È una sfida per qualsiasi musicista rispondere alla domanda: “Allora, com’è la tua musica?”
Perché i lettori siano abbastanza curiosi sulla tua musica da smettere di navigare, cliccare play e ascoltare davvero, hanno bisogno di un incentivo. È qui che entra in gioco la tua bio e l’elemento cruciale che deve includere è una descrizione della tua musica. I tuoi lettori vogliono – e meritano – uno schizzo comprensibile e convincente di come suona la tua musica, non una serie di aggettivi e luoghi comuni.
E’ facile fingere di descrivere la nostra musica quando in realtà ci affidiamo semplicemente ad ampie etichette come post-moderno, avant-garde, neo-romantico, o atonale. Questi termini servono solo a far sembrare voi e la vostra musica generici e istituzionali – e ad alienare i lettori che non hanno familiarità con il gergo.
È anche facile cadere in termini analitici: dirci che usate un linguaggio armonico esteso e poliritmi. Ma di nuovo, questo non aiuterà i civili a connettersi a livello umano e non ci aiuterà a immaginare l’esperienza di ascoltare la tua musica.
E se scrivi semplicemente: “X è un compositore che ha scritto per voce sola, quartetto d’archi e fiati da camera”, il tuo lettore ancora non ha un’idea di come suona la tua musica.
La buona notizia è che ci sono molti modi per descrivere la tua musica e ci sono strumenti per rendere la scrittura più facile. Ecco tre esempi di descrizioni. Le trovo distintive e convincenti: mi fanno venire voglia di cliccare “play” e ascoltare. Quello che mi piace in queste è anche che ognuna ha qualcosa di sorprendente che mi ha fatto alzare e prendere nota. Vedi cosa ne pensi:
Annie Gosfield, che la BBC ha definito “A one woman Hadron collider” vive a New York City e lavora ai confini tra musica annotata e improvvisata, suoni elettronici e acustici, timbri raffinati e rumore. Compone per altri e si esibisce con il suo gruppo, portando la sua musica in un percorso attraverso festival, fabbriche, club, spazi d’arte e sale da concerto. Definita “Una stella della scena di Downtown” dalla rivista The New Yorker, la sua musica è spesso ispirata dalla bellezza intrinseca dei suoni trovati, come macchine, pianoforti distrutti, dischi a 78 giri deformati e radio detuned.
Questo mi ha fatto cercare Hadron collider: è un acceleratore di particelle. Ho pensato: wow! Le altre immagini e frasi che mi hanno incuriosito a cliccare play erano i confini tra “suono raffinato e rumore” e l’esibirsi in “festival, fabbriche, club, spazi artistici e sale da concerto”. Mi è piaciuto che le sale da concerto fossero l’ultimo punto. Ma la fine mi ha incuriosito particolarmente: che le sue influenze includono “la bellezza intrinseca dei suoni trovati, come macchine, pianoforti distrutti, dischi a 78 giri deformati e radio stonate.”
Meredith Monk è una compositrice, cantante, regista/coreografa e creatrice di nuove opere, opere di teatro musicale, film e installazioni. Riconosciuta come una delle artiste più uniche e influenti del nostro tempo, è una pioniera di quella che oggi viene chiamata “tecnica vocale estesa” e “performance interdisciplinare”. La Monk crea opere che prosperano all’intersezione di musica e movimento, immagine e oggetto, luce e suono, scoprendo e tessendo insieme nuovi modi di percezione. La sua esplorazione innovativa della voce come strumento, come linguaggio eloquente in sé e per sé, espande i confini della composizione musicale, creando paesaggi sonori che portano alla luce sentimenti, energie e ricordi per i quali non ci sono parole.
Qui abbiamo la gamma del lavoro di Meredith, un senso della sua posizione nel campo, e poi una descrizione reale di ciò che la sua musica comporta e come è l’esperienza, descritta in un modo che sia i musicisti che i non musicisti dovrebbero trovare accurato e convincente. Nota: usa la parola “unico”, molto abusata, ma in questo contesto, e conoscendo il suo lavoro, va bene.
L’identità è sempre stata al centro della musica di Gabriela Lena Frank. Nata a Berkeley, California, da una madre di origini miste peruviane/cinesi e da un padre di origine lituana/ebraica, la Frank esplora la sua eredità multiculturale con più ardore attraverso le sue composizioni. Ispirata dalle opere di Bela Bartók e Alberto Ginastera, Frank è una specie di antropologa musicale. Ha viaggiato molto in tutto il Sud America e i suoi pezzi riflettono e rifrangono i suoi studi sul folklore latino-americano, incorporando poesia, mitologia e stili musicali nativi in una struttura classica occidentale che è unicamente sua. Scrive stimolanti parti idiomatiche per strumentisti solisti, vocalisti, ensemble da camera e orchestre.
