Gli aggiornamenti possono avvenire, numeri stupidi e formattazione su Reddit così come più informazioni e dettagli

Ho visto e risposto a così tanti post su questo sub recentemente chiedendo di “cantare in tonalità” che ho pensato di analizzare cosa significa, e come migliorarlo insieme ad altre “abilità musicali ausiliarie”. Mi sto avvicinando a questo articolo da una prospettiva teorica, accademica, ma la tua tecnica può anche avere un impatto sulla tua intonazione, quindi assicurati di abbinare questi consigli con una solida base di tecnica vocale per darti le migliori possibilità di successo.

Prima di tutto, cosa significa “intonazione on/off” e “in/out of/off key”?

Nel contesto del canto, una nota/intonazione è una data nota (fondamentalmente una frequenza vibrazionale) che un cantante sta cercando di raggiungere. Uno strumento con un pulsante, un tasto o un tasto può indicare quella nota e ottenere precisamente quell’altezza, perché è così che lo strumento è progettato. Tuttavia, la voce umana è flessibile, come un elastico, ed è capace di cantare altezze o frequenze che scivolano tra l’insieme standardizzato di note/punte che compongono la tonalità della musica occidentale. Altri strumenti che possono scivolare tra le altezze sono il trombone e il violino. Questo significa che la voce umana è in grado di cantare quasi una nota, sia leggermente al di sotto di una data nota (noi lo chiamiamo “cantare in piano”), sia leggermente al di sopra di una data nota (noi lo chiamiamo “cantare in diesis”), ma non abbastanza da essere la prossima nota disponibile nel nostro sistema di tonalità. Il risultato di cantare una nota leggermente al di sopra o al di sotto, è che suona cedevole, pigro, dissonante (un termine musicale per un suono musicale abrasivo o poco attraente) o semplicemente “sbagliato”. I cantanti alla fine imparano come si sente ogni singola altezza da creare nel loro corpo, il che permette loro di cantare con la stessa precisione di una tromba o altro.

Per quanto riguarda il nostro sistema di notazione e teoria, le note su uno strumento o una pagina possono anche essere chiamate “diesis” o “bemolle”, ma questo si riferisce a quei simboli ♯ e ♭, che si riferiscono all’abbassamento di un’altezza scritta di un semitono.

In/ fuori/ fuori chiave è un po’ più complicato. Nella tonalità occidentale, abbiamo 12 altezze distinte, ognuna separata dalla successiva da una distanza musicale chiamata “semitono”. Qui c’è un articolo su queste 12 altezze, disposte in modo ascendente in una “scala cromatica”. Non c’è bisogno di sapere molto su una scala cromatica, ma il titolo dell’articolo illustra bene queste 12 altezze, correlate da semitoni: https://en.wikipedia.org/wiki/Chromatic_scale Queste 12 altezze si ripetono più e più volte, ma a frequenze più alte. Come se si suonasse ogni nota bianca e nera in ordine su un pianoforte partendo dal Do, dopo 12 note si arriverebbe di nuovo a un altro Do, ma più alto. Potremmo chiamare questo un “registro più alto” del pianoforte.

Una chiave è fondamentalmente un insieme di 7 di quelle note collegate tra loro in un modo molto specifico, ognuna delle quali svolge una funzione nella chiave che, quando viene usata in un pezzo di musica, risulta in una sensazione di “casa” nella chiave. Le note al di fuori della chiave suonano “sbagliate”, come se non vi appartenessero, perché non svolgono una funzione nel quadro più ampio della chiave. Ogni chiave nella musica ha una scala maggiore corrispondente, che è di 7 note ascendenti in un ordine specifico. Se iniziate una scala maggiore su C, userete una collezione diversa di altezze rispetto a quella di una scala maggiore su Bb, tuttavia, saranno strutturate allo stesso modo. Qui c’è un articolo su come sono strutturate le scale maggiori e come si relazionano alle chiavi: https://en.wikipedia.org/wiki/Major_scale Nota che queste 7 note ripetono anche il loro schema più e più volte, ma in registri più alti o più bassi. Se sono le stesse note, solo più alte su un pianoforte, sono ancora le stesse note all’interno di una chiave.

