Alai

Den italienska konsten, som består av några av världens mest berömda konstverk och arkitektur, har länge stått i centrum för världshistorien. Det kulturella framåtskridandet och utbytet av den populära ”stöveln” har varit konsekvent genom århundradena, vilket har resulterat i en kontinuerlig produktion av monumentala och spektakulära verk inom alla kultur- och konstområden. Från den klassiska tiden och de antika folken som bildade den första civilisationen på Apenninhalvön, det stora romerska riket som västvärldens ledande kulturella, politiska och religiösa centrum, till renässansens och barockens härliga perioder, som vi helt enkelt inte kan föreställa oss konsten utan, och de avgörande italienska avantgarderörelserna under det senaste århundradet, representerar den italienska konsten en av mänsklighetens största skatter. Dess konstnärer, museer, gallerier och tendenser har alltid varit nära förbundna med de intellektuella och religiösa strömningarna, och har speglat sin tids föreställningar och skapat ett exceptionellt och outtömligt arv. Som ett land där själva livet betraktas som en konstform fortsätter Italien att bidra till mångfalden och berikningen av sin egen och världens kultur, genom att hylla rikedomen och betydelsen av sin tradition.

De allra första början – romersk och etruskisk konst

Den centrala rollen i den italienska konsthistorien har alltid spelats av Rom, med början på 800-talet f.Kr. och den etruskiska konsten. När huvudstaden började bygga upp imperiet på Apenninhalvön var deras bronsfigurer, terrakottreliefer, målningar och fresker starkt närvarande och satte en rigorös standard för stil och teknik som skulle följas i århundraden framöver. De etruskiska freskerna, som finns på gravväggar, anses fortfarande vara de viktigaste exemplen på förromerska figurativa målningar som forskare känner till. Dessa var gjorda av färsk gips och naturliga färger, som mestadels kom från stenar och mineraler och applicerades med penslar av djurhår. Dessa verk avbildade främst vardagslandskap och traditionella mytologiska scener. Under mitten av 400-talet började man använda den berömda tekniken chiaroscuro för att skildra volym och djup.

Etruskerna hade också ett stort inflytande på den romerska arkitekturen senare, som var en av ryggraden i det stora imperium som kom till stånd vid 1000-talet e.Kr. Med civilisationen följde kultur och konst, och Rom blev den mest avancerade staden i världen. Konstverk blev en symbol för rikedom och överflöd, med väggmålningar som dekorerade husen och skulpturer som installerades i varje hörn av hemmet och trädgården. Romarna dekorerade också golven med mosaiker, som vanligtvis visade händelser från grekisk och romersk mytologi, historiska vardagsscener. Under inflytande av österländsk konst och religion, särskilt det bysantinska riket och huvudstaden Konstantinopel, började den romerska konsten att införliva kristna motiv och ökade produktionen av väggmålningar, mosaikarbeten i tak och golv samt gravskulpturer.

Trenden fortsatte in på medeltiden, där den bysantinska konsten i Italien utvecklades till en mycket formell och raffinerad dekoration med standardiserad kalligrafi och en beundransvärd användning av guld och färg. Konsten i Italien var vid denna tidpunkt ganska regional, med påverkan från externa europeiska och östliga strömningar. En annan viktig stil var den gotiska, som markerade övergången från medeltiden till renässansen. Under de religiösa tvisterna inom kyrkan ville franciskanermunkarna föra den katolska kyrkan tillbaka till grunden och introducerade den gotiska arkitekturen först i norra Europa och sedan söderut, mot Italien.

Renässanskonst i Italien

Säkerligen är renässansen den mest berömda perioden i Italiens konsthistoria och den markerade perioden mellan slutet av 1200-talet och slutet av 1500-talet. Den började med målare och skulptörer som ville ge sina verk en andlig kvalitet och framkalla en djup religiös innebörd. Samtidigt ville de skildra människor och natur på ett realistiskt sätt. Detta återspeglades också i renässansarkitekturen, där arkitekter ritade enorma katedraler för att betona Guds storhet och för att ödmjuka den mänskliga anden. Konstnärerna i renässansens Italien var ofta knutna till vissa domstolar och var lojala mot endast vissa städer, men deras konstverk visade hela Italien och spred konstnärliga och filosofiska idéer. Renässansens födelseplats är säkert staden Florens i Toscana, som än i dag innehar några av de viktigaste verken från de fyra perioderna och är hemvist för de mest berömda museerna och gallerierna i världen.

