnul lui Breton pentru a-și expune lucrările.
La începutul vieții sale, munca și reputația sa ca artist au fost umbrite de relația cu Rivera, care era mai în vârstă și faimos înainte de a se cunoaște. Ea părea, de asemenea, în conflict cu sentimentul ei de datorie față de el ca soție. La sfârșitul anilor 1930, ea și-a afirmat independența față de el, iar în 1939 au divorțat, pentru a se recăsători la scurt timp după aceea. Acest eveniment a reprezentat o temă importantă în opera ei din acea perioadă. Spre deosebire de Rivera, care era relativ bogat din munca sa, Kahlo a avut mari dificultăți în a se întreține din vânzarea picturilor sale.
Împreună au dus o viață extravagantă în Mexic și în timpul călătoriilor lor în Statele Unite. Ei s-au aflat în centrul vieții culturale mexicane în anii 1920 și 1930, când artiștii și intelectualii mexicani își redescopereau propria moștenire și respingeau legăturile europene. Această dorință pentru o artă mexicană a venit în parte din interesul pentru politica de stânga. Kahlo a fost membră pe viață a Partidului Comunist, care credea că arta ar trebui să servească mai degrabă maselor mexicane decât unei elite europene. Spre deosebire de Rivera, Kahlo nu a fost o muralistă, dar mai târziu în viață, când i s-a cerut să predea la o importantă școală de artă de stat, a organizat echipe de studenți pentru a executa lucrări publice.
În timpul vieții sale, Frida Kahlo a primit mai multă recunoaștere ca pictoriță în Statele Unite decât în Mexic. A fost inclusă în mai multe expoziții de grup importante, printre care „Douăzeci de secole de artă mexicană” la Muzeul de Artă Modernă și o expoziție de femei artiste la Galeria Peggy Guggenheim’s Art of This Century din New York. Prima sa expoziție personală în Mexic, la Galeria Arte Contemporaneo, a avut loc cu doar un an înainte de moartea sa și, în parte, pentru că moartea sa a fost anticipată. După moartea ei, în 1954, reputația ei a crescut în Mexic și s-a diminuat în Statele Unite, o perioadă în care comuniștii și simpatizanții lor erau discreditați. Diego Rivera însuși este mai puțin cunoscut în Statele Unite acum decât în anii 1930.
Ca multe artiste proeminente din generația sa, cum ar fi Louise Nevelson și Georgia O’Keefe, arta Fridei Kahlo a fost individualistă și s-a distanțat de lucrările mainstream. Ele au fost adesea trecute cu vederea de critici și istorici pentru că erau femei și outsideri și pentru că arta lor era dificil de încadrat în mișcări și categorii. Kahlo a beneficiat de o atenție sporită începând cu anii 1970, pe măsură ce obiecțiile la adresa politicii sale s-au atenuat și pe măsură ce a crescut interesul pentru rolul femeilor artiști și intelectuali în istorie. Conceptele de modernism sunt, de asemenea, extinse pentru a cuprinde o tulpină neîntreruptă de artă figurativă de-a lungul secolului XX, în care pictura lui Kahlo se încadrează fără probleme. Frida Kahlo a fost subiectul unor mari expoziții retrospective în Statele Unite în 1978-1979 și în 1983 și în Anglia în 1982.
.