Frida Kahlo, nacque a Coyoacán, un sobborgo di Città del Messico, nel 1907, figlia di un fotografo tedesco-ebraico e di una madre indio-spagnola. Nonostante il suo background europeo, Kahlo si identificò per tutta la vita con il Nuovo Mondo, l’eredità messicana, vestendosi con abiti nativi ovunque viaggiasse. Ferita in un incidente di autobus all’età di 15 anni, Kahlo rimase disabile per tutta la vita. Dopo numerose operazioni per correggere le sue lesioni spinali e interne, alla fine divenne un’invalida prima della sua morte all’età di 47 anni. Come suo marito, il muralista Diego Rivera, la Kahlo mantenne per tutta la vita un impegno verso la politica di sinistra, e negli anni ’30 lo accompagnò in diversi viaggi negli Stati Uniti dove gli furono commissionati dei murales a New York, Detroit e San Francisco. Il più controverso di questi fu un murale per il Rockefeller Center che fu cancellato perché includeva un ritratto di Lenin che Rivera si rifiutò di rimuovere. Kahlo morì a Città del Messico nel 1954.
A differenza dei murales di Rivera, che erano grandiosi e pieni di ideologia politica, il lavoro di Kahlo era intimo, personale e nella tradizione della pittura da cavalletto. Solitamente autobiografica, dipingeva gli eventi della sua vita con elementi e situazioni simboliche, creando una realtà onirica, spaventosamente reale ma fantastica e magica. Un dipinto, Broken Column (1944), mostra l’artista in un deserto desolato con la sua carne tagliata via per rivelare una colonna classica incrinata al posto della sua spina dorsale, una registrazione dolorosa della sua lotta per tutta la vita con le conseguenze psicologiche e fisiche del suo incidente. Un altro, The Wounded Deer (1946), mostra Kahlo come un cervo con la propria testa umana, colpito da frecce in una foresta misteriosamente abbandonata con uno specchio d’acqua sullo sfondo. Ha dipinto molti autoritratti durante la sua vita.
Kahlo ha incorporato elementi di arte popolare messicana nei suoi dipinti. Il contenuto tematico ha spesso la precedenza su una fedeltà al realismo, e la scala delle cose rappresenta relazioni simboliche piuttosto che fisiche. I temi ricorrenti della sofferenza terrena e il ciclo redentore della natura riflettono la miscela di cattolicesimo spagnolo e religione indiana prominente nella cultura messicana. Il colore di Kahlo, mentre è naturalistico, è piatto e drammatico.
Il poeta surrealista francese Andre Breton, che visse per un periodo in Messico, rivendicò Kahlo come surrealista. Lei si irritava per questa associazione con artisti che vivevano a migliaia di chilometri di distanza e che lavoravano con le teorie psicoanalitiche del subconscio. Lei affermò: “Breton pensava che io fossi una surrealista, ma non lo ero. Non ho mai dipinto sogni. Ho dipinto la mia realtà”. Tuttavia, espose alla Julian Levy Gallery di New York, nota per le mostre del Surrealismo, e si recò a Parigi su sollecitazione di Breton per mostrare il suo lavoro.
All’inizio della sua vita il suo lavoro e la sua reputazione come artista furono messi in ombra dalla sua relazione con Rivera, che era più vecchio e famoso prima del loro incontro. Sembrava anche combattuta dal suo senso del dovere verso di lui come moglie. Alla fine degli anni ’30 affermò la sua indipendenza da lui, e nel 1939 divorziarono, per poi risposarsi poco tempo dopo. Questo evento servì come un tema importante nel suo lavoro di quel periodo. In contrasto con Rivera, che era relativamente ricco grazie al suo lavoro, la Kahlo aveva grandi difficoltà a mantenersi con la vendita dei suoi dipinti.
Insieme conducevano una vita sgargiante in Messico e durante i loro viaggi negli Stati Uniti. Erano al centro della vita culturale messicana negli anni ’20 e ’30, quando gli artisti e gli intellettuali messicani stavano riscoprendo la propria eredità e rifiutando i legami europei. Questo desiderio di un’arte messicana venne in parte da un interesse per la politica di sinistra. Kahlo fu per tutta la vita membro del Partito Comunista, che credeva che l’arte dovesse servire le masse messicane piuttosto che un’élite europea. A differenza di Rivera, Kahlo non era un muralista, ma più tardi nella sua vita, quando le fu chiesto di insegnare in un’importante scuola d’arte statale, organizzò squadre di studenti per eseguire opere pubbliche.
Durante la sua vita Frida Kahlo ricevette più riconoscimento come pittrice negli Stati Uniti che in Messico. Fu inclusa in diverse importanti mostre collettive, tra cui “Twenty Centuries of Mexican Art” al Museum of Modern Art e una mostra di donne artiste alla Art of This Century Gallery di Peggy Guggenheim a New York. La sua prima mostra personale in Messico alla Galeria Arte Contemporaneo avvenne solo un anno prima della sua morte e in parte perché la sua morte fu anticipata. Dopo la sua morte nel 1954 la sua reputazione crebbe in Messico e diminuì negli Stati Uniti, un periodo in cui i comunisti e i loro simpatizzanti erano screditati. Lo stesso Diego Rivera è meno conosciuto negli Stati Uniti oggi che negli anni ’30.
Come molte importanti donne artiste della sua generazione, come Louise Nevelson e Georgia O’Keefe, l’arte di Frida Kahlo era individualista e si distingueva dal lavoro tradizionale. Sono state spesso trascurate da critici e storici perché erano donne e outsider e perché la loro arte era difficile da inserire in movimenti e categorie. La Kahlo ha ricevuto una maggiore attenzione a partire dagli anni ’70, quando le obiezioni alla sua politica si sono ammorbidite e quando cresce l’interesse per il ruolo delle donne artiste e intellettuali nella storia. Anche i concetti di modernismo sono stati ampliati per includere un ceppo ininterrotto di arte figurativa per tutto il XX secolo, in cui la pittura di Kahlo si inserisce senza problemi. Frida Kahlo è stata oggetto di grandi mostre retrospettive negli Stati Uniti nel 1978-1979 e nel 1983 e in Inghilterra nel 1982.