Alai

Malerei und Zeichnung

Leonardos malerisches Gesamtwerk ist wirklich ziemlich klein; nur 17 der erhaltenen Gemälde können ihm eindeutig zugeschrieben werden, und mehrere von ihnen sind unvollendet. Zwei seiner wichtigsten Werke – die Schlacht von Anghiari und die Leda, die beide nicht vollendet sind – sind nur in Kopien erhalten. Dennoch begründeten diese wenigen Werke den einzigartigen Ruhm eines Mannes, den Giorgio Vasari in seinem bahnbrechenden Lebenslauf der bedeutendsten italienischen Architekten, Maler und Bildhauer (1550, 2. Auflage, 1568) als Begründer der Hochrenaissance bezeichnete. Leonardos Werke, unbeeinflusst von den Wechselfällen der ästhetischen Doktrinen in den folgenden Jahrhunderten, haben sich in allen nachfolgenden Epochen und allen Ländern als vollendete Meisterwerke der Malerei hervorgetan.

Die vielen Zeugnisse zu Leonardo, von Vasari über Peter Paul Rubens bis hin zu Johann Wolfgang von Goethe und Eugène Delacroix, loben vor allem die Ausdrucksfähigkeit des Künstlers – seine Fähigkeit, jenseits von Technik und Erzählung ein tiefes Gefühl zu vermitteln. Das bemerkenswerte Talent des Künstlers, insbesondere seine scharfe Beobachtungsgabe und schöpferische Vorstellungskraft, zeigte sich bereits in dem Engel, den er zu Verrocchios Taufe Christi (um 1472-75) beisteuerte: Leonardo verlieh dem Engel eine natürliche Bewegung, präsentierte ihn mit einer entspannten Haltung und gab ihm einen rätselhaften Blick, der seine Umgebung wahrnimmt und gleichzeitig nach innen gerichtet bleibt. Auch im Landschaftsausschnitt desselben Bildes fand Leonardo einen neuen Ausdruck für das, was er „erlebte Natur“ nannte: Er gab die Formen des Hintergrunds wie durch einen Nebelschleier verschwommen wieder.

In der Benois-Madonna (1478-80) gelang es Leonardo, einem traditionellen Bildtypus eine neue, ungewöhnlich reizvolle und ausdrucksstarke Stimmung zu geben, indem er das Jesuskind zeigt, das in süßer und zärtlicher Weise nach der Blume in Marias Hand greift. Im Bildnis Ginevra de‘ Benci (um 1474/78) eröffnete Leonardo mit seiner einzigartigen Verknüpfung von Nähe und Distanz und seiner brillanten Wiedergabe von Licht und Textur neue Wege für die Porträtmalerei. Den ausgemergelten Körper seines heiligen Hieronymus (unvollendet; um 1482) stellte er in einem ernüchternden Licht dar und verlieh ihm einen Realismus, der auf seiner genauen Kenntnis der Anatomie beruhte; Leonardos Beherrschung von Gestik und Mimik gab seinem Hieronymus einen unvergleichlichen Ausdruck verklärter Trauer.

Das Zusammenspiel von meisterhafter Technik und affektiver Geste – „körperliche und geistige Bewegung“, wie Leonardo es ausdrückte – ist auch das Hauptanliegen seines ersten großen Werks mit vielen Figuren, der Anbetung der Könige (um 1482). Das Gemälde wurde zwar nie vollendet, bietet aber dennoch einen reichen Einblick in die subtilen Methoden des Meisters. Die verschiedenen Aspekte der Szene werden von der Basis aus mit sehr zarten, hauchdünnen Farbschichten im Sfumato-Relief (dem sanften Übergang von Licht zu Schatten) aufgebaut. Die Hauptbehandlung der Gruppe der Jungfrau und des Kindes und die Nebenbehandlung der umliegenden Gruppen sind mit einem meisterhaften Sinn für Komposition klar voneinander abgegrenzt – die Pyramide der Jungfrau Maria und der Heiligen Drei Könige ist vom Bogen der anbetenden Jünger abgegrenzt. Dennoch sind sie thematisch eng miteinander verbunden: die Haltung und der Ausdruck der Figuren – am auffälligsten in der Gruppe der betenden Hirten – zeigen viele Ebenen tiefen Staunens.

Die Felsenmadonna in ihrer ersten Fassung (1483-86) ist das Werk, das Leonardos Malerei in ihrer reinsten Form zeigt. Sie stellt die apokryphe Legende von der Begegnung zwischen dem jungen Johannes dem Täufer und dem aus Ägypten heimkehrenden Jesus in der Wüste dar. Das Geheimnis der Wirkung des Bildes liegt darin, dass Leonardo alle ihm zur Verfügung stehenden Mittel einsetzt, um den visionären Charakter der Szene zu betonen: die weichen Farbtöne (durch Sfumato), das schummrige Licht der Höhle, aus der die Figuren lichtdurchflutet hervortreten, ihre ruhige Haltung, die bedeutungsvolle Geste, mit der der Engel (die einzige Figur, die dem Betrachter zugewandt ist) auf Johannes als den Fürsprecher zwischen dem Sohn Gottes und den Menschen hinweist – all dies verbindet sich in einer strukturierten und formalen Weise zu einem bewegenden und ausdrucksstarken Kunstwerk.