Così, una melodia di una canzone è scritta usando una specifica collezione di note che hanno un ruolo e una funzione specifici all’interno del centro tonale della chiave in cui la canzone è scritta. Una melodia, per esempio “Twinkle Twinkle”, è fatta di altezze molto specifiche in una determinata chiave. Le altezze sono correlate tra loro in modo matematico e musicale, e qualsiasi nota su cui si inizia, si devono mantenere queste relazioni musicali/matematiche. Puoi cantare “Twinkle Twinkle” in qualsiasi tonalità (o partendo da qualsiasi nota), ma devi rendere le relazioni musicali coerenti ad ogni tonalità, e non puoi essere sicuro che solo perché stai andando su quando la melodia va su, stai andando su alla nota corretta. Lasciatemi visualizzare un esempio per voi usando i numeri:

Sappiamo che la melodia di Twinkle Twinkle va STESSO, STESSO, SU, STESSO, SU, STESSO, GIÙ. Useremo questi numeri (che in realtà significano qualcosa in musica), e vedrete che c’è “spazio musicale” tra le altezze di destinazione (in questo caso, i numeri in mezzo).

1 – 1 – 5 – 5 – 5 – 6 – 6 – 5

Ora, se finisci per cantare qualcosa come 1 – 1 – 5 – 5 – 7 – 7 – 4, non è più Twinkle Twinkle e sei arrivato alle note sbagliate della melodia, anche se sei andato su quando le note della melodia dovevano andare su… non sei andato su alle note giuste. Avete esagerato. Così ora stai cantando note sbagliate – note che possono ancora appartenere alla chiave, ma non sono le note corrette della melodia, o puoi cantare una delle tante note che si trovano fuori dalla chiave (ricorda che le chiavi sono composte da 7 note su 12 possibili) o anche fuori dal regno della tonalità occidentale.

Se qualcuno dice che stai cantando fuori tonalità, fondamentalmente significa che stai cantando ogni nota un po’ più acuta o più piatta (spesso una combinazione di entrambe), in modo che sei “quasi giusto” ma abbastanza sbagliato che c’è dissonanza musicale, o stai semplicemente cantando note sbagliate (che potrebbero essere note nella tonalità ma sbagliate per quel particolare momento della melodia, note fuori tonalità, o una di quelle note “in mezzo” che ho menzionato all’inizio).

Questo si verifica spesso quando l’orecchio musicale del cantante non è abbastanza sviluppato da aver assorbito alcuni degli schemi e delle convenzioni che compongono la maggior parte della musica, e la sua memoria musicale non è abbastanza buona da poter ascoltare una melodia e poi ricordare tutte quelle altezze di destinazione proprio come sono state suonate o cantate, possono solo ricordare che la melodia va su qui e giù là. Questo allontanamento dalle altezze prescritte, combinato con l’incapacità di un nuovo cantante di controllare tecnicamente la propria voce al punto che finisce per cantare l’altezza che intende senza scivolare fino ad essa, fluttuare o allontanarsi, porta a cantare fuori tono. È improbabile che un cantante sia solo diesis o bemolle – è più probabile che sia una combinazione di diesis, bemolle e, più spesso, semplicemente SBAGLIATO.

Come si fa a rimanere “in tono”/”in chiave”?

Sviluppando una combinazione di abilità pratiche e conoscenze teoriche, incluso l’abbinamento dell’intonazione di base, abilità di ascolto critico, richiamo musicale, canto di modelli musicali, combinato con l’apprendimento della teoria musicale e della terminologia per fornire un contesto a ciò su cui si sta lavorando. Molti musicisti imparano simultaneamente il solfeggio, che è un sistema di apprendimento a memoria delle relazioni musicali, usando il sistema di sillabe “Do Re Mi Fa Sol La Ti Do”, che è utile per la sua capacità di essere applicato a qualsiasi chiave una volta che il processo di memorizzazione di base è completo.

