Frida Kahlo föddes 1907 i Coyoacán, en förort till Mexico City, som dotter till en tysk-judisk fotograf och en indisk-spansk mor. Trots sin europeiska bakgrund identifierade sig Kahlo hela sitt liv med den nya världen, det mexikanska arvet, och klädde sig i inhemska kläder var hon än reste. Kahlo skadades i en bussolycka vid 15 års ålder och blev handikappad för livet. Efter ett flertal operationer för att korrigera sina ryggrads- och inre skador blev hon till slut invalidiserad innan hon dog vid 47 års ålder. Liksom sin make, muralmålaren Diego Rivera, var Kahlo hela livet engagerad i vänsterpolitik, och på 1930-talet följde hon med honom på flera resor till USA där han fick i uppdrag att göra väggmålningar i New York, Detroit och San Francisco. Den mest kontroversiella av dessa var en väggmålning för Rockefeller Center som ställdes in eftersom den innehöll ett porträtt av Lenin som Rivera vägrade att ta bort. Kahlo dog i Mexico City 1954.
I motsats till Riveras väggmålningar, som var storslagna och fyllda av politisk ideologi, var Kahlos verk intima, personliga och i traditionen av stafflimåleri. Vanligtvis var hon självbiografisk och målade händelserna i sitt liv med symboliska element och situationer, vilket skapade en drömliknande verklighet, skrämmande verklig men också fantastisk och magisk. En målning, Broken Column (1944), visar konstnären mot ett dystert ökenlandskap med hennes kött bortskuret för att avslöja en sprucken klassisk pelare i stället för hennes ryggrad, en smärtsam uppteckning av hennes livslånga kamp med de psykologiska och fysiska efterdyningarna av hennes olycka. En annan, The Wounded Deer (1946), visar Kahlo som en hjort med sitt eget människohuvud, skjuten full av pilar i en mystiskt förgäves skog med ett vattendrag i bakgrunden. Hon målade många självporträtt under hela sitt liv.
Kahlo införlivade element av mexikansk folkkonst i sina målningar. Det tematiska innehållet har ofta företräde framför en trohet mot realismen, och tingens skala representerar snarare symboliska förhållanden än fysiska. Återkommande teman om jordiskt lidande och naturens förlösande kretslopp återspeglar den blandning av spansk katolicism och indiansk religion som är framträdande i den mexikanska kulturen. Kahlos färg, även om den är naturalistisk, är platt och dramatisk.
Den franske surrealistiske poeten Andre Breton, som bodde en tid i Mexiko, hävdade att Kahlo var en surrealist. Hon var emot denna association med konstnärer som bodde tusentals kilometer bort och arbetade med psykoanalytiska teorier om det undermedvetna. Hon hävdade: ”Breton trodde att jag var surrealist, men det var jag inte. Jag har aldrig målat drömmar. Jag målade min egen verklighet.” Hon ställde dock ut på Julian Levy Gallery i New York, känt för att visa surrealism, och hon reste till Paris på Bretons uppmaning för att visa sina verk.
Tidigt i sitt liv överskuggades hennes arbete och rykte som konstnär av hennes förhållande till Rivera, som var äldre och berömd innan de träffades. Hon tycktes också stå i konflikt med sin pliktkänsla gentemot honom som hustru. I slutet av 1930-talet hävdade hon sitt oberoende från honom, och 1939 skilde de sig, men gifte om sig kort därefter. Denna händelse fungerade som ett viktigt tema i hennes verk under denna period. Till skillnad från Rivera, som var relativt rik på sitt arbete, hade Kahlo stora svårigheter att försörja sig på försäljningen av sina målningar.
Tillsammans levde de ett flamboyant liv i Mexiko och under sina resor till USA. De stod i centrum för det mexikanska kulturlivet på 1920- och 1930-talen när mexikanska konstnärer och intellektuella återupptäckte sitt eget arv och förkastade europeiska band. Denna önskan om en mexikansk konst kom delvis från ett intresse för vänsterpolitik. Kahlo var en livslång medlem av kommunistpartiet, som ansåg att konsten borde tjäna de mexikanska massorna snarare än en europeisk elit. Till skillnad från Rivera var Kahlo ingen muralmålare, men senare i sitt liv, när hon ombads att undervisa i en viktig statlig konstskola, organiserade hon grupper av studenter för att utföra offentliga arbeten.
Under sitt liv fick Frida Kahlo mer erkännande som målare i USA än i Mexiko. Hon ingick i flera viktiga grupputställningar, bland annat ”Twenty Centuries of Mexican Art” på Museum of Modern Art och en utställning med kvinnliga konstnärer på Peggy Guggenheims Art of This Century Gallery i New York. Hennes första separatutställning i Mexiko på Galeria Arte Contemporaneo ägde rum bara ett år före hennes död, delvis på grund av att hennes död var väntad. Efter hennes död 1954 ökade hennes rykte i Mexiko och minskade i USA, en tid då kommunister och deras sympatisörer misskrediterades. Diego Rivera själv är mindre känd i USA nu än på 1930-talet.
Likt många framstående kvinnliga konstnärer i sin generation, såsom Louise Nevelson och Georgia O’Keefe, var Frida Kahlos konst individualistisk och skiljde sig från det vanliga arbetet. De förbisågs ofta av kritiker och historiker eftersom de var kvinnor och outsiders och eftersom deras konst var svår att passa in i rörelser och kategorier. Kahlo har fått ökad uppmärksamhet sedan 1970-talet i takt med att invändningarna mot hennes politik har mildrats och intresset för kvinnliga konstnärers och intellektuellas roll i historien har ökat. Begreppen modernism utvidgas också till att omfatta en oavbruten strömning av figurativ konst under hela 1900-talet, i vilken Kahlos måleri smidigt passar in. Frida Kahlo var föremål för stora retrospektiva utställningar i USA 1978-1979 och 1983 och i England 1982.