I själva verket delades protorenaissance (1300-1400), tidig renässans (1400-1475), högrenässans (1475-1525) och manierism (1525-1600) upp mellan de konstnärer som lyfte fram var och en av dem. Början markerades av den berömda målaren Giotto, som var den första konstnären som skildrade naturen realistiskt sedan Romarrikets fall. Hans magnifika fresker, fyllda av känslor som glädje, ilska, förtvivlan, skam, ondska och kärlek, finns fortfarande kvar i kyrkor i Assisi, Florens, Padua och Rom. Mellan Giotto och de tre mästare som kom att dominera konsten i slutet av 1400-talet och början av 1500-talet har vi Taddeo Gaddi, Orcagna, Altichiero, Masaccio, Donatello, Paolo Uccello, Andrea Mantegna och många fler.

Verken i italiensk renässanskonst – Italiens konsthistoria

Högrenässansens verk av Michelangelo, Rafael och da Vinci

Perioden för högrenässansen, från slutet av 1400-talet till början av 1500-talet, var en av de viktigaste tiderna i hela konsthistorien och det ljusaste ögonblicket i den italienska, säkerligen på grund av tre mäns briljans: Michelangelo, Rafael och Leonardo da Vinci. Michelangelo, som utropades till historiens största skulptör, var en mästare på att porträttera den mänskliga figuren och ge ett överväldigande intryck av fysisk och andlig kraft. Hans anmärkningsvärda fresco på taket i Vatikanens Sixtinska kapell, som målades mellan 1508 och 1512, räknas som ett av renässansens största konstverk. Å andra sidan var Rafaels konst mer poetisk, eftersom han var skicklig på att skapa perspektiv och använda känsliga färger. Han är känd för sina många målningar av Jungfru Maria och många av hans verk var influerade av klassiska grekiska och romerska förlagor.

Samman med freskerna i Sixtinska kapellet på listan över de mest berömda verken i italiensk renässanskonst är Leonardo da Vincis Sista nattvarden och porträttet Mona Lisa, vilket placerar honom som den obestridligen största hjärnan i sin tid och därefter. Da Vinci var en symbol för renässansens anda av lärande och intellektuell nyfikenhet, en stor talang inom så många olika områden som lärde sig genom att titta på saker och ting. Hans studier av ljus, anatomi, landskap och mänskliga uttryck är fortfarande oöverträffade av någon annan konstnär i världen.

Introduktion till italiensk modern och samtida konst

Mellan renässansen och den moderna tiden utvecklades den italienska konsten stilmässigt genom manérismens elegans, Caravaggios och Berninis stormiga chiaroscuro-barock, Tiepolos, Canalettos och Bellottos rokokotendenser samt Canovas och Hayez’ nyklassicistiska verk, mellan 1600- och 1800-talet. I och med 1900-talets ankomst anslöt sig Italien och dess konstnärer också till avantgarderörelserna och förlitade sig på det rika arvet från sina föregångare. Med en stor utveckling inom måleri och skulptur kom Italien också att bli en hotspot för design, särskilt mot slutet av millenniet som producerade inflytelserika designers med sina fantasifulla och geniala funktionella verk.

Futurism – Futurismo

Mellan 1909 och 1916 anslöt sig Italien till de europeiska rörelser som syftade till att bryta banden med det förflutna på alla livets områden. Det började med det futuristiska manifestet, utformat av den italienske författaren Filippo Tommaso Marinetti, som uttryckte futuristernas förhärligande av kraft, snabbhet och spänning och ogillandet av allt gammalt, särskilt den politiska och konstnärliga traditionen. Deras konstverk hyllade den tekniska triumfen och maskinålderns seger över naturen och visade ofta bilen, flygplanet och industristaden. Futurismkonstnärernas stil kännetecknades av överlappande färgfragment och multipla bilder, som svämmar över av energi och framkallar den frenetiska atmosfären i den moderna tiden. Verken omfattade en mängd olika medier, inklusive måleri, skulptur, grafisk och industriell design, keramik, film och teater, mode och textilier, litteratur, musik, arkitektur och till och med gastronomi, och hämtade inspiration från divisionismen och kubismen. Futuristernas idéer tillämpades inom bildkonsten av en grupp unga målare i Milano, bland annat Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla och Gino Severini. Boccioni arbetade även med skulpturer och skapade som bekant 1913 Unique Forms of Continuity in Space som stod som symbol för figurer som rörde sig genom rummet med stor hastighet.

Metafysisk konst – Pittura Metafisica

Med Carlo Carràs och Giorgio de Chiricos arbete i Ferrara kom den metafysiska konsten, på italienska pittura metafisica, att definiera ett drömskt måleri av torg som var typiskt för idealiserade italienska städer. I dessa verk tycks figurer och föremål vara frusna i tiden och befinner sig i märkliga och ologiska sammanhang, med overkliga ljus och färger och ett onaturligt perspektiv. Dessa verk, som beskrivs som ”målningar som inte kan ses”, måste erkännas som produkter av det omedvetna sinnet, bortom logik och fysisk verklighet – därav namnet ”metafysiskt”. Den skola som de Chirico och Carrà etablerade, även om den var kortlivad, gav betydande impulser till utvecklingen av rörelser som Dada och Surrealismen också.

