Alai

Festészet és rajzolás

Leonardo teljes festészeti teljesítménye valóban meglehetősen csekély; a fennmaradt festmények közül mindössze 17-et lehet egyértelműen neki tulajdonítani, és ezek közül több befejezetlen. Két legfontosabb műve – az anghiari csata és a Léda, egyik sem befejezett – csak másolatokban maradt fenn. Mégis ez a néhány alkotás megalapozta annak az embernek az egyedülálló hírnevét, akit Giorgio Vasari a legkiválóbb itáliai építészek, festők és szobrászok élete (1550, 2. kiadás, 1568) című korszakalkotó művében a magas reneszánsz megalapítójaként jellemzett. Leonardo művei, amelyeket nem befolyásoltak a későbbi évszázadok esztétikai doktrínáinak változásai, minden későbbi korszakban és minden országban a festészet tökéletes remekműveiként tűntek fel.

Vasaritól kezdve Peter Paul Rubensen és Johann Wolfgang von Goethén át Eugène Delacroix-ig számos, Leonardóról szóló vallomás dicséri különösen a művész kifejezőkészségét – azt a képességét, hogy a technikán és az elbeszélésen túlmutatóan képes a mögöttes érzelmeket közvetíteni. A művész figyelemre méltó tehetsége, különösen megfigyelőképessége és kreatív képzelőereje már Verrocchio Krisztus megkeresztelése című festményéhez (1472-75 körül) készített angyalában is megmutatkozott: Leonardo természetes mozgással ruházta fel az angyalt, nyugodt viselkedéssel ábrázolta, és olyan rejtélyes tekintetet adott neki, amely egyszerre veszi tudomásul a környezetét, miközben befelé irányul. Ugyanezen kép tájrészletében Leonardo szintén új kifejezést talált arra, amit ő “átélt természetnek” nevezett: a háttérformákat homályosan, mintegy ködfátyolon keresztül adta vissza.

A Benois Madonna (1478-80) című képen Leonardónak sikerült egy hagyományos képtípusnak új, szokatlanul bájos és kifejező hangulatot kölcsönöznie azzal, hogy a gyermek Jézus édes és gyengéd módon nyúl a Mária kezében lévő virágért. A Ginevra de’ Benci portréban (1474/78 körül) Leonardo a közelség és a távolság egyedülálló összekapcsolásával, valamint a fény és a textúra briliáns megjelenítésével új utakat nyitott a portréfestészet számára. Szent Jeromos megfogyatkozott testét (befejezetlen; 1482 körül) kijózanító fényben tüntette fel, és olyan realizmussal ruházta fel, amely az anatómia alapos ismeretéből fakadt; Leonardo a gesztusok és az arckifejezés mesteri kezelésének köszönhetően Jeromosnak az átváltozott bánat páratlan kifejezését kölcsönözte.

A mesteri technika és az affektív gesztus – Leonardo szavai szerint “fizikai és szellemi mozgás” – összjátéka a fő gondja első nagy, sok alakot tartalmazó alkotásának, a Bölcsek imádásának (1482 körül) is. A soha be nem fejezett festmény mindazonáltal gazdag betekintést nyújt a mester kifinomult módszereibe. A jelenet különböző aspektusai az alapról nagyon finom, papírvékony festékrétegekkel épülnek fel, sfumato (a fényből az árnyékba való egyenletes átmenet) reliefben. A Szűzanya és a gyermek csoportjának fő kezelése és a környező csoportok másodlagos kezelése világosan elkülönül egymástól, mesteri kompozíciós érzékkel – a Szűzanya és a bölcsek piramisa elhatárolódik a hódoló követők ívétől. Tematikailag mégis szorosan kapcsolódnak egymáshoz: az alakok tartása és arckifejezése – a legszembetűnőbb az imádkozó pásztorok csoportjánál – a mélységes ámulat több szintjét mutatja.

A Sziklák Szűzanyája első változatában (1483-86) az a mű, amely Leonardo festészetét a legtisztábban mutatja meg. A fiatal Keresztelő János és az Egyiptomból hazatérő Jézus találkozásának apokrif legendáját ábrázolja a pusztában. A kép hatásának titka abban rejlik, hogy Leonardo minden rendelkezésére álló eszközt felhasznált a jelenet látomásos jellegének hangsúlyozására: a lágy színtónusok (a sfumato révén), a barlang félhomálya, amelyből az alakok fényben fürödve lépnek ki, csendes tartásuk, a jelentőségteljes gesztus, amellyel az angyal (az egyetlen, a nézővel szemben álló alak) Jánosra, mint az Isten Fia és az emberiség közötti közbenjáróra mutat – mindezek együttesen, mintaszerűen és formailag egy megindító és rendkívül kifejező műalkotássá állnak össze.