Da dove si comincia? Iniziate con “in tono” prima di passare a “in chiave”.

OPZIONALE fatevi mettere alla prova da un amico esperto di pianoforte su alcuni semplici “questa nota è più alta o più bassa dell’ultima?” “Sono due note o una sola?”. “Queste due note sono vicine o lontane?” per far lavorare le tue orecchie.

1. Siediti a un pianoforte. METTI VIA L’APP DELL’INTONAZIONE. L’app può solo dirti a quale altezza sei più vicino, ma non può indovinare la tua INTENDED PITCH. L’app non può indovinare il contesto musicale in cui state cantando. L’app vi mostrerà in dettaglio esagerato ogni piccola fluttuazione e scivolamento della vostra voce. SPEGNETE L’APP, e accendete le vostre orecchie 🙂

a) Suona una nota, per esempio il Do Medio, o qualsiasi nota che sia comoda da canticchiare o cantare su “Daah”. Suonatela e ascoltatela. Sentite la nota nella vostra mente. Visualizzate. Immaginate di cantare quella nota con la vostra voce (chiamata “audiation”). Quando inspirate per cantare, inspirate come se steste inspirando per cantare quella particolare nota. Poi cantate. E quando cantate, TENETE LA NOTA! Fate attenzione a dove si trova la vostra nota rispetto alla nota che avete suonato. Sono completamente diverse o solo leggermente diverse?

Se è molto diversa, ascolta attentamente per determinare se stai cantando più in alto o più in basso della nota obiettivo. Poi scivola lentamente intorno/prova alcune note diverse, ma mentre stai “cercando”, fai attenzione a se ti stai avvicinando o allontanando, non solo andare in giro a caso e sperare per il meglio. Se sei in grado di correggere per abbinare la nota che stai suonando, presta attenzione a come questa nuova nota corretta suona rispetto a quella che stai suonando, e a come si sente nel tuo corpo a cantare. Smetti di suonare/cantare e prova di nuovo, questa volta, cercando di ricreare quella sensazione nel tuo corpo al primo tentativo per una migliore accuratezza.

Se suona solo un po’ storto, potresti essere solo un po’ più acuto o piatto rispetto alla nota a cui stai mirando. Due note che sono molto vicine in frequenza creeranno vibrazioni concorrenti nell’aria, con il risultato di una serie percepibile di impulsi nell’aria. Due note vicine che sono fuori di una percentuale maggiore creeranno impulsi veloci. Più le due altezze si avvicinano a coincidere, più gli impulsi diventano lenti. Alla fine, le due altezze saranno abbinate in modo tale che sarà difficile separare le due voci (tu e il piano, o il flauto e la tromba) l’una dall’altra e suoneranno come una sola voce. Solo questo passo, interrogarsi sul pitch-matching usando diverse altezze al pianoforte, può richiedere settimane o mesi. Sii paziente! Presta attenzione a quello che succede e concentrati su quelle sensazioni nel tuo corpo. Tieni traccia dei tuoi progressi. Nota se tendi a mirare sempre troppo in basso o troppo in alto. Non preoccupatevi troppo del tono della vostra voce, cercate solo di cantare ad un volume e ad un registro ragionevole in modo da non stancarvi. Comincia nella tua gamma naturale di voce.