Novecento Italiano

Novecento Italiano grundades 1922 i Milano och var en rörelse som skapades för att förnya den italienska konsten genom att förkasta europeiska avantgarderörelser, och den byggde på Mussolinis fascistiska retorik. Initiativet grundades av kritikern Margherita Sarfatti och utövades av sju konstnärer, däribland Anselmo Bucci, Leonardo Dudreville, Achille Funi, Gian Emilio Malerba, Piero Marussig, Ubaldo Oppi och Mario Sironi, och återvände till den stora italienska föreställande konsten från det förflutna, i synnerhet Quattrocento (1400-talet) och Cinquecento (1500-talet). Novecento-konstnärerna (dvs. 1900-talet) stödde den fascistiska regimen och deras verk förknippades med den statliga propagandaavdelningen, som syftade till att återuppliva traditionen av historiemåleri i stort format på klassiskt sätt. Rörelsen lanserades officiellt 1923 vid en utställning i Milano, med Mussolini som en av talarna, och pågick ända fram till 1943.

Spatialism – Spazialismo

Märkt av Lucio Fontanas uppslitna och genomborrade målningar var spatialismen, eller movimento spaziale på italienska, den mest framträdande rörelsen under efterkrigstiden mellan 1947 och 1954. Den var tänkt som en ny typ av konst och avsåg att syntetisera färg, ljud, rum, rörelse och tid i konstverk och kombinerade element från den konkreta konsten, dadaismen och tachismen. Rörelsen, som föregicks av Fontanas Manifesto Bianco (White Manifest) som publicerades i Buenos Aires 1946 och följdes av ytterligare fem manifest, strävade efter att förena konst och vetenskap för att projicera färg och form i det verkliga rummet med hjälp av moderna tekniker som neonljus och television. Fontanas verk, till exempel 1947 års Black Spatial Environment och de dukar som skars sönder med ett rakblad och som skapades under 1950- och 60-talen, kom att påverka miljökonsten och var de första att främja idén om gestuell konst och performance som avgörande delar av skapandet.

Arte Povera

Den uppskattade italienska konstkritikern Germano Celant myntade begreppet Arte Povera under 1960-talet och beskrev konstverk som kombinerade aspekter av konceptuell, minimalistisk och performancekonst för att inta en radikal hållning. Konstnärerna började ifrågasätta och så småningom angripa etablerade institutioners värderingar och frågade sig om konsten som en individs privata uttryck fortfarande hade ett etiskt skäl att existera. Celant, tillsammans med nyckelpersoner som bidrog till att forma rörelsen, t.ex. Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Jannis Kounellis, Mario Merz och Marisa Merz, Pino Pascali, Giuseppe Penone och Michelangelo Pistoletto, förespråkade idén om en revolutionär konst, fri från konventioner, strukturens makt och marknaden. Namnet ”arte povera”, som betyder ”utarmad konst”, härstammar från användningen av värdelösa eller vanliga material som jord eller tidningar, i hopp om att undergräva kommersialiseringen av konsten.

Anti Design

Förutom de viktigaste rörelserna inom den italienska konsten som formade landets kultur under 1900-talet spelade även designen en viktig roll, som blev välkänd och växte till höjder av sofistikering och klass. Medan formgivarna i början av århundradet kämpade för att hitta en balans mellan klassisk elegans och modern kreativitet och gav liv åt verk som liknade den franska Art Deco-stilen, utvecklades området till huvudaktör på den internationella scenen under 1960- och 70-talen, främst inom möbler och inredning. Mellan åren 1966 och 1980 fanns dock Anti-Design, som betonade slående färger, skalförvrängning, ironi och kitsch. Rörelsen var en reaktion mot modernismens perfektionistiska estetik, som började med Ettore Sottsass Jr. Tillsammans med radikala designgrupper som Archigram och Superstudio uttryckte de idéer genom att producera möbelprototyper, utställningsföremål och publicera manifest som anses revolutionerande än idag. De omfamnade det unika framför massproduktion och deras design var tänkt att vara funktionell snarare än vacker.

Transavangarde – Transavanguardia

Transavangarde, även känd som Transavanguardia, är den italienska versionen av neoexpressionismen och är en rörelse som svepte genom Italien och resten av Västeuropa i slutet av 1970- och 1980-talet. Begreppet, som bokstavligen betyder ”bortom avantgardet”, myntades av en annan berömd italiensk kritiker, Achille Bonito Oliva, och symboliserade förkastandet av det konceptuella och återgången till känslan, särskilt inom måleri och skulptur. Konstnärer som Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Sandro Chia och Mimmo Paladino återupplivade symbolismen och det figurativa måleriet samt det mytiska bildspråket, som återupptäcktes under rörelsens höjdpunkt.