Qui le informazioni sui genitori e sul background di Gabriela sono assolutamente rilevanti perché lei ci dice subito ciò che è al centro di tutta la sua musica: l’identità. Lei è “una specie di antropologa musicale” e spiega le sue maggiori influenze e come queste si sono manifestate nel suo lavoro. Ottengo un senso vivido della sua musica e, ancora una volta, sono costretto ad ascoltare.
Questioni per aiutarti a generare una descrizione più concreta ed evocativa della tua musica. Prova una o più di queste e vedi cosa generano le tue risposte.
Come hanno descritto la tua musica gli ascoltatori? Cosa hanno detto le persone dopo le tue esibizioni o riguardo alle tue registrazioni? Non il generico “è stato fantastico”, ma i commenti più curiosi su ciò che la tua musica ha fatto loro pensare o vedere. Non quello che hanno detto altri compositori o insegnanti, ma membri del pubblico e interpreti. Questi possono darti indizi più immediati e un linguaggio per come i civili vivono la tua musica.
Da cosa sei affascinato o ossessionato? Ci sono questioni, idee, tipi di paesaggi sonori o aree di indagine che esplori nella tua musica? Dai ai lettori un senso della tua attenzione.
Cosa diresti che è stato al centro del tuo lavoro? Cosa ti prefiggi di raggiungere? Hai un senso di missione?
Come descriveresti la tua musica a una zia preferita, un non-musicista? Suggerimento: non le parleresti in modo superficiale e non useresti il gergo tecnico. E naturalmente potrebbe apprezzare soprattutto sapere cosa ti affascina nel tuo lavoro.
Se descrivere il tuo lavoro nel suo insieme è troppo scoraggiante, concentrati invece su un progetto particolare e descrivi le sue caratteristiche notevoli: la strumentazione, la forma, o l’occasione o l’ensemble per cui è stato scritto. Un progetto particolare può servire come punto di ingresso per un lettore per connettersi con la tua musica.
A quali progetti stai lavorando? Dacci una ragione per iscriverti alla tua newsletter e per essere impaziente di (e contribuire a) i tuoi prossimi progetti.
Per un aiuto aggiuntivo, considera di connetterti e lavorare con un coach, un mentore, un pubblicitario o un giornalista. Puoi anche chiedere a fan e amici di mandarti una descrizione di una frase di qualsiasi lavoro che hai online. Potresti ottenere risultati sorprendentemente evocativi e utili.
Evitare i cliché
Sei un individuo distinto e la tua musica è un riflesso della tua prospettiva singolare. Perciò la tua bio non dovrebbe contenere le stesse parole e frasi stantie che si trovano nelle biografie di innumerevoli altri musicisti.
L’uso dei cliché inizia con un desiderio innocente di comunicare qualcosa di autentico. Ma nel cercare le parole adatte, finiamo per afferrare la prima e più facile cosa che ci viene in mente. Si può fare meglio. Scava più a fondo.
Da evitare
(sentiti libero di aggiungere altri cliché alla lista se necessario #clichésRus)…
Appassionato / passione
Rottura dei confini
Sfida del genere
Eclettico
Unique (chi non lo è?)
Voce distintiva
Della sua generazione
Emergente
Up-and-coming
Intersezione
Juxtapose
Viscerale
Tenta di
Rinomato
Stimato
Altamente (qualsiasi cosa)
Si sta rapidamente affermando come ricercato. .
Fortunata di
Acclamata dalla critica
Ha studiato sotto (suona servile: usa “con”)
Sotto la tutela di (troppo arcano)
Impegnata o dedicata a, o campione di . . . la musica del nostro tempo
Uno dei più . . .
Il prossimo . . .
Tenete a mente che a un certo punto queste parole o frasi non erano stantie e troppo usate – avevano un significato e potevano essere usate efficacemente. Ma una volta che tutti gli altri hanno iniziato ad usarle, sono diventate un’espressione generica e ora suonano semplicemente come “bio speak”.
Non seguite il gregge: il linguaggio che volete dovrebbe essere fresco e memorabile per riflettere ciò che è specifico per voi.
Per essere chiari, non è facile trovare biografie efficaci che suscitino interesse, evitino cliché e facciano venire voglia di cliccare “play”. Nel corso della stesura di questa serie di articoli ho cercato per ore di trovare buoni esempi.
Invece di essere scoraggiato, questo mi ha fatto pensare: e se i musicisti si riunissero intorno a questa sfida e migliorassero le loro biografie – pensate a tutti i nuovi ascoltatori e fan che potremmo attirare!
Vuoi il resto? Rimanete sintonizzati per l’ultima puntata di Keys to Writing a Better Bio.
Se volete il resto?