Questa è la fine del pitch-matching di base, singolo, ma c’è molto di più per migliorare il tuo orecchio e la tua musicalità generale. Se sei interessato a scoprire altri modi in cui i musicisti si esercitano e affinano le loro abilità uditive, continua a leggere…

2. Una volta che puoi abbinare con successo qualsiasi altezza all’interno della tua gamma confortevole senza scivolare verso l’alto o verso il basso, avrai bisogno di imparare un po’ di notazione e intervalli in modo da poter continuare a suonare cose progressivamente più difficili al pianoforte per guidare la tua pratica. NON ANDRAI LONTANO NEL CANTO O NELL’EAR TRAINING SENZA UNA CERTA CONOSCENZA FUNZIONALE DEL PIANOFORTE. Devi essere in grado di suonare e ascoltare ESEMPI MUSICALI CONCRETI. Informati su notazione, accidenti, struttura della scala maggiore, gerarchia dei gradi della scala maggiore, semitoni e intervalli. Esercitati ad aggirarli al pianoforte.

a) Passa a suonare gli intervalli: due note in successione al pianoforte, sia ascendenti che discendenti, e poi canta entrambe le note (più tardi, passa a suonare entrambe le note contemporaneamente e prova a cantare le note singolarmente). Usa la stessa attenzione che hai usato nel primo esempio di pitch-matching. All’inizio, puoi scegliere le tue note arbitrariamente, purché siano all’interno della tua gamma, ma presto dovresti anche forare il nome di ogni intervallo musicale. Se puoi contare quanti semitoni distano due note e controllare con un riferimento scritto da qualche parte, puoi esercitarti con gli intervalli. Ecco un articolo: https://en.wikipedia.org/wiki/Interval_(music) . Quindi se potete cantare due note, “Daaa daaa”, controllate qual è l’intervallo, e cantatelo di nuovo usando il nome dell’intervallo come sillaba. “Daaa daaa, 3a maggiore”.

b) Una volta che potete cantare di nuovo due note in successione, comprese due note che sono state suonate simultaneamente al pianoforte, cominciate a forare il riconoscimento dei diversi intervalli. In questa fase, un amico esperto di pianoforte è utile perché può suonare degli esempi da identificare, ma dovreste essere in grado di trovare e suonare da soli tutti gli intervalli che iniziano su qualsiasi nota al pianoforte. I musicisti usano tutti i tipi di trucchi per identificare gli intervalli – una quarta perfetta ricorda loro l’apertura di una particolare canzone, o una terza maggiore è la prima e la terza nota in una scala maggiore, o una terza minore discendente è il campanello della loro infanzia, o qualsiasi altra cosa. In questa fase, si dovrebbe iniziare con il contrasto di soli 2 intervalli, suonati su tutto il piano, in modo che l’orecchio non venga sopraffatto. Comincia identificando solo tra una 3a maggiore e una 4a perfetta, per esempio. Poi aggiungi una 3a minore, ecc. ecc. Costruisci su ciò che sai e progredisci solo quando il primo piccolo passo è completamente alla tua portata.

c) Una volta che puoi identificare, cantare e richiamare intervalli nella tua memoria musicale, passa a cantare intervalli specifici sopra e sotto, usando solo una nota come riferimento, usando i trucchi e gli esercizi che hai memorizzato prima. Di nuovo, inizia con solo due per contrastare, e costruisci da lì. Ad esempio, suonate una nota al piano e decidete di cantare “Quinta perfetta su”, “Terza minore giù”, ecc. Controllatevi con il pianoforte ogni volta, o arruolate un amico per farvi fare un quiz.

Perché gli intervalli sono così importanti? Perché sono uno dei mattoni della melodia! E della musica in generale. Se sei in grado di realizzare con successo questi piccoli concetti musicali, allora sarai in grado di cantare nel contesto di una canzone con più precisione e comprensione, perché sarai “legato a qualcosa”, non canterai/fluttuerai senza meta “sopra la musica”. Altri elementi costitutivi sono le scale o porzioni di scale, di cui esistono molte varietà e alterazioni, così come gli accordi, che possono essere cantati dal basso verso l’alto una nota alla volta, che hanno anche molti tipi e qualità. Il che mi porta a…

3. Ripetere tutto quanto sopra, ma con tipi di scale e accordi. Come minimo, scale minori/maggiore e triadi minori/maggiore. Imparare quali note appartengono a quali triadi maggiori/minori. Questi sono ulteriori elementi costitutivi della musica 🙂