Till det nya millenniet – Arte Italiana Today

Även femhundra år efter renässansen, som fortfarande anses vara höjdpunkten i den italienska konsthistorien, är landets plats på den internationella scenen mycket betydelsefull även idag. Dess konstnärer, kritiker, kuratorer och inflytelserika personer är ständigt närvarande, vilket visar Italiens beslutsamhet att bevara sitt arv utan att förlora fokus på nutid och framtid. Låt oss inte glömma att Venedigbiennalen var den första konstutställningen som förespråkade samtidskonst i världen, 2015 markerade den sin 56:e upplaga. Förutom de historiska museer och gallerier som finns utspridda över hela landet, som Uffizierna eller Pinacoteca di Brera, finns det i städer som Florens, Milano, Rom, Venedig och Turin ett stort antal institutioner och evenemang som är centrala för att stödja och främja samtidskonsten i och utanför Italien: Palazzo Reale och Museo del Novecento i Milano, MACRO och MAXXI i Rom, Museo di Villa Croce i Genua, Punta della Dogana i Venedig, Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina i Neapel, Castello di Rivoli i Turin… Under det senaste decenniet har Italien också sett sina konstnärer och konstverk växa fram på den internationella konstmarknaden, uppdelat mellan 1900-talets viktiga figurer och en grupp nya talanger som kommer att definiera millenniets tendenser. En stor bidragsgivare och fostrare av dessa individer är säkerligen konstmässan Artissima, Italiens största som nu är inne på sitt 23:e år, liksom de många privata och offentliga konstsamlingarna. Med en stark inspiration från det förflutna verkar den italienska konsten ostoppbar och ger oss ingen anledning att tvivla på att dess extraordinära arv inte kommer att fortsätta långt in i framtiden.

Redaktörens tips: Kvinnor i den italienska renässanskonsten: Mellan ca 1350 och ca 1650 debatterades mycket om kvinnors natur, roller, utbildning och beteende i de italienska stadssamhällena. Den här boken fyller en lucka i den fortfarande växande litteraturen om alla aspekter av kvinnors liv under den här perioden. Med hjälp av ett brett utbud av material, varav det mesta aldrig tidigare översatts, belyser boken de ideal och den verklighet som präglade kvinnors liv inom ramen för den borgerliga och höviska kulturen i renässansens Italien. Texten är uppdelad i tre avsnitt: samtida uppfattningar om kvinnans natur och etiska och estetiska ideal som ansågs vara lämpliga för dem; livscykler från födelse till död, som avbröts av riterna vid förlovning, äktenskap och änkesskap; kvinnors roller i klostret, vid hovet, på arbetsplatsen och i det kulturella livet.Genom att utforska dessa teman visar Mary Rogers och Paola Tinagli att det inte fanns någon enda ”renässanskvinna”. Kvinnornas erfarenheter var rika och varierande, och deras röster talar om olika möjligheter till känslomässigt rika och socialt användbara liv.

1. Nice, A. T., Rome, Ancient, World Book, 2011
2. Kitzinger, E., Byzantine art in the making: main lines of stylistic development in Mediterranean art, 3rd-7th century, Faber & Faber, 1977
3. Hartt, F., A History of Italian Renaissance Art, Thames and Hudson, 1970
4. Pope-Hennessy, J. W., Italian High Renaissance and Baroque sculpture, Phaidon Press, 1996
5. Hyland, D. K. S. Futurism, World Book, 2011
6. Formaggio D. et al, Il Novecento Italiano, 1923 – 1933 Gabriele Mazzotta, 1983
7. Parmesani, L., L’Arte del Secolo, Skira, 2003
8. Celant, G., Arte Povera: Histories and Protagonists, Electa, 1985

Featured images in slider: Michelangelo Pistoletto – Venus i trasorna 1967, 1974. Bild via Tate. Arvode från Castello di Rivoli; Francesco Clemente – Il cerchio di Milarepa (Milarepas cirkel), 1982; Lucio Fontana – L’attesa. Den trasiga telefonen, 1959-66. Bild via Wikipedia; Mario Merz – Do houses revolve around us or do we revolve around houses?, Arte Povera 2011, Triennale, Milano; Carlo Carrà – The Red Knight (1913), via pinterest com; Giorgio de Chirico – Melancholia, 1916, Bild via Wikipedia; Maurizio Cattelan – The Ninth Hour, 1999, Bild via Wikipedia. Alla bilder används endast i illustrativt syfte.

.