4. Se vuoi, leggi su Solfege, che è un metodo per imparare l’intonazione e il canto a vista, usando sillabe che sono assegnate a una scala, imparate a memoria, e possono essere applicate a qualsiasi chiave. È un argomento troppo profondo per essere approfondito qui, e c’è un certo dibattito su quale metodo di Solfege sia più efficace, quindi puoi approfondire qui: https://en.wikipedia.org/wiki/Solf%C3%A8ge L’ho imparato a scuola ma preferivo usare la teoria e il mio orecchio per imparare la musica, così ho pensato che la lezione fosse un po’ una perdita di tempo. Ma molti dei miei compagni l’hanno trovato molto utile e lo usano ancora oggi.

CHE COSA SIGNIFICA E IMPLICA “IN CHIAVE”

Il TL;DR di “in chiave” significa essenzialmente che si sta rimanendo all’interno delle altezze predeterminate di un pezzo di musica, come deciso dai costrutti della teoria musicale & stile. Ok, perfetto. Quindi come fai a sapere quale dovrebbe essere la chiave?

Fate una rapida analisi teorica della melodia e dell’armonia della canzone.

In una melodia (che è essenzialmente note derivate da una data scala), i vostri indizi saranno dove si trovano i passi interi e i mezzi passi. Fate riferimento all’articolo sulle scale maggiori: https://en.wikipedia.org/wiki/Major_scale e scrivi tutte le note della tua melodia, e mettile in ordine di scala. Ricorda che una scala maggiore ha due mezzi passi – tra il 3° e il 4° grado della scala, e tra il 7° e l’ottavo grado della scala. Se la tua melodia fa un uso completo di tutta la scala maggiore, allora dovresti essere in grado di fare due più due per determinare una probabile chiave. Questo è più complicato con molta musica pop perché le voci sono spesso melodie pentatoniche molto semplici (la pentatonica è una scala semplificata che salta alcune note e non include semitoni https://en.wikipedia.org/wiki/Pentatonic_scale ), quindi quelle note potrebbero appartenere a molte chiavi. In questo caso, dobbiamo guardare l’armonia di fondo della canzone.

Per fare questo, o hai bisogno di qualcuno che ti dica gli accordi, o li trovi scritti da qualche parte, o li trascrivi da solo. Hai anche bisogno di capire il concetto di triadi costruite su scale, e come funzionano nella teoria musicale. Potresti anche aver bisogno di conoscenze teoriche sufficienti per essere in grado di riempire gli spazi vuoti in alcuni casi.

Utilizziamo un esempio di progressione di accordi di Every Little Thing She Does is Magic – The Police. Ecco il primo testo:

“Though I’ve tried before to tell her of the feelings I have for her in my heart”.

Le note per questo vanno:

C – D – Eb – D – Eb – D – Eb – G / C – D – Eb – D – Eb – D – Eb – G / C – Eb – D – Bb

Potreste pensare che questo sia C minore poiché delinea i gradi 1, 2, 3 e 5 della scala di C minore.

Ecco gli accordi sotto questa melodia:

Abmaj – Bbmaj – Cmin – Bbmaj/D / Abmaj – Bbmaj – Cmin – Bbmaj/D / Ebmaj – Ebmaj – Ebmaj – Ebmaj

A prima vista, si può pensare che sia in Ab maggiore perché inizia su Ab, ma ci si rende subito conto che se fosse Ab maggiore l’accordo Bb dovrebbe essere minore, non maggiore, secondo i costrutti degli accordi diatonici maggiori.

Una volta che il ritornello colpisce, non ci si può sbagliare – Bbmaj – Ebmaj – Bbmaj – Eb maj ecc.

Inequivocabilmente la chiave di Eb maggiore. Perché? La teoria e la storia della musica ci dicono che quando una progressione si muove in una cadenza come questa, un accordo maggiore che porta a un altro accordo maggiore una quinta sotto, e suona come un punto di arrivo, deve essere una cadenza 5-1, dove Bb è il quinto accordo di Eb maggiore, e Eb è il primo accordo di Eb maggiore.

Perché vi sto dicendo questo? È molto da capire se siete in una fase in cui avete problemi a rimanere in chiave in una canzone. Ma lo includo per essere esauriente e per illustrare i metodi che i musicisti usano per “parlare di musica” in modo fluente.

Se non c’è nessuno intorno a te che ti dica gli accordi o la chiave, non puoi capirlo da solo perché non conosci molta teoria e il tuo orecchio non è ancora così sviluppato, beh… sei un po’ sfortunato, per ora 🙂 ma puoi ancora lavorare per sviluppare la tua musicalità e le tue capacità di alfabetizzazione musicale, così come praticare i fondamenti delle abilità uditive.

Quando non sei al pianoforte, puoi continuare ad espandere la tua comprensione uditiva e il tuo vocabolario. Inizia ad ascoltare la musica in modo critico. Anche questo richiede pratica – prova ad ascoltare solo la chitarra nella tua canzone preferita, poi solo i cori, poi solo la batteria. Prova a separare le parti musicali/gli strumenti. Ascolta ancora, ma fai attenzione a come è strutturata la melodia – contrasta la strofa e il ritornello. Cosa fa il cantante per rendere queste due sezioni melodicamente diverse? Prova ad ascoltare la forma della canzone – quanti versi, ritornelli, dov’è il bridge, c’è un pre-coro, un intro/outro/interludio? Scegli un artista o un gruppo con una struttura sonora densa, e cerca di identificare tutti i diversi strumenti o suoni usati, o almeno individuali (Steely Dan è buono per questo). Prova a cantare tutti gli strumenti per il ritornello – tutte le chitarre, i pianoforti, i bassi, il pattern della grancassa, tutti i cori. Questo tipo di ascolto aiuterà a “sintonizzare” il vostro orecchio per un ascolto musicale più critico e per l’analisi della musica nel tempo. Anche se non siete in grado di abbinare l’altezza di ogni strumento o sezione, anche cantare la “forma generale” di una frase è utile. Ogni volta che provi a scegliere una melodia strumentale dalla tua canzone pop preferita al piano, per esempio, stai cementando sempre di più la conoscenza musicale.

Passa del tempo ad imparare la teoria musicale, in particolare le chiavi, le firme delle chiavi, le relazioni tra le scale, gli accordi, la gerarchia dei gradi delle scale, gli intervalli, il tempo, il ritmo, la terminologia della struttura delle canzoni, in modo da avere una base di contesto musicale in cui puoi inserire tutto il tuo ulteriore apprendimento. I bravi musicisti capiscono come ciò che suonano si inserisce nel più ampio contesto musicale della canzone, teoricamente, acusticamente e stilisticamente.

ESEMPIO DI UTENTE

Ho visto diversi post di Redditors che hanno tentato di registrare alcune voci su un “beat” (gergo contemporaneo per musica strumentale, di solito composta su un computer o con l’aiuto della tecnologia) e gli è stato detto che stavano cantando nella chiave sbagliata, o hanno scritto una canzone ma la melodia vocale non sembrava corrispondere alla musica strumentale, o sono entrati nello studio di registrazione e hanno continuato a deviare dalla melodia. Ci sono alcuni approcci diversi per cosa fare in uno scenario come questo, che cercherò di spiegarvi qui.

Esempio 1 – si entra nello studio di registrazione ma si continua a sbagliare tonalità. Prima di entrare in studio in qualsiasi capacità professionale/pre-professionale, hai bisogno di costruire il tuo set di abilità per includere la conoscenza teorica, un forte orecchio, l’apprendimento della musica e le capacità di ritenzione, e una profonda, vera comprensione e conoscenza di ciò che stai cantando. Se non sei sicuro di saperlo, allora probabilmente non lo sai. Hai bisogno di SAPERE CHE LO SAI 😉 Per esempio, puoi sentire, capire, interpretare e mettere in un vocabolario musicale i concetti melodici e ritmici di ciò che dovresti cantare, ed eseguirli accuratamente ogni volta senza indovinare, cercare o improvvisare. Lasciatemi chiarire – con tutti i mezzi sperimentate la registrazione durante la vostra crescita come musicista. Le abilità in studio sono importanti. Ma se c’è la possibilità che tu vada alla deriva senza rendertene conto, non sei pronto per entrare in studio come professionista o anche pre-professionista.

Esempio 2 – qualcuno ti dice che stai cantando nella chiave sbagliata per uno strumentale. Hai bisogno di sviluppare la tua conoscenza teorica e le tue abilità uditive per essere in grado di ascoltare e interpretare gli indizi nella musica che ti diranno quale chiave/tonalità/scala dovresti cantare, specialmente se il produttore non può dirtelo (il che è purtroppo abbastanza comune in questa & epoca di produzione musicale/beatmakers/produttori da camera).

Esempio 3 – hai scritto alcuni accordi sulla tua chitarra, e la melodia che hai messo al tuo testo non sembra corrispondere. Di nuovo, questo è in gran parte dovuto al miglioramento del tuo orecchio e della tua conoscenza teorica. Inizia con l’imparare quali sono gli accordi che stai suonando E quali note compongono tutti gli accordi. Poi scrivi tutte quelle note da più accordi in ordine di scala e vedi se puoi discernere un modello di scala maggiore. Poi scrivi le note che stai cercando di cantare, e vedi se ci sono delle note strane che si scontrano con la tua collezione di note che hai preso dai tuoi accordi. Per esempio – la tua melodia include un Si naturale, ma alcuni dei tuoi accordi hanno dei Si bemolle in essi. RIMANDA SEMPRE AGLI ACCORDI. Potresti dover cambiare la tua melodia vocale.

E infine, un po’ su chi sono e su come applico queste competenze:

Ho un master in performance di sassofono (jazz), e prima di questo, ho studiato pianoforte classico al liceo. Da bambino avevo un buon orecchio, ma ho dovuto imparare il vocabolario e l’applicazione di tutta questa roba a prescindere. Così, ho imparato queste cose prima sotto la tutela del mio istruttore di pianoforte privato, e più tardi nei miei corsi di musica di base all’università, come Teoria musicale, Solfeggio e Aural Skills (sì, avevo un’intera classe solo per il Solfeggio). Mi sono trasferito in una grande città tre anni fa e ora faccio una parte della mia vita esibendomi come cantante, sassofonista e tastierista sulla mia musica neo-soul originale (da solo & con una band), in cover band motown/R&B, swing band, altri progetti originali, performance da solo in bar, matrimoni ecc. www.shannonchapman.ca se siete interessati 🙂

Devo imparare un sacco di musica velocemente, e devo essere in grado di approcciare la musica da tanti punti di vista.Quando sto imparando, cantando o scrivendo una canzone, sto usando simultaneamente così tante conoscenze – formo connessioni come “Oh, questa armonia di sottofondo inizia una terza minore più in alto rispetto a dove la voce principale ha lasciato alla fine della sezione precedente” o “questa melodia inizia sulla quinta dell’accordo” o “questa melodia è difficile perché sono tre diverse terze minori in fila” o “la melodia sale di una sesta per il ponte” “nella strofa sono l’armonia superiore che è un La, quindi posso sentirla nella mia parte di piano, ma nel ritornello sono l’armonia inferiore” ecc. ecc. ecc. Sono un sacco di conoscenze che lavorano insieme in un modo in cui non devo più lavorare – è diventato parte del mio vocabolario. E come per imparare qualsiasi lingua, bisogna cominciare dall’inizio con le basi.

Ecco come si può cominciare!

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